BLOG DE MUSICA VIVA

la ultima ola

2008-11-06T13:20:00.001-10:00

Don´t Worry About Me ....

2008-10-07T02:17:00.005-10:00

(hace click en el titulo y bajate el ultimo disco solista de Joey)

Antes de que les cuente unos secretos, deben tener un contexto. Tuve mi primer disco de Ramones en el año `83. Fueron simultáneos: London Calling! de The Clash, y Ramones. Entiendan que tenía el Never Mind the Bollocks, y estaba bien. Pero colgué el pullover peruano tras los Clash, y fue con Ramones que rompí mi primer Levis....
El 4 de febrero de 1987 tocaron por primera vez en Argentina. Presentaban Animal Boy. Y fuímos los cinco mil que los conocíamos. Ni uno más, ni uno menos.
Años después volvían los Ramones a la Argentina. En mi historia personal, volvía Joey Ramone a la Argentina. Porque yo sabía algo de ellos: lo derechoso de Johnny, lo reventado de Dee Dee, los bateros que iban y venían. Pero Joey era el Ramone que yo quería conocer.
Pude. Vaya si pude....
Vinieron en el `91, vinieron en el `92, pero yo quiero contarles hoy de la visita del `94.
Joey Ramone cumplía años, y fue una tarea ardua averiguar sus gustos. Finalmente compramos terrible torta en Amiga Miga, sucursal Entre Ríos al 1100, en ese entonces Cap. Fed. Chocolate, relleno de dulce de leche (sin alcohol, porque Joey cumplió un tratamiento tremendo de desintoxicación desde la vez que se cayó en el CBGB y las rodillas se le astillaron: ni una gota de alcohol.), cubanitos rellenos, rulos de cereza. No alcohol, ni en tortas, ni en bombones. Dulces and café.
Joey festejó su cumpleños 42 en la Heavy, en el año 1994. Llegó solo, con un montón de CDs. Se tomó una cafetera de café. Y el secreto de las 7 llaves, él que explica porque Joey venía a la Heavy siempre, es que sabíamos de él. Y le preparábamos café: 7 cucharadas de café molido por taza. Borra, entienden?. Lo revolvía –no usaba azúcar ni sucedáneos- y lo bebía de a dos tragos. “Another, please” decía sin mirar y estirando la mano con la taza. No miraba Joey Ramone, fotofóbico, lentes redondos negros. Enfermo de una enfermedad degenerativa en los huesos que –a raíz de la caída en el CBGB- se le había agravado: los huesos le crecían tanto que la piel no podía contenerlos.
Joey Ramone no daba besos: daba la mano. Joey Ramone no entendía el fanatismo argentino: un fan con una tijera intentó sacarle un mechón de pelo, en la visita del `92 le rompieron los anteojos –aprovecho a darle las gracias a la óptica de Gerli que le hizo los anteojos al toque a las 2 de la mañana- , las chicas querían sexo (“Por favor...son tan chicas que podrían ser mis hijas!”) y Grinbank se moría porque nunca, jamás en 20 años de shows habían tocado más de 4 noches seguidas. Grinbank se moría porque los Ramones eran una mina de oro, y Joey le decía: “Nunca canté cinco noches seguidas!”. Y Grinbank les ofrecía grupies, les ofrecía fiesta, les ofrecía lo que a todos. Y Joey se encerraba en su pieza, a coserse los remiendos del pantalón de siempre. Joey se cagaba en las ofertas, me entienden?. No podía cantar más de cuatro noches seguidas porque no le daba la voz. Y de las chicas bonitas...el fue novio de Debbie Harry en el `76. Los mejores labios y culo del punk rock.
En la Heavy a Grinbank no lo veíamos nunca y nos centramos en cantarle el feliz cumple a Joey. El sopló las velitas de la torta de Amiga Miga y nos dijo: “Gracias, amigos!”. Se quedó hasta las 3 de la mañana, no importaba que hiciera 4 o 40 Obras.
El tipo era arisco, era un junco, estaba enfermo, y no entendía. Pero le encantaba venir a la Heavy: se consideraba “dj invitado”, hizo un homenaje a Cobain, (al que trató de cobarde “por haberse suicidado”), se tomaba una cafetera de café, se comía su porción de torta y lo único que exigía era no salir por donde estaba la gente porque le habían roto sus anteojos y habían intentado cortarle el pelo y “nosotros no somos populares, no sé porque acá pasa esto...”
Saben donde Ramones llevaba gente?. En Japón y en Argentina. En su país, en USA, donde su mamá vió nacer a Ramones porque “para que no se droguen en la calle los dejé drogarse en casa” y les prestó el sótano para ensayar y así empezó todo, tenían 500 fans. Desde Debbie Harry y Elvis Costello hasta Jello Biafra y Michael Stipe, pero no más de 500. En Japón tenían fans por millones, pero japoneses. Sobrios. Filmadores, callados, respetuosos. En Argentina eran niñas trepadas a los árboles, remeras ramoneras, las veredas del hotel llenas de gente, los peluches, los chicos enrramonados de cabeza a los pies. Y Joey, detrás de sus anteojos, balbuceando I don´t No.
Los Ramones hicieron ese año más de 4 shows, y la cuenta bancaria de Grinbank rió. Joey Ramone ya estaba enfermo, y empeoró.
Luego volvieron y tocaron con Motörhead, y el “adiós, amigos” fue adiós. Eddie Vedder filmó el show, pero a mi dejenme mirar otra película: la de un tipo que miraba con los ojos blancos, mientras limpiaba sus anteojos –sus imprescindibles anteojos- como hacíamos el programa de radio porque él tenía su programa en una radio college en New York, y le encantaba. El de los huesos salidos, con la enfermedad disimulada por una joroba propia de una persona de casi dos metros. No un jugador de basquet, más cercano a un freak. El de las zapatillas iguales, siempre las mismas. El que se cosía el pantalón, porque debía durar por lo menos dos giras más. El de la remera violeta, descolorida a cada visita. El supergentil: siempre decía gracias, elogiaba, pedía por favor. El humilde, sentado en un rinconcito del estudio de radio, con sus discos. El que no se aprovechaba de ser Joey Ramone, y decía: “Estas nenas tienen quince años, como me voy a acostar con ellas...”. El que revolvió el café con mi cucharita, comió de mi torta, me permitió sacarme fotos con él (y entiendan esto: por la Heavy pasaron cientos de músicos, y yo no me saqué fotos con casi nadie: no vino Strummer, no vino Stipe, a Iggy no había forma de llegar, entonces fue con Joey) y me dedicó el disco.
El que cuando se iba de Argentina llamó a la radio y dijo: “Nunca tomé un café tan rico”. El que lloré cuando se murió, aunque supiera.
Tenían que verle los huesos, las manchas, la mirada. No sé si importa mucho que esté huesos en tierra, para mí siempre estará emergiendo tras la música de Camel, con su one, two, three.
Aunque yo ya no use Levis rotos, y él no cumpla más años comiendo torta...

Pd: Joey Ramone nació como Jeffrey Hyman el 19 de mayo de 1952, y celebró su cumple nro 42 en la Heavy Rock & Pop. [Eme Eme]*

* Miriam Maidana (aka Eme Eme) es psicóloga especialista en adicciones. Actualmente escribe un libro sobre nuevos consumos y tribus urbanas. Fue telefonista, asistente de producción y productora artística de la Heavy Rock And Pop. También formo parte de "Evitando el ablande" un programa radial que iba en las madrugadas de FM La Rocka, allá lejos y hace tiempo.

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2008-09-28T20:41:00.000-10:00

ve ee eee eeee eeeee

2008-09-27T11:21:00.004-10:00

~

2008-09-26T12:23:00.001-10:00

2609

2008-09-25T16:33:00.001-10:00

2709

2008-09-24T13:18:00.003-10:00

Reckoner Remix

2008-09-22T07:29:00.003-10:00

Thom Yorke posteo hoy en el sitio web de su banda que Radiohead volverá a permitir a sus fans remixar “Reckoner” de álbum In Rainbows. Del mismo modo en que ofrecieron a comienzos de año remixar el single “Nude”, la banda pondrá a disposición de sus fans secciones separadas del tema (o “stems” = ramas como se los conoce en el hemisferio norte). Las “ramas” q serán vendidas a partir del 23 de setiembre incluirá las vocales, guitarras, baterías, bajo, así también como piano y cuerdas.
Ya puedes ir escuchando algunos remixes aquí.

hey vi si dixit: "mosca de tu hogar"

2008-09-21T10:47:00.005-10:00

x a. delvalle

El grupo Salamandra cumplió ocho años de trayectoria y para festejarlo invitó a su “cumpleaños” a Patrick Altamirano (Revolber), Walter Cabrera (Flou) y Jaime Zacher (Bohemia Urbana), lo que causó gran sorpresa en la noche, además de nutrir un repertorio lleno de “Cianuro”, nombre del primer demo del grupo. Fue con “Mosca de tu hogar” que aquel conjunto de cuatro amigos que hace ochos años se reunieron en la antigua Estación de Ferrocarril de Ypacaraí, para pensar profesionalmente en ser músicos, iniciaron un recital lleno de libertad.
Se escucharon canciones como “Estás”, “Papelillo blanco”, “Malos pasos”, “Té de cianuro”, además del reggae “En el viento”, etcétera. Asimismo, desde el comienzo del show el artista Pablo Medina se encargó de plasmar toda la energía de la noche en un cuadro que lo terminó al final del concierto y que fue exhibido al final. Integran el grupo Salamandra: Javier Zacher (guitarra y voz), Cachito Galeano (bajo y coros), Willy Chávez (guitarra y coros) y José “Batoloco” Gaona (batería).

Dime que escuchas...

2008-09-20T06:47:00.008-10:00

Londres, Setiembre 08 (EFE)
distribución x metal tenderness

Frente a todos los estereotipos, los aficionados al "heavy metal" son personas tiernas, según un estudio divulgado hoy en el Reino Unido que analiza los vínculos entre los gustos musicales y los rasgos de la personalidad. De acuerdo con la investigación, tanto los amantes del jazz como los de la música clásica tienen una alta autoestima y son gente creativa, pero mientras los primeros se caracterizan por su sociabilidad, los segundos son personas introvertidas.
Opinando sobre 104 estilos musicales y respondiendo a preguntas sobre su personalidad, más de 36.000 personas en todo el mundo han participado en la investigación, la mayor de este tipo desarrollada hasta ahora según su autor, el catedrático de Psicología Adrian North, de la Universidad británica de Heriot-Watt, que la ha llevado acabo durante los últimos tres años. Según el estudio, los aficionados al "heavy metal" son personas tiernas y tranquilas, aunque no son muy trabajadores ni sociables y tienen una baja autoestima. "La gente tiene el estereotipo de que los aficionados al 'heavymetal' son gente deprimida hasta el suicidio y un peligro para ellos mismos y la sociedad. Pero son gente bastante delicada, dijo el autor del estudio, en declaraciones de las que se hace eco la agencia local PA. En su opinión, uno de los hallazgos "más sorprendentes" de la investigación es la similitud entre las personalidades de los amantes del"heavy metal" y de la música clásica: en ambos casos de trata depersonas creativas, introvertidas y tranquilas.
Además de los "heavy", también se caracterizan por su ternura los aficionados a la samba, la ópera, el "reggae", la música disco y el soul, pero ese rasgo de la personalidad no se encontrará ni en los amantes del punk ni en los que prefieren la música indie. Los amantes del rap se caracterizan por su sociabilidad y su alta autoestima, y los aficionados a la música country por ser muy trabajadores, al igual que los que prefieren el pop. Estos últimos, además, son tiernos y sociables, aunque no se caracterizan por su creatividad. Los melómanos a la música clásica y los seguidores del heavy metal tienen en común más de lo que la gente se imagina, según se desprende del mismo estudio que establece un vínculo entre los rasgos de carácter y los gustos musicales. Los admiradores del heavy metal comparten "un amor por la magnificencia", que los predispone a apreciar de la misma manera algunas obras de música clásica."Aparte de las diferencias de edad, es fundamentalmente el mismo tipo de personas", asegura el profesor North. "Muchos seguidores de heavy metal le dirán que también les gusta Wagner porque es grandioso, ruidoso y exuberante". Asi mismo, el estudio demuestra que al contrario de las ideas recibidas, los aficionados al heavy metal tienen un temperamento afable, no son los más vehementes en el trabajo y les falta confianza en ellos mismos. Al revés que los admiradores de música clásica, que tienen una buena opinión sobre ellos mismos, explica el estudio. Según el estudio, los apasionados por el country son trabajadores, los admiradores de rap son sociables, y los de jazz tienen espíritu de innovación y una gran autoestima."Nosotros siempre habíamos sospechado que existía un vínculo entre los gustos musicales y la personalidad", explicó North. "Esta es la primera vez que hemos sido capaces de observarlo en detalle. Nadie había realizado antes un estudio a esta escala".

Lo nuevo de Thievery

2008-09-19T13:23:00.010-10:00

El dúo de dj’s/ productores de Washington DC, Thievery Corporation se convertirá en la ultima sensación independiente en experimentar con la distribución/promoción online, pues hoy, viernes 19 de setiembre, su ultimo material Radio Retaliation estará disponible en su integridad para hacerle al streaming en ilike y en Facebook, cuatro días antes de su lanzamiento oficial el 23 de setiembre. No siendo extraños a la enunciación política, la jugada de Rob Garza y de Eric Holton ciertamente viene con mensaje empaquetado: mientras la consolidación/homogenización de las señales radiales han convertido a la radio terrestre en cualquier cosa menos un mercado saludable para los músicos, el Internet provee una directa autopista entre artista y su audiencia, libre de dilución.
La vía de escape de la banda, iLike, es promocionada como “el servicio líder de descubrimiento socio-musical en la web”, y es actualmente una de las aplicaciones mas exitosas del gigante Facebook. Los usuarios podrán “streamear” el nuevo disco mientras estos ven los videos originales del dúo explicando el álbum, elaborando la aproximación, cavando el mensaje, etc.
El debut de iLike diferirá de otros grandes modelos de distribución como el download “pague lo que quiera” de Radiohead del año pasado, focalizándose al contrario en la utilización del networking social como un instrumento de promoción. El anuncio de Thievery Corporation intentara capitalizarse a través del potencial publicitario pre-lanzamiento que ofrece internet, en un día y época en que inclusive sendos guerreros anti-piratas como lo son Metallica ya han hecho las paces con la inevitable filtración de álbumes a través de la red. El lanzamiento de Radio Retaliation marcara la primera “fiesta de escucha global” entre iLike y Facebook, quienes contienen entre sus filas 30 y 100 millones de usuarios globales respectivamente.
Grabado en el Distrito, Radio Retaliation es el quinto larga duración de estudio del dúo a ser lanzado por su propio sello Eighteenth Street Lounge Music. “Outernational”, algo asi como “exteriornacional”, parece ser la frase de preferencia que describe el sonido trotamundos del dúo – una amalgama ecléctica de influencias con infusiones de groove que van desde el afrobeat hasta la electrónica.
Los fans podrán acceder al stream via la pagina iLike/Facebook page de Thievery Corporation empezando hoy, y estará disponible para la pre-orden exclusiva en iTunes hasta el lanzamiento oficial el 23 del corriente. Mientras tanto, también podrás echar ojo y oreja al MySpace de la banda.

El Concierto

2008-09-18T14:12:00.004-10:00

x Augusto Monterroso

Dentro de escasos minutos ocupará con elegancia su lugar ante el piano. Va a recibir con una inclinación casi imperceptible el ruidoso homenaje del público. Su vestido, cubierto con lentejuelas, brillará como si la luz reflejara sobre él el acelerado aplauso de las ciento diecisiete personas que llenan esta pequeña y exclusiva sala, en la que mis amigos aprobarán o rechazarán--no lo sabré nunca--sus intentos de reproducir la más bella música, según creo, del mundo.
Lo creo, no lo sé. Bach, Mozart, Beethoven. Estoy acostumbrado a oír que son insuperables y yo mismo he llegado a imaginarlo. Y a decir que lo son. Particularmente preferiría no encontrarme en tal caso. En lo íntimo estoy seguro de que no me agradan y sospecho que todos adivinan mi entusiasmo mentiroso.
Nunca he sido un amante del arte. Si a mi hija no se le hubiera ocurrido ser pianista yo no tendría ahora este problema. Pero soy su padre y sé mi deber y tengo que oírla y apoyarla. Soy un hombre de negocios y sólo me siento feliz cuando manejo las finanzas. Lo repito, no soy artista. Si hay un arte en acumular una fortuna y en ejercer el dominio del mercado mundial y en aplastar a los competidores, reclamo el primer lugar en ese arte.
La música es bella, cierto. Pero ignoro si mi hija es capaz de recrear esa belleza. Ella misma lo duda. Con frecuencia, después de las audiciones, la he visto llorar, a pesar de los aplausos. Por otra parte, si alguno aplaude sin fervor, mi hija tiene la facultad de descubrirlo entre la concurrencia, y esto basta para que sufra y lo odie con ferocidad de ahí en adelante. Pero es raro que alguien apruebe fríamente. Mis amigos más cercanos han aprendido en carne propia que la frialdad en el aplauso es peligrosa y puede arruinarlos. Si ella no hiciera una señal de que considera suficiente la ovación, seguirían aplaudiendo toda la noche por el temor que siente cada uno de ser el primero en dejar de hacerlo. A veces esperan mi cansancio para cesar de aplaudir y entonces los veo cómo vigilan mis manos, temerosos de adelantárseme en iniciar el silencio. Al principio me engañaron y los creí sinceramente emocionados: el tiempo no ha pasado en balde y he terminado por conocerlos. Un odio continuo y creciente se ha apoderado de mí. Pero yo mismo soy falso y engañoso. Aplaudo sin convicción. Yo no soy un artista. La música es bella, pero en el fondo no me importa que lo sea y me aburre. Mis amigos tampoco son artistas Me gusta mortificarlos, pero no me preocupan.
Son otros los que me irritan. Se sientan siempre en las primeras filas y a cada instante anotan algo en sus libretas. Reciben pases gratis que mi hija escribe con cuidado y les envía personalmente. También los aborrezco. Son los periodistas. Claro que me temen y con frecuencia puedo comprarlos. Sin embargo, la insolencia de dos o tres no tiene límites y en ocasiones se han atrevido a decir que mi hija es una pésima ejecutante. Mi hija no es una mala pianista. Me lo afirman sus propios maestros. Ha estudiado desde la infancia y mueve los dedos con más soltura y agilidad que cualquiera de mis secretarias. Es verdad que raramente comprendo sus ejecuciones, pero es que yo no soy un artista y ella lo sabe bien.
La envidia es un pecado detestable. Este vicio de mis enemigos puede ser el escondido factor de las escasas críticas negativas. No sería extraño que alguno de los que en este momento sonríen, y que dentro de unos instantes aplaudirán, propicie esos juicios adversos. Tener un padre poderoso ha sido favorable y aciago al mismo tiempo para ella. Me pregunto cuál sería la opinión de la prensa si ella no fuera mi hija. Pienso con persistencia que nunca debió tener pretensiones artísticas. Esto no nos ha traído sino incertidumbre e insomnio Pero nadie iba ni siquiera a soñar, hace veinte años, que yo llegaría adonde he llegado. Jamás podremos saber con certeza, ni ella ni yo, lo que en realidad es, lo que efectivamente vale. Es ridícula, en un hombre como yo, esa preocupación.
Si no fuera porque es mi hija confesaría que la odio. Que cuando la veo aparecer en el escenario un persistente rencor me hierve en el pecho, contra ella y contra mí mismo, por haberle permitido seguir un camino tan equivocado. Es mi hija, claro, pero por lo mismo no tenía derecho a hacerme eso.
Mañana aparecerá su nombre en los periódicos y los aplausos se multiplicarán en letras de molde. Ella se llenará de orgullo y me leerá en voz alta la opinión laudatoria de los críticos. No obstante, a medida que vaya llegando a los últimos, tal vez a aquellos en que el elogio es más admirativo y exaltado, podré observar cómo sus ojos irán humedeciéndose, y cómo su voz se apagará hasta convertirse en un débil rumor, y cómo, finalmente, terminará llorando con un llanto desconsolado e infinito. Y yo me sentiré, con todo mi poder, incapaz de hacerla pensar que verdaderamente es una buena pianista y que Bach y Mozart y Beethoven estarían complacidos de la habilidad con que mantiene vivo su mensaje.
Ya se ha hecho ese repentino silencio que presagia su salida. Pronto sus dedos largos y armoniosos se deslizarán sobre el teclado, la sala se llenará de música, y yo estaré sufriendo una vez más.

2008-09-17T12:41:00.002-10:00

ESTE JUEVES ZAPPADA FUNK CON MOTHER FUNK

LUGAR: LA VIOLA PUB ( RCA. FRANCESA Y E. AYALA)

ENTRADAS: 10MIL GS.

escuchanos en:www.myspace.com/karashafunk

A PARTIR DE LAS 22 HORAS.

Entrevista con Richard

2008-09-16T18:15:00.011-10:00

por Mark Blake, Agosto 1996

PARTE UNA – BROKEN CHINA

¿Qué te motivó a hacer otro álbum solista?

Eso fue mientras grababa el último álbum de Pink Floyd, The Division Bell. La idea para esta grabación fue inspirada, tristemente, por mi propia experiencia personal con una amiga cercana que estaba sufriendo de depresión nerviosa. Yo quería expresar mis sentimientos acerca de lo que estaba viendo, no fue un proceso curativo, aunque yo no era la persona que estaba sufriendo, me hizo reflexionar acerca de los que estaba observando. Cuando hicimos The Division Bell, yo fui parte del proceso creativo porque estuve escribiendo en vez de solo tocar el material; pero sentí que no estaba en la dirección correcta todo el tiempo. Me gusta el disco, pero también me sentí frustrado. Como escritor tu siempre puedes terminar en desacuerdo con la gente con la cual trabajas acerca de ciertas cosas, y yo sentí que era el momento de hacer algo por mi mismo. Yo disfrute mucho tocar en el tour de The Division Bell tour así que cuando llegué a casa, la ultima cosa que quería hacer era sentarme sin hacer nada. A medida que fui juntando ideas para mi propio álbum, yo hice arreglos para ir a mi estudio y comenzar a escribir.

¿Fue Anthony Moore una elección obvia para trabajar?

Definitivamente, inicialmente yo le pedí que me ayudara en el estudio. Yo había comprado algo de equipo computarizado con el cual no estaba enteramente familiarizado y sabia que Anthony podía ayudarme. Pero la razón principal por la cual lo incluí fue debido a lo bien que trabajamos juntos en Wearing The Inside Out. Yo realmente no quería hacer este álbum completamente solo, porque yo no me considero a mi mismo como un compositor, mientras que fue fácil para Anthony entender el tema del álbum, ya que el entendió los sentimientos que mi amiga y yo estábamos experimentando.

Has mencionado que estuviste frustrado con algunos aspectos de The Division Bell, ¿Experimentaste un sentido de libertad trabajando en un álbum que era exclusivamente tuyo?

La palabra "libertad" ha sido mencionada pocas veces con los Floyd, yo siempre salgo, escribo una canción y se las muestro como un demo al resto de la banda. Si a ellos les gusta, entonces la usan, si no, entonces no. Con Broken China fue completamente diferente: yo no había escrito nada antes de que Anthony viniera y trabajara conmigo. El álbum se estructuró de maneras diferentes - ya sea que una sección fuera, por ejemplo, de música sinfónica y de rock. Pero nunca hicimos un demo, además hicimos todo el disco en mi estudio en Francia.

¿Cómo decidiste cuales músicos ibas a usar en tu proyecto? (Entre los músicos se incluye el guitarrista de Pink Floyd Tim Renwick, el guitarrista Dominic Miller, bajista Pino Palladino, baterista Manu Katche y voces por Sinead O'Connor).

Yo vi el tour de Peter Gabriel a principios del 94. Manu Katche tocaba la batería y yo ya me había formulado la idea de hacer un álbum. Tan pronto como lo escuché, yo quise que tocara en Broken China, así que le envié la música y aunque su agenda es muy apretada, él llamó y dijo que le gustaría tocar, siempre y cuando Pino Palladino tocara el bajo, ya que ellos trabajan muy bien como equipo. Pino era mi principal elección de todas maneras, fue un placer verlos tocar juntos y experimentar lo rápido que hicieron las pistas. Ocho pistas en seis dias - Sorprendente! Tim Renwick era naturalmente mi primera elección, debido a nuestra asociación con la gira de los Floyd, además siendo un amigo cercano, el te da el sonido y feeling que tu sugieras. Después de eso, cuando yo estaba buscando alguien que tocara algo de guitarra atmosférica, Laurie Latham, que hizo las grabaciones sugirió a Dominic Miller, que, aunque estaba trabajando con Sting en ese momento, sacó tiempo para trabajar conmigo. Lo extraordinario es que todos los músicos con los que quise trabajar, encontraron tiempo suficiente para venir y tocar en Broken China.

¿Porque elejiste a Sinead O'Connor para cantar en dos canciones?

De nuevo, Sinead era mi primera opción. Sin embargo, conseguir a tus músicos de sesión favoritos es una cosa y preguntarle a un artista establecido es otra. Yo estaba asustado cuando ella aceptó. Yo siembre supe que se necesitaba una mujer que cantara Reaching for the Rail y Breakthrough, siendo que esas canciones son las palabras de la persona a la cual le estoy escribiendo. Para mi, la calidad de su voz fue absolutamente perfecta para esas dos canciones.

¿Te sientes más cómodo cantando ahora?

Ciertamente. Al principio yo pensé en buscar alguien que cantara las partes masculinas - no sé quién - pero rápidamente me di cuenta que al hacer eso podía apartar al álbum de mi, ya no sería tan personal. Siendo capaz de grabar en mi propio estudio lo hizo fácil. Yo podía ir allí y cantar lo que se me viniera a la cabeza - improvisando y a veces haciendo letras sin sentido. Entonces yo las regresaba, encontraba lo que servia y lo que no y gradualmente fui tomando confianza desde allí. Escuchándolo ahora, me gusta el sonido de mi propia voz porque encontré un estilo con el cual me siento muy cómodo.

¿Cómo ves tus dos discos anteriores?

El último (Identity grabado con Dave Harris del grupo Fashion, bajo el nombre colectivo de Zee en 1984) siempre lo describí como "un error experimental" . Nosotros hicimos toda la grabación en un Fairlight, el cual era una maquina sorprendente en ese momento; pero que ahora parece desactualizada. Wet Dream (mi primer album solo lanzado en 1978) fue mas bien amateur. No estuvo bien producido y las letras no eran muy fuertes, pero al final del día yo creo que hay algo bueno en él. Actualmente me gusta.

Hablaste de haber sufrido un bloqueo como compositor en el pasado ¿Cuánto duro esa situación?

Yo no sé si fue un bloqueo, pero si sé que me volví muy flojo. Después de Identity en 1984 me fui a vivir en Grecia, en un ambiente no muy propicio para tocar música. Yo perdí contacto, si tu quieres. Yo estaba feliz navegando mi yate por las islas griegas (Risas), pero ahora yo recuerdo y pienso "Quizás fue una pequeña perdida de tiempo".

Tu ya no estabas involucrado con Pink Floyd en ese momento (habiendo salido de la banda durante la grabación de The Wall). ¿Sentiste una real necesidad de apartarte del negocio de la música?

No fue una decisión basada en la música sino en algo más personal, ya que yo me había involucrado con alguien que vivía en Grecia, tomé la decisión de mudarme allá con ella, yo no lo hice con la intención de apartarme del mundo de la música, pero un buen día me levanté y me dije "Dios mío, ¿que he estado haciendo?". Así que llamé a David (Guilmour) y el me dijo que estaba planeando hacer otro álbum con los Floyd (A Momentary Lapse Of Reason). Yo le dije que si me necesitaba para tocar el teclado me encantaría hacerlo. Yo llegué a medio camino durante la grabación del disco y entonces salí de gira con ellos.

¿Eres ahora oficialmente un miembro de Pink Floyd?

Sí. Fue bueno ser capaz de contribuir con The Division Bell desde el principio, en vez de venir a mitad de camino como me pasó en A Momentary Lapse Of Reason.

Que sentiste al ver a los Floyd continuar como una banda sin ti, habiendo sido parte desde el comienzo?

Me sentí horrible. La razón por la que yo abandoné la banda en primer lugar fue que Roger (Waters) estaba asumiendo el control. El había escrito todo en The Wall. Era su obra y el tenía derecho a deshacerla y eso era justamente lo que el estaba intentando hacer a menos que yo dejara la banda. Había este gran choque de personalidades entre Roger y yo, así que un día me di cuenta que no podía seguir trabajando con esta persona, así que me fui.

PARTE DOS - LA ERA DE LOS FLOYD

¿Qué piensas de The Final Cut (El único álbum de Floyd sin Wright)?

No me gustó, pero sé que puedo tener algún prejuicio acerca de ese álbum, considerando mi situación. Pero creo que si le preguntas a Dave o a Nick (Mason) acerca de lo que ellos piensan, te dirán que tampoco piensan que sea un buen álbum. El asunto es que durante la producción de The Final Cut, los tres tuvieron fuertes discusiones que culminaron con la salida de Roger de la banda. El tenia la errónea idea de que él era la banda, es por eso que su ego se desgarró cuando Dave eventualmente decidió continuar sin él.

Tu mencionaste que te sentiste frustrado por algunos aspectos de The Division Bell, ¿Cuales exactamente?

Yo pienso que nosotros podíamos haber ido mas lejos haciendo el álbum de Pink Floyd del modo en que solíamos hacerlo: más temático, con toda la música teniendo un enlace lógico. Eso es lo que yo creo que una gran cantidad de fans quiere y fue algo que quise alcanzar en mi propio disco. En cuanto a "The Division Bell", hay una gran cantidad de aspectos con los cuales si me sentí muy contento, como por ejemplo: el poder contribuir componiendo, mi influencia puede ser escuchada en temas como Marooned y Cluster One. Ese fue el tipo de cosas que yo le di a los Floyd en el pasado y fue bueno que ellos vuelvan a usar esas cosas otra vez.

Evidentemente tienes un real afecto por lo que podría llamarse el sonido "clásico" de Pink Floyd

Bueno, mucha gente dice que no se puede escuchar solo unas canciones del Broken China sino que hay que escucharlo completo. Yo creo que eso fue cierto con Pink Floyd. Eso es lo que a mi me gusta de los álbumes y creo que es lo que a la gente le gusta de los álbumes de los Floyd. A mi me gusta tocar ese tipo de música y es ese tipo de música que me gusta crear. A mi no me gusta la idea de escribir 12 canciones y juntarlas en un solo disco. Yo no soy ese tipo de compositor¿

Estas de acuerdo en que hay paralelismo entre Broken China y la banda sonora para películas?

Si. Cuando los Floyd escribieron música para las películas Zabriskie Point y More, eran solo una colección de canciones y piezas instrumentales. Es muy difícil meterse en la banda sonora de la película, pero ahora a mi me gustaría hacerlas. Música e imágenes juntas me fascinan así como observar como la música puede afectar una película completamente. Me encantaría tener la oportunidad de hacer la música para una película grande.

¿Te sorprende el misticismo que todavía rodea a Pink Floyd y especialmente a Syd Barrett, aún ahora?

Yo creo que puedo entenderlo. Si tu escuchas The Piper At The Gates Of Dawn, hay algunas canciones extraordinarias allí - y eso fue lo que Syd hizo. El era una persona sorprendente, y ese fue el tipo de canciones que nadie había escrito antes - infantiles, pero maravillosas. Por supuesto que nosotros desarrollamos y cambiamos completamente a través de los años. Pero yo puedo entender porque la gente todavía quiere saber acerca de Syd y de la música que hicimos.

¿Cómo te sientes acerca de las nuevas generaciones que escuchan esos discos?

Yo no sé si eso es algo bueno o algo malo. En algunas formas es grandioso, es interesante que la música creada en los 60 y los 70 se escuche tanto hoy. En el último tour fue increíble tocar música para gente que no había nacido cuando fue escrita y que se la conocieran tan bien.

¿Cómo ves tú esos primeros discos de Pink Floyd?

Yo me apoco en algunas de mis canciones - como Remember A Day. Nosotros éramos un poco amateur en ese momento, yo no creo que mis canciones sean las únicas que no suenan bien ahora, algunas como Corporal Clegg, que es una canción de Roger es realmente mala. Syd era el compositor pero entonces nosotros tuvimos que tomar la composición de los temas y eso fue una gran responsabilidad. Nosotros nunca pudimos escribir como Syd, nosotros nunca tuvimos la imaginación necesaria para hacer cosas como las que él hizo.

¿Que recuerdos tienes de la historia de la banda a principios de los 70´s - cuando hicieron discos como el Dark Side Of The Moon y el Wish You Were Here?

El final de los 60´s fue un periodo puramente experimental en la historia de la banda, pero fue un proceso de aprendizaje. En los 70's nosotros nos consolidamos y supimos lo que podíamos hacer: Lo que podíamos escribir, lo que podíamos tocar. Dark Side Of The Moon y Wish You Were Here fue un tiempo memorable. Recordándolo ahora, pienso que fue un tiempo muy ocupado, así que creo que no teníamos mucho tiempo para sentarnos y pensar en lo que estábamos haciendo. Durante todo el principio de los '70s, nosotros estábamos o de gira o en el estudio. Eso es todo lo que puedo recordar.

¿Que piensas de Animals, casi 20 años después?

Fue difícil. Era 1977 y eso fue cuando Roger realmente comenzó a creer que él era el único compositor de la banda. Con relación a ese álbum, fue parcialmente mi culpa ya que yo no tenía mucho que ofrecer. Dave, que si tenía algo que ofrecer, solo llegó a colocar un par de cosas allí. A mi me gusta como toqué en ese álbum. No fue un álbum divertido de hacer. Comparado con: Por decir algo, Wish You Were Here, donde nosotros realmente nos esforzamos juntos como una banda - nosotros tuvimos nuestras diferencias pero todavía fue un proceso creativo - Animals fue un trabajo pesado, pero yo no tenía nada que ofrecer, a nivel de material, así que estaba en una situación difícil.

Pink Floyd siempre se le colocó junto a toda esa escena progresiva de los 70´s. ¿Pudieron estar relacionados con esas bandas?

Yo siempre sentí que éramos únicos, pero me fijaba en bandas que estaban por allí en ese momento: Grupos como Genesis, Yes y Led Zeppelin. Yo escuché a todos esos grupos y me gustaron algunas cosas de ellos. Siempre me gustó Genesis con Peter Gabriel pero perdí el interés cuando él se marchó.

¿Hizo el punk mucha diferencia para ti?

Yo pienso que el punk fue bueno porque me llevó de regreso a los días del Club UFO. Yo pensé que por fin había algo que realmente estaba rompiendo barreras. Desafortunadamente, no me gustó la música, pero me gustó todo el movimiento y gente como Malcom McLaren y Vivienne Westwood. Yo me sorprendí un poco cuando los Floyd fueron criticados por algunas de las bandas Punk (Risas), pero no me molestó. Ahora mira a los Sex Pistols. Ellos se han reformado!

Mucho del catalogo de los Floyd es percibido casi como "intocable". ¿Estarías dispuesto a romper algunas ilusiones revelando cuales cosas te gustaría cambiar en esos discos?

Yo pienso más en términos de mezcla y sonido, que en las canciones en si. Yo pienso que todos deseamos que algunas de las letras hubieran sido un poco mejor, especialmente en las primeras canciones, y que la calidad de la grabación de la batería y el bajo, por ejemplo, fuera mejor. Pero en términos de la esencia de las canciones, yo no creo que me gustaría cambiar nada, porque eso era lo que era en ese momento. Esos éramos nosotros.

¿El resto de la banda ha escuchado Broken China?

Dave ha ciertamente escuchado algo de ello, porque yo le pedí que tocara en la grabación. El tocó la guitarra en una canción, pero nosotros decidimos utilizar un enfoque para esa canción poco después, así que no usamos su guitarra. El escuchó el álbum y pienso que su comentario fue que el pensó que era muy bueno.

¿Ves mucho a la banda entre los álbumes y las giras?

Nosotros no socializamos mucho. Pink Floyd es como un matrimonio que está en permanente separación (Risas). Nosotros nos respetamos mucho pero no somos amigos íntimos. Al principio éramos amigos: vivíamos juntos constantemente, 24 horas al día. Pero éramos jóvenes y no muy serios acerca de nuestra relación. En estos días, yo creo que todo se convirtió en respeto. Hay respeto entre nosotros.

¿Fue The Division Bell un álbum fácil para ustedes tres? - en cuanto a sus relaciones desde la última vez que estuviste en el grupo?

Ciertamente. Yo no sé si se debe a la edad, no sé si se hace más fácil a medida que te haces mas viejo, podría ser. Aunque uno tiende a ser más terco con la edad y querer las cosas a la manera de uno, lo cual es una de las cosas que yo siempre he tratado de evitar.

PARTE TRES - SYD, DROGAS, EL FUTURO

Tu co-produciste el segundo álbum de Syd Barrett (Barrett in 1970). ¿Podría verte a ti mismo moviéndote hacia la producción?

Producirte a ti mismo es una cosa y producir a alguien mas es otra. Anthony (Moore) podría hacerlo y de hecho lo hace. Pero yo no tengo el tipo de personalidad correcta, ni el deseo, si tu quieres, yo no me veo haciendo algo como Brian Eno. Hacer el disco de Syd fue interesante, pero extremadamente difícil. Dave y Roger hicieron el primero (The Madcap Laughs), luego Dave y yo hicimos el segundo. Pero entonces se trataba de ayudar a Syd de cualquier forma, en vez de preocuparnos por obtener el mejor sonido de la guitarra, tu te podías olvidarte de eso. Se trataba solo de ir al estudio y tratar de que él cantara. Sin embargo, yo pienso que ambos discos de Syd son una parte interesante de la historia.

¿Tienes algún contacto con Syd Barrett?

Yo leí en una revista que el estaba volviéndose ciego a causa de una diabetes. Esto es terriblemente triste. Nosotros no lo vemos, porque aparentemente si el se recuerda de los Floyd y de cuando estuvo en ello, él cae en un estado depresivo que tarda semanas en terminar. Su madre nos pidió mantenernos aparte hace unos años atrás. Aparentemente, la mayor parte del tiempo está feliz - o lo estaba - pero nuestras caras pueden desatar un lapsus. ¿Que pudiera ocurrir de todas maneras o que fuera una sobre dosis de ácido? ¿Quién sabe? Yo creo que fue un poco de ambas cosas. Todo lo que se es que una semana estaba bien y a la siguiente era completamente diferente. Fue una terrible tragedia. (Nota del traductor: En realidad Syd, no está ciego, ni tiene diabetes, ni está loco, aunque tampoco ha recuperado totalmente su normalidad)

¿Cuales son tus puntos de vista con relación al Ácido ahora?

Syd fue influenciado por una gran cantidad de gente a su alrededor que lo animaban a hacer trip. Hay una carga de ácido por allí. El no estaba solo. Recuerdo que nosotros teníamos gente como Timothy Leary que abiertamente promulgaban: haz trip con el nuestro y tómalo cada día. ¿Incorrecto? Sí. ¿Mal dirigido? Sí. Fue malo para mí. Yo hice dos trips en mi vida. El primero fue bastante bueno, pero eso fue antes de que estuviera en la banda. Entonces tomé otro mas y no lo disfruté en lo absoluto, así que nunca más lo tomé de nuevo. Esto ciertamente destruyó a Syd y creo ha destruido a muchas otras personas.

Pero la música de los Floyd se le describe como "inspirada por drogas". ¿Piensas que esa percepción es errónea?

Si te refieres a que Pink Floyd tomó drogas - te equivocas. No hay forma de que yo pudiera tocar y tomar algún tipo de drogas al mismo tiempo.

¿Escuchas mucha música? ¿Tienes inspiración de otros tecladistas?

Yo no escucho tanta música como solía hacerlo, porque estoy muy ocupado con mi propia música. Yo no pienso en otros tecladistas como competencia, yo tengo un estilo con el Hammond - bueno o malo - que es mío. Yo no soy técnicamente un buen pianista. Yo le decía a alguien el otro día que a mi me gustaría poder tocar el honky-tonk piano. Yo escucho al Dr John y aprecio lo que hace, pero ¿puede él tocar el Hammond como lo hago yo? Yo me veo a mi mismo más como compositor que como ejecutante. Yo no puedo tocar el piano rápido - yo no soy Oscar Peterson - y yo tampoco se leer música. A veces, me gustaría poder sentarme y tocar un maravilloso piano concerto.

¿Qué es lo siguiente?

Yo me siento muy bien con lo que he hecho en Broken China. Estoy orgulloso. Me gusta mucho y ahora voy a vivir con eso. Siempre hay unas cuantas cosas que pude haber cambiado pero en realidad no son tantas como pensé que serian. Este me ha dado un despegue. El próximo año estaré haciendo otro álbum o quizás una banda sonora para una película. Si Pink Floyd vuelve a grabar, grabaremos, sino, no importa, mientras tanto yo continuaré escribiendo.¿Así que no tienes planes de grabar con los Floyd?Algún día en el futuro yo le diré a Dave, "Cuando vamos a hacer otro disco?" y entonces ese día me dirá "Voy al estudio a componer - ven conmigo." La gente siempre me pregunta cuando Pink Floyd va a hacer otro disco, pero honestamente yo no lo sé. Nosotros tenemos la tendencia de hacer discos en ciclos de seis o siete años, así que como el último album fue hecho en el 94, quien sabe, el próximo podría ser en el año 2001! Nosotros no tenemos una imagen especifica de cómo será. Lo cual lo hace mucho más fácil para nosotros a medida que nos hacemos más viejos. Con Pink Floyd nosotros tendremos que insistir que el encargado de iluminación nos esconda completamente, así que nadie nos pueda ver en sillas de ruedas!

© 1996 EMI Records Ltd.

Tomado del Echoes Digest V5 #626 Traducido por Eddio PinaR

Por tu oreja, fuertisimo !

2008-09-16T15:07:00.003-10:00

RIPE BANANA SKINS & ETERNA presentan:

“Nambiro Sónico Vol. 2:

MÁS FUERTE!!!"

Domingo 28 de Setiembre de 2008 (Víspera de feriado)

Club Chaco Boreal (Abente Haedo esq. Gonzalo de Mendoza.)

17:00hs. - Entradas: Gs. 15.000(anticipadas) – Gs. 20.000(en puerta)

El día domingo 28 de Setiembre los grupos de rock nacional Eterna y Ripe Banana Skins llevaran a cabo el concierto denominado "Nambiro Sonico Vol.2: MÁS FUERTE", show que contará también con la presencia de Los Amigos de tu Hermana y La Santísima Groove como invitados especiales. El show se realizará en el Club Chaco Boreal, ubicado en Abente Haedo esq. Gonzalo de Mendoza. Los portones se abrirán puntualmente a las 17hs y las entradas tendrán un costo de Gs.15.000 en forma anticipada, y Gs.20.000 el día del evento. Los puntos de venta de anticipadas son:

- Electric Circus – Gral Diaz 454 c/ 14 de mayo

- Music Hall – Shopping Mcal Lopez

- Zeppelin – Shopping Multiplaza

Como su nombre lo indica, esta es la segunda edición de este espectáculo, el cual fue realizado en Febrero de este año en el estacionamiento del Casino de Asunción by Worest y tuvo una concurrencia de aproximadamente 500 personas.

El "Nambiro Sonico" surgió de la iniciativa de Ripe Banana Skins y Eterna de ha

cer un show conceptual donde ambas bandas buscaban romper los esquemas de estilos y apostar a la diversidad para brindar un show que amplíe los horizontes musicales de las personas. Motivados por el éxito que tuvo la primera entrega, ahora se viene el volumen 2, en un nuevo local, con capacidad para mas personas y así también el valor agregado de invitar a bandas amigas(Los Amigos de tu Hermana y La Santísima Groove), a formar parte de esta fiesta.

Actualmente Ripe Banana Skins se encuentra en plena etapa de grabación de lo que será su segundo disco de estudio, previsto para fin de año. Además de eso, lanzarán muy pronto la reversión de un tema del grupo argentino “Los Fabulosos Cadillacs”, para un compilado latinoamericano llamado “Todos queremos tocar el cielo”, a cargo de la afamada revista “Arde Rock” que se distribuye en las ciudades de Buenos Aires y Mexico DF. En dicha selección participan bandas de todo el continente, siendo Ripe Banana Skins y Kachiporros los representantes paraguayos en el compilado.

Eterna por su parte, también se encuentra en la etapa de pre- producción de lo que será su primer material de larga duración. El grupo lanzó en mayo del 2007 su primer material discográfico denominado "Al borde", un EP de 6 temas que tuvo muy buenas criticas del público en general como de otros músicos del medio. Eterna está integrado por: Rodrigo Aguilera (guitarra), Jose Pino (guitarra), Nilson Olmedo (bajo), Juan Britez (Batería) y Miki Napout (Voz)

La Santísima Groove es una banda de Funk nacional nacida hace poco mas de un año, influenciada por el groove que caracteriza el estilo de los años 70 sumado a un tinte de fiesta con una gran versatilidad de ritmos, melodías y canto a gran velocidad, que no permite cuerpos estáticos entre el público. Influenciados por: Parliament, George Clinton, James Brown, Kool and the Gang, Maceo Parker, Red Hot Chili Peppers, entre otros. La agrupación está conformada siempre tirando a la ofensiva con C

J Lavigne por detras con la batería, al medio por izquierda Rubén Urán en el bajo, por derecha Ati Fariña en la guitarra, los volantes ofensivos Marcelo Ortigoza en el Saxo y Wilfred Scheiff

ele en el trombón y en la delantera Domi "bardolargo" Lombardo en las voces.

Los amigos de tu Hermana traen un nuevo blues, mas intenso y rapido, con mucha influencia de los White Stripes, Zeppelin, Aerosmith y Patricio Rey. La originalidad y la intensidad como puntas de lanza, llenando un espacio faltante en el rock nacional.
Integrantes:
Guitarra/Voz - Patricio Brugada
Bateria - Rafael Gaona

Bajo - Federico PeÑa
Guitarra - Alejandro Servian

Se nos fue Richard Wright...

2008-09-15T14:00:00.005-10:00

Richard Wright, tecladista y miembro fundador de la legendaria banda británica de rock “Pink Floyd”, murió hoy de cáncer a los 65 años, informó su portavoz. “La familia de Richard Wright, miembro fundador de Pink Floyd, anuncia con gran tristeza que Richard falleció hoy tras una corta lucha contra el cáncer“, indicó la fuente. “La familia ha pedido que su intimidad se respete en este difícil momento”, agregó el portavoz, sin precisar qué tipo de cáncer ha acabado con la vida del músico. Wright pasará a la Historia de la música por haber creado “Pink Floyd” junto a Roger Waters (cantante, bajista y compositor) y Nick Mason (batería). Los tres artistas, que se conocieron en la Escuela Politécnica de Arquitectura de Regent Street (centro de Londres), fundaron en 1965 “The Pink Floyd Sounds”, nombre original del mítico conjunto.
Aunque como compositor no fue tan prolífico como Waters, con quien mantuvo una agria rivalidad, sí escribió algunas canciones de álbumes tan conocidos como “Meddle” (1971), “The dark side of the moon” (1973) y “Wish you were here” (1975), siendo sus teclados una especie de marca registrada característica del sonido de la banda. Entre sus obras mejor conocidas estan la coautoria de canciones como “Us and Them”, “the Great Gig in the Sky” y la joya de Atom Heart Mother, “Summer 68”. Durante la grabación de “The Wall” (1979) -uno de los discos más emblemáticos de Pink Floyd- Wright se vio obligado a abandonar la banda por sus diferencias irreconciliables con Waters, quien amenazó con echar por tierra ese trabajo si el tecladista no dejaba el grupo. Sin embargo, Wright, posiblemente el componente más discreto de la banda cara a la opinión pública, siguió tocando con el conjunto como músico a sueldo durante los conciertos de promoción de “The Wall” en 1980 y 1981. Autor de dos discos en solitario, “Wet dream” (1978) y “Broken China” (1996), el músico continuó colaborando puntualmente con “Pink Floyd”, sobre todo, tras la salida de Waters de la banda en 1985.

Arpones Gitanos!!

2008-09-15T05:10:00.004-10:00

x hey vi si

Un encuentro inédito protagonizarán en la noche del próximo martes el conjunto paraguayo de flamenco fusión Almandaluz y uno de los más grandes exponentes del arpa paraguaya, Nicolasito Caballero, a las 20:00 en el auditorio “Manuel de Falla” del Centro Cultural de España “Juan de Salazar” (Herrera 834 casi Tacuary). La entrada es libre y gratuita.
Nicolasito y Almandaluz tocarán juntos en el ciclo “La canción es siempre la misma”, presentado y patrocinado por el “Juan de Salazar”.Almandaluz con su exploración de “las raíces puras del flamenco con los sonidos autóctonos del folclore regional”, y Nicolasito Caballero, con el toque distintivo de quien es señalado hasta por sus propios colegas como “el más grande“, deslumbrando a auditorios del mundo con su virtuosismo como instrumentista -de hecho se destaca como multiinstrumentista- y su originalidad como compositor y arreglista. Almandaluz fue creado por el guitarrista y compositor Alejo Jiménez en 2003, pero es a partir de abril de 2007 que el conjunto toma nuevo impulso sumando al cuerpo a la profesora y “bailaora” de flamenco Viviana Galeano y a otros nuevos integrantes.Junto a Jiménez y Galeano completan el elenco Kike Alvarez (violín y arreglos), Ariel Burgos (contrabajo), Ruth Villalba y Leandro Jiménez (percusiones), Gema Alvarez (baile), Carlos Zárate (cante) y Marina Tiburcio (flauta).A ellos se sumará la performance pictórica de Pablo Medina. El grupo de música y baile se halla actualmente en pleno proceso de producción de su primer trabajo discográfico. El espectáculo corresponde a una coproducción de Marlene Sosa Lugo, Ana Scappini y Felipe Vallejos. El escenario del “Manuel de Falla” ya tuvo sobre sus tablas al power trío rockero Fauna Urbana con Vocal 2; a Neine Heisecke debutando como solista; y al grupo Dokma con el guitarrista Efrén Echeverría.

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2008-09-14T12:38:00.001-10:00

Conversación entre Byrne y Chao

2008-09-13T11:10:00.013-10:00

Moderador: Enrique Lavín. Traducción: Enrique Blanc.

Gracias a los buenos oficios de la revista La Banda Elástica (LBE) dos de las principales figuras del rock actual mantuvieron un largo diálogo telefónico en donde abordaron sus inquietudes frente a los nuevos rumbos que ha tomado nuestro planeta: la globalización, las nuevas tecnologías, el reciclaje o la dictadura de la novedad. Una versión de esta conversación fue publicada por LBE y ahora se publica por primera vez la versión íntegra, para disfrute de todos los que gusten de los detalles.
Llevó cerca de cinco meses realizar este encuentro entre David Byrne y Manu Chao. Finalmente, el 14 de abril de 2001, fue posible encontrar una hora para que estos dos pudiesen intercambiar ideas y sentimientos acerca del hecho de hacer música, comer bien y las ventajas y desventajas de una economía globalizada, la libertad que conllevan los avances tecnológicos y la importancia de reciclar. Byrne había regresado a Nueva York de un viaje por Europa. Chao había llegado el día anterior a Los Angeles. Eran las 14:00 en Nueva York y las 11:00 en L.A. cuando nos enlazamos vía telefónica. Byrne y yo estábamos en las oficinas de Luaka Bop, Chao estaba en su cuarto del hotel. (Enrique Lavín)

David Byrne: Comencemos con La Feria de las Mentiras, a la cual fui en Santiago de Compostela (España). La gente en Europa sabía en qué consistía pero aquí en Estados Unidos no era así. Es difícil explicar que no era un festival de rock. Para mí, la gastronomía y el teatro adquieren una importancia similar a la que tiene la música. Y había muchas variedades distintas de música. En este caso tú fuiste el organizador, el instigador, pero ninguno de los participantes, al menos hasta donde sé.
Manu Chao: Sí, así es. Creo que es buen propósito encontrarse con amigos y hacer muchas cosas. Antes que nada, La Feria de Las Mentiras es un poco un cuento, una historia. Yo cantaba en bares y por todas partes, y contaba esta historia. Después, la subí al Internet y la pasé a quien pude. Y decidimos reunirnos alrededor de esta historia. La Feria de las Mentiras es una historia corta que habla de la migración.
LBE: Manu, ¿podrías resumirnos la historia?
Chao: Es la historia de un perrito en Galicia, que como muchos gallegos, como muchos europeos, emigró. Entonces, este perrito se fue para América Latina, a Venezuela. Y allí trató de hacer su vida. Se encontró al Cocodrilo Indígena, (yo tengo una canción sobre un mestizo apodado "El Cocodrilo"). Después, el cocodrilo se encontró con otro emigrante. Pero éste no había llegado por deseo propio, vino de Nigeria como esclavo, Super Changó. Y juntos se fueron a recorrer el mundo en busca de "la risa", de reírse, porque un día perderían su risa. Y así, dieron vuelta al mundo haciendo su pequeña "Feria de las Mentiras".
Byrne: No conocía la historia, pero sí a algunos de los grupos que estuvieron allí como Amparanoia, ¿Estuvo Maomao de Italia?
Chao: Estuvo Maomao. Bandas de Barcelona: Dusminguet; de Francia, Sargento García; muchas bandas gallegas. Porque fue en Galicia, al norte de España.
Byrne: Sí, hubo muchas bandas locales, y bandas que sólo tocaban para bailar. Bandas locales con acordeón y de ese tipo.
Chao: Sí, lo que en Galicia llaman el "rock bravú", rock que surgió en el campo y no en la ciudad.
Byrne: Y la comida era exquisita.
Chao: Galicia es un sitio grandioso para comer, hay buena cocina.
Byrne: Lo cual hace una gran diferencia con los festivales aquí en Estados Unidos.
Chao: En La Feria o en el circo en Francia, siempre consideramos la comida algo muy importante.
Byrne: Aquí, eso siempre se les olvida. Es algo que…(risas)
Chao: (Risas) Lo que nosotros queremos es una reunión culinaria, lo demás viene después.
Byrne: He notado, las veces que he estado en España con amigos, que muy tarde en la noche, luego de que todos comieron y bebieron algunas copas, se saca la guitarra y se comienza a cantar. Y si de casualidad hay un cantautor por allí, canta una de sus canciones, o bien cantan las canciones de otros, o alguna que todos se saben, o tocan bongós o golpean en las mesas. ¿Cómo le dirías? Es algo muy espontáneo, muy amateur. Te da la idea de que la música no es un lujo, sino algo que uno da.
Chao: Sí, se hace para ese instante, no para ser grabada ni para hacer negocio, sólo para ese instante.
Byrne: Sí. Es música para ese momento. Música que haces con los amigos.
Chao: Claro, y con un poco de aguardiente pues…
Byrne: (Risas) Sí, con un poquito también. No sé si esto pasa en Francia, pero en los otros dos lugares donde he visto que sucede es en Irlanda y en Texas.
Chao: Sí, y también en otro montón de lugares, en Brasil hay una tradición. De verdad me impresiona la gente que puede improvisar con las letras.
Byrne: Es muy difícil hacerlo. Es otra habilidad.
Chao: Personalmente, siempre escribo mis canciones y después las canto. Pero me fascinan los que inventan canciones y letras al instante, con los amigos como público. Les viene del corazón.
Byrne: Sé que en Puerto Rico hay toda una tradición con las décimas. Improvisas una letra de diez líneas. Tienen algo donde los integrantes de la audiencia dictan un tema, y los cantantes dicen, "OK".
Chao: Es un poco como el combate de versos entre dos personas. En Galicia esta tradición se llama regueifa; en Brasil se les llama repentistas, se encuentra alrededor del mundo. Creo que en Nueva York se le llama the dirty dozen . No sé si estoy en lo correcto.
Byrne: Sí. Aún se practica en Nueva Orleáns. Aquí se transformó en rap, los primeros raperos lanzaban un desafío…
Chao: Sí, el principio del rap viene de allí.
Byrne: Déjame preguntarte sobre algunas colaboraciones. Hay una canción que hiciste con Tonino Carotone, que no creo que la gente en Estados Unidos conoce, como la gente en Europa.
Chao: Si hablamos de improvisar letras, Tonino Carotone es uno de los mejores que he conocido. En un bar, a las cinco de la mañana, es el mejor.
Byrne: Wow, que divertido… (risas)
Chao: Sí, tiene algunas canciones. Lo conozco desde hace mucho. Es buen amigo mío. Un día vino a verme y me dijo "Manu, tengo una canción que quiero grabar". Yo le dije "bueno, aquí tengo mi ocho tracks".Sí, pero tengo que grabarla en el baño, porque allí se encuentra la mejor acústica." Así grabamos "Me cago en el amor", el primer sencillo de Tonino Carotone, lo grabamos en el baño de La Feria de las Mentiras.
Byrne: ¡Suena grandioso! ¿Dónde vive?
Chao: Ahora, Tonino vive Barcelona, pero es de Navarra, de Pamplona. Tenía una banda que se llamaba Kojón Prieto y Los Guajolotes que cantaba cosas mexicanas. Ahora hace ese tipo de canciones nuevas inspiradas en Italia, en gente como Cholentano o Renato Carosone, esa cosa de Italia.
Byrne: Sí, lo hace a su propio modo. Hay otro grupo que escuché recientemente, Brazuca Matraca. ¿Son amigos tuyos en Barcelona?
Chao: Sí todos ellos son parte de mi barrio en Barcelona: Brazuca Matraca, su cantante se llama Wagner y es de Brasil. Es DJ en Barcelona. Hizo un disco, muy independiente. Hemos estado colaborando. Todo el vecindario. Todos cantamos en el disco. Igual que esta otra banda, Dusminguet, igual que Macaco.
Byrne: Los conozco. Acaban de colaborar con una banda mexicana.
Chao: Sí, están en México, trabajando con Los de Abajo.
Byrne: Eso es lo que están haciendo. Y él hizo música para una pieza de teatro, algo asombroso. Atmosférico y electrónico, pero sin canciones… Pero avancemos. Una de las cosas en la música que, bueno he estado enfrentando en mi sello, de la mucha música que escucho de bandas de todas partes, es el hecho de lidiar con ese conflicto de la globalización de la música. Está su propia escena local, la música de tu barrio, de tus padres, y también la música de Coca-Cola, y McDonald's o lo que sea. Esas bandas están enfrentándose a ese problema. Tú lo hiciste con Mano Negra; esas bandas lo hacen a su modo. Escuchas bandas de Colombia, Venezuela, Brasil, Argentina, España, de todas partes. Para mí, todos están haciendo lo mismo, un movimiento que no tiene centro.
Chao: Sí, lo que pasó, creo, fue que hace ocho o nueve años, en Sudamérica, por todas partes, la gente dejó de avergonzarse por utilizar su propia cultura en el rock and roll. Porque anteriormente, era algo por lo cual te sentías apenado. Y cierta gente empezó a entender que podía utilizar su cultura y fusionarla con rock o con cualquier tipo de música.
Byrne: ¿De dónde venía esa vergüenza? ¿De Estados Unidos, del mercado global?
Chao: En el caso de América del Sur, y España, creo que las fronteras entre el rock and roll y el folclor eran muy grandes. Así que había una vergüenza en hacer uso de ello. Todos querían imitar a The Clash o a Led Zeppelin o a los Rolling Stones, y siempre les dio vergüenza recurrir a su propia cultura. Creo que a inicios de los noventas, la gente comenzó a entender que había un tesoro en cada país. También, creo, sucedió cuando la música estadounidense e inglesa no eran, quizás, tan interesantes.
Byrne: Sí, y también se dio esa oportunidad.
LBE: Pero, Manu, ¿por qué crees que los latinoamericanos tenían esta vergüenza de hacer uso de su folclor?
Chao: Porque las fronteras eran muy diferentes, demasiado grandes… Se escucha música folclórica al igual que música para bailar, música autóctona para bailar en los salones de baile, pero eso nunca fue muy aceptado por los rockeros de Sudamérica. El rock nunca surgió de los guetos, vino de la clase media y de la clase alta, que eran los que podían comprar una guitarra. La gran transformación se dio cuando la guitarra eléctrica pudo entrar en las favelas, en los guetos, en la música popular.
Byrne: Y ahora tienen tornamesas, y samplers, sintetizadores y máquinas de ritmo, etcétera. Alguien me decía que un nuevo estilo de funk esta surgiendo de las favelas. Es brasileño, pero a su vez es electrónico.
Chao: Sí, es algo muy interesante que hay que ver en Río. El funk, una especie de rap duro de la favelas, mezclando lo tribal con electrónica. Es un rap muy urbano, muy importante en Brasil. Creo que es una de las mejores cosas cocinándose en Brasil, y no es muy conocido internacionalmente. Tienen salones de baile enormes. Por la noche, los viernes o sábados en Río, puedes escuchar desde todas las favelas los sonidos de los salones de baile. Es muy interesante cuando estás afuera, porque es una mezcla increíble de todos los salones juntos. Es un sonido impresionante.
Byrne: Oh my god! (risas). Experimenté eso una vez en un lugar mexicano, con cuatro bandas tocando al mismo tiempo.
Chao: ¿Al mismo tiempo y en el mismo lugar?
Byrne: Sí, en la mismo salón y pensé, "Bueno, esto parece una composición moderna de vanguardia".
Chao: Me gustaría intentarlo algún día.
Byrne: (Risas) De vuelta a la música folklórica. En España, el flamenco está asociado con Franco porque fue promovido en aquel entonces como, "Aquí viene la música nacional, así que rockeros…"
Chao: En España, la gente por mucho tiempo no mezcló el flamenco con el rock puesto que el flamenco se había hecho importante por el dictador como una imagen de España para el turista...
Byrne: Exacto.
Chao: Al mismo tiempo, en los guetos en todas las comunidades gitanas en España...
Byrne: Estaba vivo...
Chao: Estaba completamente vivo. Y había una clase media y alta escuchando rock and roll, y los gitanos y las pequeñas pandillas en España escuchaban flamenco. Camarón fue una especie de Bob Marley en España.
Byrne: Sí…
Chao: Era muy pero muy importante para esta gente. La primera vez que fui a España, cuando era adolescente, me di cuenta que no tenía ninguna clase de contacto cotidiano con la gente que acostumbraba escuchar rock and roll. Mi contacto era con gente que escuchaba flamenco. Ellos eran lo verdaderos B-Boys de la España en aquel tiempo.
Byrne: Hay una buena escena en Francia, me pregunto si tienes contacto con ella, grupos como Tet Rahid y Lodjo, y hay otro gran número de grupos…
Chao: Hace un buen rato que no voy a Francia. Tengo contacto con bandas como Zebda que mezclan música norafricana con rock and roll y rhythm and blues. Lo que creo de Francia es que, viniendo de los barrios, la escena importante es la escena de hip hop.
Byrne: Y algunos de ellos parecen provenir de pequeños pueblos. Hicieron giras por años y consiguieron un pequeño público, armaron toda una escena, se hicieron populares, pero nunca tuvieron, da igual, ventas récord. Nunca tuvieron una canción en la radio, pero la gente conoce lo que hacen porque allí han estado.
Chao: Así es, estás hablando de Zebda. A Zebda se les considera importantes porque empezaron como Mano Negra. Creo que el mejor camino para bandas es hacer giras y giras y giras. Muchas bandas esperan a ser famosos para comenzar a hacer giras; yo no creo que sea una buena manera de hacer las cosas. Incluso, si ya eres famoso tienes que ir de gira a todas partes. Así, cuando te llegue la hora, ya estás listo. Sucede que cuando comienzan a ser famosos no saben lo que significa estar sin hacer nada, perdiendo muchas horas en el autobús, y tener que arreglártelas en los bares con bocadillos y poco dinero.
Byrne: Tienes razón, hay un montón de bandas ahora que, gracias al ocho tracks o a su computadora en casa pueden hacer un gran disco. Pero luego, resulta que no hay tal banda. No hay actuaciones, ni gira. No hay público. Solamente una grabación.
Chao: Sí, ha habido una gran revolución los últimos años. Ahora, el grabar se ha vuelto mucho más democrático.
Byrne: Pero el mercado sigue siendo un problema.
Chao: El problema es diseminar. Pero ahora ya tienes la Internet. La gente puede grabar un disco en su casa y hacer su propia distribución. Además de la manera de grabar. Lo que comencé grabando con Mano Negra no tiene nada que ver con lo que estoy haciendo ahora. Es un trabajo distinto. Con un poco de material y un poco de tecnología que puedes llevar contigo a donde sea. No tienes que invertir mucho tiempo en un estudio y te toma un mes tener un disco, el tiempo que quieras. Ahora no tienes que estar corriendo con el tiempo encima.
Byrne: ¿Ha cambiado eso tu forma de escribir?
Chao: Totalmente. Ahora ya sé cuando estoy grabando. Sólo grabo si escribí algo. Nunca me digo: "Tengo que pasar un mes grabando." Siempre estoy grabando; ésa es la diferencia. El material es más fresco.
Byrne: ¿Entonces usas la ocho tracks como una libreta de apuntes o un cuaderno de bocetos?
Chao: Exactamente. Me permite trabajar casualmente. Cuando estás en un estudio, sabes que tienes diez horas para grabar tu voz y grabar la guitarra. Así que estás corriendo contra el tiempo.
Byrne: Así es como se graba una banda en vivo. Lo que quiero decir es que eso viene de una tradición de grabar bandas en vivo.
Chao: Sí, pero grabar en vivo es otra cosa. Porque cuando grabas en vivo, también trabajas de cierta manera más relajado. Pero creo que grabar en vivo en un estudio, es perder el 90 por ciento de las posibilidades del estudio.
Byrne: Exacto...
Chao: Porque si estás grabando en vivo es mejor grabar en el escenario.
Byrne: Mmhhmm. A menos que la música sea una larga improvisación, quizás.
Chao: El hecho de tener un maquinita con la que puedas grabar en casa, te permite trabajar más con la improvisación.
LBE: Hay algo que ambos han estado tocando. Los dos disfrutan en cierta medida un nivel de sencillez en la manera en que se relacionan con la música. ¿Pueden discutir sobre ello un poco? Manu dijo que provenía de un historial complicado con Mano Negra, el cual tuvo que experimentar para hacer las cosas más simples. Y David, has dicho que te le haces sospechoso a los buenos músicos, porque la actitud del punk siempre ha tenido que ver con la simplicidad.
Byrne: Me le he hecho sospechoso siempre a alguien que toca guitarra muy bien, o que canta realmente bien. Pero te das cuenta lo que sucede si se sienten apasionados al respecto; y lo que realmente tienen que decir. A veces no se requiere demasiado virtuosismo, y caes en la cuenta de que "puedo decir algo, puedo hacer algo aún sabiendo sólo dos o tres acordes, y sin ser capaz de cantar muy bien, y lo puedes hacer." Y muchas veces así, afecta más a la gente; lo encuentra más emocionante porque siente que es algo que ellos podrían hacer también; que no hay distancia, no hay separación entre lo que ellos pudieran hacer y lo que tu haces.
Chao: Sí, creo que el problema con la gente que es demasiado buena, es que se esconden detrás de su técnica. Usan la técnica para algo seguro. Pero creo que todo músico, cuando es adolescente, y comienza a tocar en su barrio, su primer objetivo es que querer ser mejor y mejor músico, es un proceso que no puedes evitar. A menudo, trato de explicar a quienes están comenzando en la música, que lo mejor que pueden hacer es encontrar simplicidad. Ellos no entienden y yo los entiendo. Al principio quieren ir demasiado rápido con la guitarra o hacer un montón de cosas con maquinitas, y creo que es un largo proceso, y que no puedes olvidar cada paso. Para alcanzar la simplicidad, primero tienes que pasar por un largo camino para entender tu instrumento.
Byrne: Es inevitable que aún cuando comienzas como músico amateur, tienes que enfrentarte con el problema de ser capaz de tocar mejor. Encuentro que varios músicos, yo mismo y algunos con lo que he trabajado, que se han vuelto muy buenos instrumentistas, aprenden que sólo porque sabes hacer algo, no necesariamente tienes que hacerlo...
Chao: Exactamente.
Byrne: Que no tienes que hacer todo lo que te es posible, sólo, si de verdad lo necesitas. Y que es hermoso cuando trabaja. Trato de escribir canciones cuando funcionan con sólo una o dos partes, con guitarra solamente y máquina de ritmos, muy simples, después pienso, "OK, si la canción funciona así entonces agrégale un poco más". Pero no requiere mucho.
Chao: Estoy de acuerdo. Tal como le digo a mis amigos: "menos es más". Y lo mejor de todo es no evidenciarlo. No vivas de tu técnica, tu técnica es algo que puede ayudarte. No es algo que debas poner por al frente.
LBE: Uno de los aspectos que llega a sus audiencias más allá del sonido, es lo que dicen. ¿Pueden hablar acerca de dónde viene la inspiración de su escritura, lo que ven, lo que escriben, como se traduce eso en música?
Byrne: Usualmente, escribo la letra después. Empiezo a jugar o meto algo en la computadora y comienzo a bailar a su alrededor, y comienzo a cantar alguna letra. Para mí, las letras me gustan, pero son bastante difíciles, me toman mucho tiempo. De varias maneras, es en serio doloroso (risas). Para mí, canto la canción sin letras (canta) va-rah-dah-taah-tah-tah, lo que sea, cualquier cosa. Si puedo dar forma a una canción y se termina, veo entonces si la emoción está allí, la intención, el sentimiento. Ahora, ¿por qué debo ponerle letra? La letra nada más la atrapa, le prohíbe que se mueva y sea flexible. Pero, también pienso (pausa, sonríe), son buenas canciones.
LBE: Los temas que tratan en su música hacen comentario social sobre la vida, y hay un cierto simbolismo en la obra de ambos. Dices que es difícil para ti escribir música, pero al final ambas cosas están muy cohesionadas. Hay historias y temáticas sobre las que puedes pensar para darle sentido a tu vida.
Byrne: Para mí, es como cuando ves a un mago o a alguien haciendo trucos con las cartas; si son muy buenos parece que es muy fácil y les sale de forma natural, y no te das cuenta todo lo que ensayaron y el trabajo que le pusieron.
Chao: Creo que ése es exactamente el trabajo (risas en general). Nadie tiene que saber cuánto tiempo estuviste trabajando. La última impresión es la más importante. Que se vea fácil. Creo que cuando alcanzas eso, tienes un buen show, o una buena canción.
Byrne: Y entonces parece natural.
Chao: Por supuesto, pasas horas y horas ensayando, no tienes que ponerlas al frente. Tal como dijiste, ser un músico es ser un mago. La gente no debe saber cómo. Necesitan un sentimiento. En ocasiones me encuentro una película de Hollywood que me resulta tan aburrida, porque lo que los productores ponen por delante es lo difícil que fue hacerla y todos los efectos especiales que realizan. Es estúpido. No me interesa. Sólo quiero una buena película y que me vuele la cabeza.
LBE: Pero, al final, los dos parecen tener estos mensajes cohesionados, ya sea que tengan que mirar al interior de ellos porque están llenos de simbolismo o están allí frente a tu cara. Ustedes tienen algo que decir que es relevante para nuestras vidas, opuesto, por decirlo así, de lo que dice un artista de pop que trata de ignorarlo todo. Se podrá sentir bien de momento, pero no dura.
Byrne: Hay algunas cosas que encuentro difíciles de explicar, creo. Encuentro muy difícil colocar mis sentimientos políticos en una canción, no puedo encontrar la forma de hacerlo. O tal vez puedo hacerlo, pero luego siento que la canción está volviéndose muy didáctica. Una canción tiene que vivir de otra manera.
Chao: Tiene que ser música por sí misma.
Byrne: Sí.
Chao: El significado de una canción es mejor, creo, cuando no tiene un propósito.
Byrne: Está en su sonido muchas veces.
Chao: Claro, puede ser todo. Escribir canciones para que sean canciones políticas, creo que es muy peligroso, mucho más ahora que la rebelión es una gran arma mercadológica.
Byrne: Es una cosa increíble de los últimos cinco u ocho años, que la rebelión puede venderse de vuelta a los rebeldes.
Chao: Es terrible. Las empresas de verdad utilizan la rebelión para vender discos y vender blue jeans, Coca-Cola y para vender Nike. Utilizan la rebelión para atraer a los jóvenes. Es muy peligroso.
LBE: ¿Por qué es peligroso?
Byrne: Si una rebelión no amenaza a nadie, entonces no es real.
Chao: Se convierte en una buena manera de hacer dinero. Por eso es que tenemos que ser muy cuidadosos al poner nuestras ideas políticas en nuestras canciones y en nuestra música. Está bien con la música, pero se vuelve muy peligroso cuando comienzas a vivir de tus ideas.
Byrne: Para mí es muy subversivo, pero no de un buen modo. El hecho de que la rebelión se convierta en una herramienta de mercadotecnia, hace que la gente se sienta impotente. Si están de verdad molestos con algo, o están frustrados con sus vidas, no pueden descubrir como expresarse, porque la manera obvia de hacerlo se convierte en una herramienta de mercado. O se transforma en un estilo, o algo chic, o lo que sea. Es muy frustrante.
Chao: Si yo fuera el Che Guevara y tuviera la oportunidad de despertar en el presente, y viera lo que venden con mi imagen, enloquecería.
Byrne: Sí, hay un Che Guevara soda pop.
Chao: La imagen del Che Guevara se usa en un montón de sitios para vender T-shirts, cualquier mierda, hasta en los libros ponen la imagen de la T-Shirt del Che Guevara (risas en general). Su imagen se utiliza para todo lo aquello contra lo que el luchó toda su vida.
Byrne: Manu, estuviste en Chiapas recientemente.
Manu: Si, estuve en Chiapas en diciembre (2000).
Byrne: Quería preguntarte sobre la manera en que los zapatistas utilizan el Internet. Viniendo de una protesta muy pequeña, su rebelión captó la atención mundial. Me parece que fue a través del uso del Internet. Yo he podido leer lo que Marcos ha escrito desde aquí en Nueva York.
Chao: La gente en Chiapas usa el Internet de una manera realmente inteligente. Es casi una guerrilla por Internet. Porque en Chiapas por los últimos seis, siete años, nadie ha usado una arma, pero usan el Internet, utilizan la información. Lo hacen tal como el enemigo; utilizan la información de forma sutil, utilizan la TV para hacer la guerra. Y esa es la verdadera arma en este mundo. Cuando hay un cambio de gobierno o una revolución en cualquier parte del planeta, ya nadie toma el Palacio presidencial, van y toman la estación de TV. Toman el poder.
Byrne: Es lo primero que se ataca ahora.
Chao: Claro. El Palacio de Gobierno ya no representa nada.
Byrne: En Rusia, lo primero que hicieron fue tomar la TV.
Chao: Es lo primero, lo más importante, así se tiene el control de la gente. Les puedes mandar información, información veraz o manipulada, dices lo que quieres a la gente. Es por eso que el Internet es interesante, porque muchísima gente puede enviar su propia información. Antes de Internet, la única información para todos era la de la TV. Y la TV está controlada por el gobierno.
Byrne: La última vez que recuerdo que sucedió fue con el Ayatollah (Jomeini) durante la revolución de Irán. Sus comunicados se distribuyeron en cassette. Hicieron copas de cassetes en boomboxes, y se los pasaron para que la gente lo pudiera escuchar. Él estaba en París entonces, creo, así que esta revolución fue hecha por la habilidad de hacer copias baratas en casette (risas).
Chao: Creo que el último ejemplo de ello es el avión espía de Estados Unidos en China. China y Estados Unidos, los dos países, sus dos gobiernos, utilizaron propaganda para explicar cómo sucedieron las cosas, y que pasó en ese caso. Es impresionante. Creo que es surrealismo total. Lo que los chinos le dijeron a su pueblo y lo que el gobierno de Estados Unidos declaró a los periódicos y lo que yo vi en TV. Creo que ninguno de los dos estaba diciendo la verdad.
Byrne: Exactamente. Y la parte que más confusa me queda es que ambos quieran trabajar juntos haciendo negocio, y que además tengan este conflictivo impulso por el cual pretenden crearse un enemigo. Es muy extraño que se necesiten el uno al otro económicamente, pero que también, al mismo tiempo, necesiten crearse enemigos.
LBE: ¿Cómo ven ustedes al mundo actualmente? Manu surge desde su música y dice "Infinita tristeza", como si éste fuera un lugar donde puedes sentir esta tristeza infinita y donde la esperanza aún existe. Y David, tú no eres muy directo, pero, ¿cómo se traduce tu visión del mundo en el arte que haces?
Chao: Bien, creo que cuando miras como se gobierna el mundo, no te da mucha tristeza, te da rabia. Veo a mucha gente por todas partes cuando viajo, la reacción es rabia. Existe de verdad un dictador en la economía que hace las cosas más difíciles para todos. Esta economía salvaje que lo complica todo para la mayoría. El problema es qué hacer con la rabia. Puedes canalizar tu rabia de forma negativa con violencia. Y cada vez es más difícil canalizarla para hacer cosas positivas. Mi propia reacción ha sido la rabia.
Byrne: A medida que las cosas van cayendo por su propio peso, te topas con músicos y artistas reaccionando ante ello. A veces, su respuesta es hacer algo hermoso, en el caso que quieran transformar esa tristeza y su malestar, su incomodidad y su rabia, en algo verdaderamente hermoso...
Chao: Esa es una manera positiva de hacerlo...
Byrne: Sí, lo que están haciendo es una fuerza en contra, están creando de la nada para ir en contra de la entropía, o en contra de una energía negativa.
Chao: A lo que yo llamo en una de mis canciones "Lágrimas de oro".
LBE: En ese sentido, ¿lo que un artista hace es aportar su perspectiva para contra balancear eso?
Byrne: Así es. Diría que los artistas de todo tipo. No sólo los músicos y los pintores. Un acróbata o un cocinero.
LBE: Es aquello que está adentro del marco de su vida. Hacer algo a la perfección entre el caos que lo rodea.
Byrne: Si alguien invita a unos amigos y la comida es buena, y la bebida es buena, esa es una fuerza en contra positiva, allí mismo; no es un libro, un panfleto o un manifiesto, en muchas maneras es igualmente fuerte.
LBE: Una pregunta más.
Byrne: Es hora de la última canción… Canibalismo. ¿Podemos hablar de eso?
Chao: No entiendo esa comida (risas en general).
Byrne: Una vez que terminemos de hablar de comida, iré directamente al canibalismo. Recuerdo que George Clinton, si conseguía un ritmo o un sonido o cualquier cosa en una canción que le gustara y que fuera exitosa, pensaba "Oh, eso va muy bien, es perfecto". Así que lo tomaba y lo usaba de nuevo en otra canción. Y su sentimiento al respecto era "Hay que reciclarlo, reconsumirlo por ti mismo", una especie de auto-canibalismo. Creo que era genial. Se oponía completamente a lo que yo pensaba. Escuché algo así en tu nuevo disco, que probablemente llega inconscientemente a la escritura también.
(Pausa)
LBE: ¿Manu?
Chao: Sí, no lo sé. No sé mucho sobre canibalismo, nunca lo experimenté…
LBE: Tal vez él tampoco…
Byrne: Me refiero a una metáfora.
LBE: En la que tu te alimentas de tu propio material, o…
Chao: Oh, sí, reciclaje. No creo que haya mucho sentido en que siempre intentes hacer algo nuevo, nuevo, nuevo. Yo tengo mi propio universo, y lo utilizo una, dos veces, no importa. Mi única frontera es no aburrirme.
LBE: Manu, ¿podrías explicar un poco como reciclas tu música? Tienes esa gran historia, que llevabas tu grabadora portátil ocho-tracks con una de tus canciones y te encontraste de pronto con un cantante en las calles de Brasil.
Chao: Mi único fin cuando estoy grabando es divertirme. Mi único objetivo es trabajar con las máquinas, y jugar con ellas como un niño. Hasta el cansancio juego como un niño y sé que la música es buena. Hasta el cansancio trato de pensar con mi cabeza, o trato de tener un concepto sobre algo que estoy grabando, sé que mi música es vieja. Pero cuando juego como un niño, mi música es joven.
LBE: ¿Encuentras otra música similar, en tus viajes por ciudades alrededor del mundo, hay también mucho de reciclaje en esas músicas?
Chao: No demasiado. Porque creo que la gente tiene vergüenza de usar lo mismo, el mismo truco dos veces, o tres, o cuatro. Cada que la gente te pide que hagas algo nuevo, tiene que ser algo "nuevo". Y a mí no me gusta ser parte de esta dictadura. No lo acepto. Pero si yo uso lo mismo, es mi problema. Si a la gente le gusta, pues bien. Si no le gusta, no es mi asunto. Sí, creo que en esta nueva era el reciclar es muy importante, y no solamente estoy hablando de música. No hay razón de comprar nuevos zapatos si los viejos todavía sirven. No hay razón de comprar un auto nuevo si el viejo todavía camina. No hay razón para escribir una nueva canción si la vieja todavía funciona. En La Feria de las Mentiras, decíamos algo en la historia que escribimos. En este nuevo planeta, será reciclarse o morir. No podemos perder tanto tiempo preocupados con lo nuevo, lo nuevo, lo nuevo. Hay una frase en una película que me encanta: "La novedad es la cosa más vieja del mundo".
Byrne: Ahá, es una dictadura de la novedad.
Chao: Siempre estás reciclando. De verdad no creo que haya un estilo musical que sea realmente un estilo de raíz. No existe. Hasta la música que se considera de raíz, fue hace muchos años atrás una mezcla de muchas músicas. Siempre ha sido reciclar las cosas viejas para crear nuevas. Nunca inventas algo completamente nuevo. Siempre se recicla, de lo que nos encontramos alrededor.
Byrne: Me encanta. no hay nada realmente auténtico. Es real si es honesto.
Chao: Así es. Buena frase, mi amigo. Es real si es honesto. Veo un montón de gente en la música norteamericana que siempre está tratando de inventar una nueva ola o nuevas cosas tontas. Tratar de hacer algo que nadie ha hecho jamás. Los respeto, pero no es lo mío.
LBE: Bien caballeros. Esta es nuestra entrevista, nuestro intercambio.
Byrne: Qué bueno hablar otra vez contigo, Manu.
Chao: Fue un placer.
Byrne: Te veré de nuevo un día de estos.
Chao: Cuando estés en Europa, nos veremos uno al otro cara a cara.

sorpresa violeta!!! concierto intimo en neine heisecke

2008-09-12T05:52:00.008-10:00

absolutamente imperdible!!!!

Convocatoria a fans del Café Tacvba!

2008-09-11T20:28:00.004-10:00

Si bien recuerdan existe un programa de radio via internet llamado "La Hora de Café Tacvba" que se transimitia en rocksonico radio, solo que se acabo la 1era temporada. Para regresar en grande, aparte de que se cambia de estación se esta realizando una convocatoria para los fans Tacvbos, esta consiste en que si eres músico o tienes una banda se armen un cover de cualquier rola de Tacvba, no importa cual ni el genero, sean creativos y diviertanse. La grabación no tiene que ser un demo profesional, pero que si tenga buena calidad de sonido y de preferencia no en vivo. El concurso se llevara acabo así: Todas las canciones que nos manden las pondremos en vivo en el programa, los radio-escuchas votaran por las mejores canciones, alrededor de las mejores 15 rolas quedaran dentro de un CD que grabaremos y entregaremos a cada uno de los miembros del Café Tacvba, estamos viendo aun que darle a los mejores 3 de premio.

Ojo!! - Piensen que muchas personas mandaran los mas grandes hits, asi que eligan bien que rola grabar y mandar. Cuando lo tengan listo mandenlo a gallo.gaz@gmail.com La fecha limite es el 15 de octubre, asi que para que vayan viendo de una vez. Saludos y suerte!

post 9/11: Guantanamo Soundtrack

2008-09-11T19:18:00.003-10:00

"Está en las Sagradas Escrituras: Josué utilizó el ruido de sus trompetas para introducir el miedo en el corazón de los habitantes de Jericó". El teniente coronel Dan Kuehl, retirado del servicio activo y especialista en operaciones especiales psicológicas (psyops, en jerga militar), respondía así al rotativo The St. Petersburg Times cuando uno de sus periodistas le preguntó por los protocolos del ejército estadounidense en Guantánamo, que incluyen el uso de la música como instrumento de tortura.
Así lo explicaba Clive Stafford Smith en un reciente artículo en The Guardian (complementado con otro que puede leerse en la página web New Statement), donde este periodista y conocido colaborador de la ONG contra la tortura Reprieve relataba su 21ª visita a la bahía de Guantánamo, el enclave elegido por la inteligencia americana para instalar a muchos de sus más distinguidos prisioneros de guerra tanto en Irak como en Afganistán.
Stafford, como Justine Sharrock y los impulsores de la web Mother Jones.com, había tenido acceso a una lista de canciones que los carceleros de la base utilizaban para atormentar a sus prisioneros. Algunas, más o menos obvias 'para un carcelero' como Born in the USA, de Bruce Springsteen, y otras, menos, como Dirt, de Christina Aguilera. Estos particulares disc jockeys poseen su top ten de la tortura, en el que incluyen canciones de Britney Spears, Magic Numbers, Rage Against the Machine, Metallica, David Gray, el clásico infantil Dinosaurio Barney o Nancy Sinatra.
El procedimiento es sencillo: se obliga al prisionero a adoptar la denominada 'posición de estrés', en la que no se pueden mover los brazos ni las piernas. Después se le encadena al suelo de un pequeño habitáculo y se sube el aire acondicionado hasta el nivel de congelación. Acto seguido, se pincha la canción y se sube el volumen al máximo. Como cuenta el escritor Dan Fesperman en su último libro, El prisionero de Guantánamo, sólo es necesario un altavoz. "Cuando se trata de Guantánamo, ¿a quien le importa que el sonido sea estéreo?", reflexiona Fesperman en boca de uno de sus personajes.
David Peisner relataba en uno de los primeros artículos sobre La Disco (nombre en código del módulo que los interrogadores utilizan para aplicar estos métodos), publicado en la revista Spin en diciembre de 2006: "Las sesiones podían durar entre 14 y 27 horas, dos o tres veces por semana". El psiquiatra y ex brigada del ejército estadounidense Stephen Xenakis, una de las voces más relevantes contra este tipo de tortura, advierte al respecto: "Los daños psicológicos son incalculables. Se conduce al cerebro al mismo nivel de ansiedad que puede causar el síndrome de estrés postraumático".
En esta ocasión, ni siquiera se puede especular con el desconocimiento de las autoridades sobre lo que está sucediendo en la isla. Tanto Donald Rumsfeld, ex secretario de Defensa del Gobierno de Estados Unidos con Gerald Ford y George W. Bush, como el teniente general Ricardo Sánchez ratificaron en abril y septiembre de 2003, respectivamente, el uso de estas técnicas "para obtener información que pudiera conducir a la mejora de la seguridad nacional".
Poco importa que el Tribunal Europeo para los Derechos Humanos condenase en 1978 este tipo de prácticas, empleadas por los servicios secretos británicos a principios de la década de los setenta contra prisioneros relacionados con el Ejército Republicano Irlandés (IRA). O que, en 1997, el Comité contra la Tortura de las Naciones Unidas lo considerara "inaceptable". Hasta el Tribunal Supremo israelí llegó a reprobar en 1999 el uso de este tipo de interrogatorios.
Pero ni tan siquiera los medios de comunicación estadounidenses desempeñaron el mejor de los papeles cuando se produjeron las primeras filtraciones sobre el perverso uso de algunas canciones en Guantánamo: "¿Cuál es tu interrocanción preferida?", se preguntaba a los lectores en la web del Chicago Tribune en 2005. "Por fin alguien más tiene que sufrir a Britney Spears", llegó a decir la revista Time. "Música tranquila para la yihad", afirmó The New York Sun. Nadie parecía demasiado preocupado por la suerte de "los combatientes enemigos", imbuidos como estaban en la inacabable "guerra contra el terror".
Lo cierto es que la CIA ha aplicado el tratamiento musical a discreción desde 1963. Desde principios de los cincuenta hasta 1962, la agencia gubernamental utilizaba la tortura en sus formas más elementales, pero algunos analistas empezaron a cuestionar la fiabilidad de la información obtenida con estos métodos. Al parecer, los prisioneros estaban dispuestos a decir cualquier cosa con tal de evitar el dolor. En 1962 empezaron a desarrollarse los denominados no-touch methods. El prisionero era sometido, entre otras lindezas, a la privación de sueño y a un aislamiento sensorial. El uso de la música (más bien deberíamos decir del sonido) como arma fue aprobado con el denominado Kubark Counterintelligence Interrogation, un protocolo que se difundió rápidamente por Asia y Latinoamérica, como denunció en su momento Amnistía Internacional
La última ocasión en que la disco-inferno, como algunos tabloides ingleses han llamado a esta peculiar técnica de interrogatorio, se convirtió en noticia fue el 28 de febrero de 1993, cuando la ATF, una agencia federal estadounidense, decidió someter a los miembros de una secta en Waco (Tejas) a varios días de música a todo volumen con el objetivo de hacerles salir sin resistencia del rancho que ocupaban. Se trataba de un procedimiento que ya se había puesto a prueba en 1989 con Manuel Noriega durante la invasión de Panamá, pero la táctica musical en esta ocasión no fue demasiado efectiva: el asalto al templo de los davidianos de David Koresh culminó con la muerte de más de 90 personas, entre personal de la ATF y miembros de la secta.
En un magnífico artículo en la página web thenation.com, Moustafa Bayoumi contrasta además el hecho de lanzar canciones a un volumen infernal contra personas cuya radical visión de la religión no tolera ningún tipo de música y la indiferencia que despierta entre los propios culpables: las bandas y solistas que ven sus canciones utilizadas en Guantánamo. "Hablamos mucho de las descargas ilegales y de la piratería, pero no veo a nadie hablando de esto", se queja Bayoumi.
Aun así, parece que algo se mueve: el compositor británico David Gray acaba de afirmar que le parece "intolerable" que utilicen su canción Babylon para fines tan "degradantes", y anima a todos los artistas que aparecen en la lista a tomar medidas. Lo mismo han decidido bandas como Massive Attack, Magic Numbers o Rage Against the Machine. Tom Morello, guitarrista de estos últimos, ha manifestado un "absoluto disgusto" por el hecho de que se hayan utilizado "canciones de nuestra banda para cosas tan indignas como la tortura".
Sin embargo, no todos piensan que la cosa sea para tanto. El mejor ejemplo al respecto se encuentra en las declaraciones de James Hetfield, líder de Metallica, al diario británico The Guardian: "¿Tortura? Nosotros hemos estado torturando con nuestra música durante años a nuestros padres, a nuestras esposas, a nuestros amigos, a la gente que queremos? ¿Por qué tendrían los iraquíes que ser diferentes?", afirmaba Hetfield al periódico inglés. Lo mismo opina Steve Asheim, el batería de la banda de death-metal Deicide, cuya canción Fuck your God (Que se joda tu Dios) es todo un hit en Guantánamo: "Esos tíos no son un grupo de niños asustados. Son guerreros. Esperan que les quemen vivos, que les destrocen con bates de béisbol. Si yo estuviera en Guantánamo y lo único que hicieran fuera ponerme música alta, yo pensaría: ¿es esto todo lo que podéis hacer? ¡Anda ya!".

x Toni Garcia para el Pais (gracias Jonhy!)

1112

2008-09-10T17:33:00.006-10:00

El jueves naín ileven en la esquina metafísica

dos grossas bandas de la isla, La Blusa sin Groove en sintonía con La Santísima Corte presentarán un toque funk azulado.

A las diez del once y al pelar diez luckys la puerta saldrá de sus ejes y el espíritu fanky se apoderará de las primeras sin cuenta personas que aceiten sus bisagras.

Cuerdas Integradas

2008-09-10T17:01:00.003-10:00

VIERNES 12 DE SEPTIEMBRE
20:30 Hs.
TEATRO "TOM JOBIM"
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Asunción estará de nuevo en la mira de los amantes de las cuerdas cuando la región se integre por segunda vez en el lenguaje de la musicalidad y el virtuosismo, en una velada única que promete momentos inolvidables en manos prodigiosas como las de la guitarrista paraguaya LUZ MARIA BOBADILLA, el maestro del cavaquinho HENRIQUE CAZES y el concertista de guitarra argentino JORGE LABANCA, a quienes se sumará el percusionista también argentino CACHO BERNAL.
La segunda entrega del espectáculo CUERDAS DE LA INTEGRACIÓN se apropiará de la noche del próximo viernes 12, a las 20:30 horas, en el Teatro "Tom Jobim" del Centro Cultural de la Embajada del Brasil (Eligio Ayala casi Perú, a una cuadra de la Viola).
El evento, patrocinado por el Ministerio de Relaciones Exteriores del Brasil y la embajada del vecino país en Asunción, cuenta con la organización y producción de Beto Barsotti y la dirección artística de Luz María Bobadilla.
El ingreso, como ya es habitual en este espacio generador de cultura, es libre y gratuito pero con invitaciones, que deben ser retiradas con anticipación del Sector Cultural de la representación diplomática brasileña. Los interesados pueden obtener más información llamando al (021) 248 4156, o atendiendo a las emisiones del programa radial "Música con cierto… estilo" que Beto Barsotti conduce de lunes a viernes, de 9 a 13 horas, por la 107.7 FM Concert del Holding de Radio (teléfono 663 686).

...

2008-09-09T21:43:00.001-10:00

del otro sublime (des)concierto para niños

2008-09-08T07:05:00.000-10:00

Berta Rojas y Luz María Bobadilla por primera vez juntas
textos en central: guitar joker/ fotos en municipal: hari gopal

Con motivo del traspaso de mando presidencial y la celebración del aniversario de la ciudad de Asunción, la Comisión de Traspaso de Mando, conformada por el Congreso de la Nación, el Ministerio de Relaciones Exteriores y el Centro Cultural de la República El Cabildo, organizó una serie de eventos culturales.
El más destacado fue el gran concierto denominado "Iconos de la Música Paraguaya", que tuvo entre sus filas nada menos que a las guitarristas compatriotas Berta Rojas y Luz María Bobadilla, que por vez primera actuaron juntas en el mismo escenario. Además se contó con la participación de la Ópera, Ballet y Orquesta de la Universidad del Norte, dirigida por el maestro Diego Sánchez Haase, y también de la soprano Rebecca Arramendi.

El concierto tuvo dos galas, el 14 de agosto en el Teatro Municipal “Ignacio A. Pane” para un selecto público (para el presidente electo, invitados especiales y las delegaciones extranjeras visitantes) y luego, el sábado 16 en el Gran Teatro del Banco Central, con entrada libre y gratuita, vale decir, más accesible para los mortales comunes.
Obviamente, nosotros (miembros del foro de guitarristas paraguayos) no dudamos un segundo sobre nuestra asistencia, pues no siempre se da la oportunidad de ver (y sobre todo escuchar), así tan fácil, a los máximos exponentes contemporáneos de la guitarra paraguaya. Y ahí estuvimos delegados de todas las tribus, de todo género, tipo y factor, desde clasiqueros, jazzistas, blueseros, rockeros, a metaleros, todo era válido para presenciar semejante despliegue de solemnidad violera. No está de más recalcar que el Gran Teatro estaba tan repleto que no cabía un alma más.

El concierto arrancó con la actuación de Luz María Bobadilla interpretando un repertorio de obras de Agustín Barrios; primeramente "El Gran Tremolo", una de las últimas composiciones que escribiera Barrios antes de su muerte, seguido del “Vals Op. 8 N° 3”, el “Villancico” y la infaltable "Danza Paraguaya", con un arreglo que Luz María y el pianista Manuel Obregón habían hecho ya un tiempo atrás para una presentación especial en homenaje al Barrios. Como último número, Luz tocó "India" de José Asunción Flores, con un arreglo del maestro guitarrista Cayo Sila Godoy.

Esta última interpretación estuvo acompañada por una coreografía de la bailarina Fulvia Bernal, integrante del Ballet Nacional que lucía un vestuario fantasía inspirado en lo indígena; espectacular performance con una de las más hermosas canciones paraguayas, así se despedía Luz Maria, genial guitarrista nacional.

Seguidamente llegó el relámpago tan esperado por nuestra comitiva de guitarristas, era el momento de ver a ¡Berta Rojas en acción! Pero no tan rápido. Antes de subir al escenario se procedió a la proyección de un fragmento del DVD "Paraguay según Agustín Barrios" dirigido por Marcelo Martinessi en el 2007 con el apoyo de la Petrobras, en donde se pudo apreciar a Berta en un set bastante cinematográfico interpretando "Las Abejas" (fue filmado en parte en el histórico cine Cañisá), una de las más virtuosas y hermosas obras de Barrios. Simplemente nos quedamos con la boca abierta (babeando tanta miel). Impresionante la calidad de la interpretación y obviamente, la velocidad de Berta Rojas... Los que conocen saben a qué me refiero, bien como decía el libreto del concierto: "Cuando Rojas está en su plenitud, no puede haber intérprete vivo que toque la música de Barrios mejor que ella". Aquellos que tuvieron la oportunidad de ver tocar a Berta Rojas saben que no queda duda alguna de eso.
Pues bien, ahora sí... tras la proyección del video había llegado la hora de ver y escuchar a Berta Rojas en persona… nos mataba la ansiedad. Berta arrancó nada menos que con dos movimientos de "La Catedral", la obra cumbre de Barrios, el Andante Religioso y el Allegro Solemne. En este último desplegó su poderío y virtuosismo al máximo nivel, nos quedamos sin palabras. Seguidamente interpretó “Jha Che Valle”, “Ca'azapá” y “Maxixe”, todas obras de Barrios. Algo para el destaque: entre canción y canción Berta agarraba el micrófono y daba unas palabras de aliento al público, palabras con aire de cambio, instando a todos a no perder las esperanzas, celebrando el cambio que había llegado y otros mensajes del mismo tenor. Así, rozando la cornisa de toda lágrima y con la plenitud del alma colmada de tanta emoción, se despedía Berta del público paraguayo en su corta visita al país.

La tercera parte del concierto, luego de nuestras consagradas embajadoras, quedó a cargo de la Orquesta de la Universidad del Norte, con la dirección del maestro Diego Sánchez Haase, acompañada por la Opera y el Ballet también de la UniNorte. Primeramente la orquesta interpretó la canción "Gallito Cantor" de José Asunción Flores, con arreglo orquestal de Fabián Enrique Álvarez, donde se pudo apreciar claramente que Sánchez Haase dirige una de las orquestas más acertadas del país. Seguidamente se unió la soprano Rebecca Arramendi para interpretar "Che Trompo Arasa" de Herminio Giménez, acompañada también del Coro de la Opera y el Ballet; terminado este número, Arramendi y el Ballet dieron lugar al Coro de la Opera para el "Va, piensero", fragmento de la ópera "Nabucco" de Giuseppe Verdi, a estrenarse próximamente por dicho elenco. Y como cierre de este Gran Concierto: la Orquesta, el Ballet, el Coro Polifónico, la Arramendi y el barítono Luís Ocampos, interpretaron la "Chiperita" de la zarzuela paraguaya "María Pacurí" en gran estilo. ¡Genial cierre! Magnífico concierto aplaudido de pie por un público totalmente extasiado. Y así, todos jubilosos volvimos a nuestras casas. Después de haber sido sacudidos por semejante evento, ¿puede uno pedir algo más? Sí. ¡!Exceso y salud al Gran Agustín Barrios!! ¡¡¡Inspiración y guía de todos los guitarristas paraguayos!!!

Lost in the Supermarket

2008-09-07T16:31:00.000-10:00

Lost in the Supermarket - Divague sobre el Rock
(Primera parte)

x monsTrE

Nunca o casi nunca puedo dejar la defensa de la impermeabilidad absoluta de la Primera Persona del Singular, que soy Yo, haciendo algo al unísono con otros. Me es confuso, “entreverado”, peligroso y angustiante. Esto da la paradoja de que no puedo bailar en los sitios hechos para bailar porque allí siempre hay gente bailando. Si quiero sentir la música con la descarga física que exige el rock, por mucha electricidad y adrenalina que me hiervan en la sangre, sumirme con otros en indistinta pluralidad danzante y “borrarme” es amenaza que desvía o bloquea todo movimiento que inicie no pudiendo así unificar el cuerpo para integrarlo a un ritmo. Esto me priva de la inmersión profunda en la experiencia propia de la belleza del rock.
En el rock hay belleza porque el rock es de primera. Gran arte en el que la audición sedentaria que se estila en lecturas de poemas o conciertos de música clásica es absurda. Su belleza involucra por igual oído y músculo, mente y nervios, la subjetividad que piensa y siente y la vibrante epidermis que arrebata en goce físico.
El rock, siendo arte, no admite la actitud contemplativa ni la superación del ciego desear y las locas pasiones y apetitos de la atormentada Voluntad que hizo a Schopenhauer ver tan elevado el estadio estético que puso al artista debajo sólo del santo.
La santidad no es afín a toda belleza y arte. No al rock, poderosa Voluntad que habla al deseo. Que es Eros, vida químicamente pura y en tan alta dosis que roza la sobredosis --cuanto más fuerte es la luz de Eros, más oscura es su sombra, Tánatos, y más intensa es la vida si merodea la muerte.
Me es imposible bailar en sitios hechos para eso. Pero es igual de imposible escuchar rock sin moverse: la experiencia real de la belleza del rock no es contemplativa, aunque nuestra tradición asocie la contemplación y el arte.
Ayer el súper tenía un soundtrack increíble: sonaron “My Sharonna” y luego entraron Blur y Pink Floyd. No fumé nada raro y la prueba de que no aluciné es que tuve que irme al empezar “músicas” asquerosas y no compré nada porque se me olvidó, lo que demuestra que era el feo mundo real. El caso es que la góndola estaba semivacíay no podía impedirme bailar la presencia de gente bailando, ya que no es un lugar hecho para que uno baile y por lo tanto la gente no bailaba sino que pesaba nabos o batatas, elegía papas, llenaba carritos y otras estupideces.
“My Sharonna” se me trepó como 3 litros de vodka y 10 líneas de 3 cuadras de largo cada una y me arrastró al loco placer de bailar en un desatado goce tan genial, tonificante y delicioso que los intentos de interrumpirme de los entrometidos acosadores sexuales de rigor y la pomposa indignación de las inevitables amas de casa que siempre estorban por andar comprando sus idioteces eran muy poco a cambio de tal placer. Después entró ese “Boys who want girls who want boys to be girls who want boys…” que no se puede escuchar estando quieto y luego otros temazos que tampoco, sonando largo rato con speed muy copado. Inexplicablemente, la gente elegía sus batatas con tanta indiferencia como si estuviera oyendo decir misa.
Soy una persona quizá un tanto impúdica. No por exhibicionista o coqueta. Y no es que no pueda mostrar coquetería y esas cosas: puedo, pero en algún caso aislado que me interese en particular, no siendo mi actitud general e indiscriminada –no soy, digamos, lo bastante abierta para ello. Mi impudor tiene otra causa: una profunda y olímpica indiferencia y una vaga tendencia al burlón o divertido desprecio por la gente y lo que pueda ver, pensar u opinar de mí. Mi indiferencia es tal que, si estoy desnuda en mi depa y he de pasar ante el balcón o la ventana, no creo que valga la pena tomarme la molestia de cubrirme sólo a causa de la gente. La posibilidad de que alguien me vea y se escandalice o incomode, lejos de importarme en lo más mínimo, tiende a lo sumo a hacerme un poco de gracia. Así que si en el súper me pillaban bailando las gentes que anduvieran por allí, honestamente eso a mí me chupaba un ovario.
Pero exponerse a los necios abordajes de cualquiera es molesto, así que haberme dado el lujo de bailar a pesar de eso porque era poca cosa ante el llamado del rock muestra A) el poder de ese llamado, B) que la experiencia estética implica mente y cuerpo por igual y los altera y C) que la intensidad de la belleza no la alcanza plenamente la mera contemplación.
Como poeta, no he dado, o no aún (pues me frustraría morirme sin hacerlo), el salto que dio hace poco Juliette Lewis, que con una trayectoria de longitud similar, como actriz, a la mía como escritora (claro, salvando la abismal distancia de fama, $$$$ y eso), ha decidido dedicarse al rock. Pese a ello, excluyendo obvios aspectos mercantiles y no artísticos del rock, creo que mucha de la poesía actual podría aprender del rock cosas importantes.
Dije: en el rock “la audición sedentaria que se estila en lecturas de poemas o conciertos de música clásica sería absurda”. Ahora añado: ante un poema auténtico, viviente, poderoso, esa audición sedentaria también es absurda. No sólo la del rock, sino toda belleza involucra el músculo, la mente, el alma y la piel. Pero, dada la actitud “contemplativa” que se estila en artes “más serias”, el rock termina hoy siendo el modelo de la genuina experiencia del arte en una cultura que desvirtúa tanto lo genuino que en nuestra sociedad el poeta puede llegar incluso a rebajarse hasta ser esa cosa miserable, estúpida, aburrida, profundamente triste que se llama “ciudadano decente”.
Como si la experiencia estética profunda y radical no fuese incompatible con un mundo enemigo del brillo y el desorden. Como si el exceso en la pasión, la inteligencia y todo exceso no fuera repudiado porque podría desordenar un mundo de rutina, decoro, disciplina, trabajo, tedio y muerte del espíritu. Como si en un mundo así uno pudiese bailar en el súper sin que las señoras del barrio le “castiguen” (no saben cuánto se agradece) con el ostracismo. Como si en un mundo así elegir la intensidad como centro de la vida no implicase visto como enfermo mental. Como si la belleza pudiera ser para un poeta cosa de sus ratos de ocio, feriados oficiales, horas libres, vacaciones o fines de semana, de modo que “lo importante” para él fuera otra cosa. Como si en tierra de ciegos el tuerto fuera rey en vez de estar en la cárcel o el manicomio. Como si el talento pudiera salir gratis, sin perder a cambio algo (algo horrible e indeseable: una vida normal). Como si ser poeta consistiera sólo en la inocua actividad de leer y escribir poemas. Como si la poesía, siendo literatura, no fuese, además, mucho más que eso.
El rock fue siempre música pero siempre fue a la vez mucho más que eso. James Dean o Marlon Brando encarnaron el cinematográfico sobrino del “poeta maldito” del siglo XIX cuando, en la primera mitad del siglo XX, empezaba a sonar el rock: el “rebelde sin causa”. Si algo explica el ascenso de Elvis Presley ante quienes creen que desplazó a otros por ser afroamericanos, es que Elvis también era un rebelde, pero tenía una causa. No cualquier causa. Una causa realmente importante.
Que Chuck Berry lo mereciera más, igual o menos, o Little Richard o quien fuere no es del todo cierto. Elvis Aaron Presley era vida químicamente pura, sobredosis de Eros y crudo, furioso sexo, sexo hecho de poesía. Su estética insólita de abruptos ritmos pélvicos bajo lánguida mirada de oscuro, ojeroso vicio, su contagiosa electricidad quebrada, su inteligente, procaz provocación y turbio encanto, el elegante descaro de su exquisita, sucia, sensual sonrisa obscena y aún más que esto era Elvis. Un artista no puede ser menos. Apolo, modelo del poeta, no sólo crea belleza, sino que además es bello, porque la verdadera poesía no se limita al papel, ni el rock tampoco.
Poetas: un poema se lee tan fuerte como el rock. Escribir no es suficiente. En poesía, en rock, en todo desafío no basta decir algo: hay que saber sostenerlo. No basta escribir como no basta un buen tema, porque hay que estar a su altura para interpretarlo. Esto se exige en el rock pero casi no se da entre los poetas. Casi todos los poetas interpretan como el orto.

Si la poesía está viva, que el público se pare en el asiento, que se mueva, que salga a la intemperie, que encienda los cigarrillos y que rompa las botellas, que grite cuando los versos lo golpeen y lo enciendan, que desordene los anfiteatros y los auditorios, las librerías y centros culturales, y que donde suene un poema de verdad, se celebre con furia como se baila el rock.

El verdadero arte nunca se portó bien. Los grandes nombres fotocopiados en facultades de literatura no eran buenos ciudadanos. El talento nunca cultivó buenas costumbres. El arte y la poesía son fuerza, fiesta, exceso, risa, orgía, Eros, como el rock. La belleza no se está sentada. La belleza jamás será aburrida. Las corbatas jamás tendrán belleza. Jamás habrá belleza en la tarjeta marcada en la oficina. Elvis Presley tenía una causa. Su causa era el rock. La causa de la música y a la vez de mucho más que la música, porque el rock, siendo música, siempre fue otras cosas. y lo es. El rock es elegante amenaza y gran estilo, intensidad, profundidad y altura, placer y desafío, libertad y delirio, juventud, sexo y furia, cuerpo, mente, rebelión y vida.

Súdame rica sobre la cruz del Sur!!

2008-09-06T14:36:00.000-10:00

x violenza domestika

Sin dudas alguna, los clavos de nueve pulgadas atraviesan los listones de este año con todo! Además de haber lanzado ya dos aperturas, obras, jugadas, o vanguardismos (como plazcan etiquetar), ambas bien recibidas por critica y admiradores, uno de ellos descargablemente gratis en algún sitio y el otro un doble disco de 36 “fantasmas” como el los llama, que más que canciones, son como maquetas o ideas estructuralmente básicas y crudas que te vuelan las tejas para ver que hay luces en el cielo. Es en este estado de gracia cuando da gusto recibir buenas noticias, así que van dos...
La primera: Hoy Trent Reznor publico en su pagina los nombres de los tripulantes sónicos que acompañaran a NIN en el tramo otoño/invierno del tour “Lights in the Sky” por suelo norteamericano: “Estoy contento de anunciar que los siguientes actos estarán uniéndose a nosotros para el colindante tramo otoño de nuestro tour. Como siempre, he elegido estos actos y tengo un gran anhelo de verlos, de presentarlos a Uds. y de colgarme con ellos.”
Una vez mas la magia Reznoriana acierta en la plantilla ruidosa: (aparte de la ya seccionada banda Deerhunter...) Boris, trío denso de metal experimental japonés, HEALTH, rockeros espaciales de Los Ángeles, y the bug, alienígenas auditivos londinenses.
La segunda: luego de un descanso por todo el mes de Setiembre, después del show de hoy (06-09 Inglewood, CA - The Forum !), NIN cruzará el Ecuador para estar en los primeros días de octubre industrializando Sudamerica...

02-10 Buenos Aires, Argentina - Club Ciudad de Buenos Aires

04-10 Santiago, Chile - Arena Santiago

07-10 Sao Paulo, Brazil - Via Funchal

09-10 Porto Alegre, Brazil - Pepsi on Stage

12-10 Bogota, Colombia - Coliseo el Campin

15-10 Caracas, Venezuela - Poliedro de Caracas

18-10 Mexico City, Mexico - Foro Sol (Motrokr Festival)

19-10 Guadalajara, Mexico - VFG Arena (Motrokr Festival)

21-10 Monterrey, Mexico - Arena Monterrey

23-10 San Antonio, TX - AT&T Center

25-10 New Orleans, LA - Voodoo Music Experience

28-10 Orlando, FL - UCF Arena *

29-10 Jacksonville, FL - Jacksonville Veterans Memorial Arena *

31-10 Nashville, TN - Sommet Center11-01 Greenville, SC - Bi-Lo Center *

03-11 Greensboro, ND - Greensboro Coliseum *

05-11 Charlottesville, VA - John Paul Jones Arena *

06-11 Atlantic City, NJ - House of Blues *

08-11 Manchester, NH - Verizon Wireless Arena *

09-11 Worcester, MA - DCU Center !11-11 Ottawa, Ontario - Scotiabank Place *

12-11 Montreal, Quebec - Bell Centre %

14-11 Hamilton, Ontario - Copps Coliseum %

15-11 Grand Rapids, MI - Van Andel Arena %

17-11 Columbus, OH - Schottenstein Center %

18-11 Fort Wayne, IN - Memorial Coliseum %

20-11 Cedar Rapids, IA - US Cellular Center %

21-11 Columbia, MO - Mizzou Arena %

22-11 Tulsa, OH - Bok Center %

25-11 Minneapolis, MN - Target Center %

26-11 Council Bluffs, IA - Mid-America Center %

28-11 Rapid City, SD - Rushmore Plaza Civic Center ^

29-11 Billings, MT - Metrapark Arena ^

01-12 Saskatoon, Saskatchewan - Credit Union Centre ^

04-12 Kelowna, British Columbia - Prospera Place ^

05-12 Victoria, British Columbia - Save on Foods Memorial Centre ^

07-12 Portland, OR - Rose Garden Arena ^

08-12 Nampa, ID - Idaho Center ^

09-12 Missoula, MT - Adams Center ^

12-12 Sacramento, CA - Arco Arena ^

13-12 Las Vegas, NV - Planet Hollywood Resort and Casino ^

! con Deerhunter

* con HEALTH

% con Boris

^ con the Bug

56

2008-09-05T04:45:00.000-10:00

5
audiovisual industrial

música + videos

6
nunca jamás + malas poesías + the shameless

Sorpresa hoy!! bata y bajo ala viola!!!

2008-09-04T10:41:00.000-10:00

La vida es una zapada (zarpada)

2008-09-03T17:34:00.000-10:00

De un tiempo a esta parte, las fiestas de cumpleaños de los perros han cambiado, pero para bien. A las ñoños, las carcajadas interminables y al equipo de sonido lejano, se le sumaron una batería, amplis, bajos, guitarras y todo lo que inspire. Está comprobado que con el transcurrir de los años el alma de los músicos se vuelve más musical, más abierta y por ende más feliz. Entonces, que mejor manera de festejar otras 365 noches de vida que con una zapada de la gran puta! Hace poco estuvo de cumple Felipe Muñoz, batero de Dokma y bohemio por excelencia, así que la jornada de diálogos entre los instrumentos estaba asegurada. “Vengan temprano los perros”, rezaba una invitación que me llego vía Orkut y que estaba firmada por el “Felipón”. A las 18 ya había gente, una hora después se armo la onda y al toque comenzó el toque que se extendió hasta bien entrada la mañanita del día siguiente. Entre los invitados estaban músicos de diversas bandas de la escena rockera y eso es lo lindo que tiene la zapada, no discrimina, todo lo contrario, es abierta e incluyente, basta con animarse y meterle.
Frank Zappa empezó a ejecutar la guitarra con una finalidad muy concreta: quería tocar solos improvisados larguísimos sobre sus discos de Rhythm and Blues . Fue autodidacta y nunca se considero un virtuoso. Según él, un virtuoso debe ser capaz de tocarlo todo, él solo podía tocar lo que sabía. Son famosas sus apariciones “fantasmales” en conciertos de otros grupos con quienes compartía escenario para tocar lo que sea.
Zappa prefería que la sección rítmica se mantuviera en un mismo acorde durante toda la improvisación; o, en todo caso, en una progresión que incluyera el número mínimo de acordes para configurar un determinado "aroma" armónico (así lo definía el men). A 14 años de su ida a vaya saber que galaxia copada, su legado revive en cada encuentro como el que se vivió en lo del Felipón y que se repite en cada “onomástico” de los muchachos. Larga vida a la zapadas cumpleañeras carajo!

x Lésico

Entrevista a Frank Zappa 1968

2008-09-02T16:39:00.000-10:00

Entrevista realizada por Jerry Hopkins para la revista Rolling Stone, 1968, traducida por Ramón García. Extraída del libro Conversaciones con el rock (The Rolling Stone Interviews), Ayuso/Akal, 1975

A pesar del extraño aspecto que Frank Zappa y los Mothers Of Invention presentan, aquél ha hecho mucho para influir y guiar a la música pop de todo el mundo. Además de introducir un cierto sentido de la anarquía musical mucho antes de que se hiciera popular (y ahora que está siendo copiada por algunos grupos), Zappa fue también uno de los primeros en producir un álbum de rock como si fuera una sola pieza musical. (Freak Out no era un Sgt. Pepper, pero sirvió de inspiración a los Beatles entre otros)... Utilizando lo que él llama "ayudas visuales" y tras haber creado un gran complejo de técnica y estilo musical (basándose en todos, desde los Penguins hasta Edgar Varese), Zappa ha conseguido una idea muy clara de adonde se encuentra, actualmente, la música pop --por muy pretenciosa que parezca esta afirmación. También tiene algunas nociones acerca del punto en que se encuentra esta enferma sociedad; sus letras satíricas son inigualables.
En la primavera de 1968, poco después de que Zappa volviera a Los Angeles, tras 18 meses en Nueva York, charlé con él acerca de sus ideas y planes, y de la historia de su grupo. Esta entrevista tuvo lugar en el enorme salón de la "cabaña de troncos" que ha alquilado en Laurel Canyon por 700 dólares al mes, y en donde según se dice vivió o bien la encantadora Bessie Love, estrella del cine mudo o Tom Mix. Aunque las interrupciones no vienen indicadas, la charla se prolongó durante casi una semana, entre las salidas para las actuaciones del grupo fuera de la ciudad, y superando a duras penas el ruido procedente de los ensayos del Laurel Canyon Ballet Company, un grupo de bailarines sin inhibiciones que Zappa ha estado utilizando recientemente en algún concierto.

¿Sea lo que fuere lo que estáis haciendo, creéis que estáis llegando a alguien? ¿Acepta la gente lo que hacéis, lo entiende?
Nos emocionó mucho el recibimiento que tuvimos en Salt Lake City la semana pasada. Por primera vez un público de clase media parecía tener idea de lo que estábamos haciendo. Lo escucharon tal y como era, y parece que tomaron una decisión respecto a si les gustaba o no, sin limitarse a comentar: "Muchacho, que extraños son". Parecían capaces de distinguir entre las diferentes calidades musicales. Creo que es cuestión de acostumbrarse. Cuando empezamos éramos los únicos que lo hacíamos. La gente podía decir que era raro. Entonces poco a poco algunos de lo otros grupos empezaron a copiar varias de las cosas que hacemos. Las innovaciones fueros asimiladas por los grupos más populares. Así, cuando los chicos oían en la radio los discos de los grupos más formalitos, enderezaban las orejas.

¿Qué fueron o son algunas de esas cosas?
Algunos de los efectos electrónicos, combinados con líneas melódicas. Todos los elementos de ruido, cambios de compás. Cambios de ritmo. Es seguro que no pueden bailar con ello, así que ahora están escuchando. En los viejos tiempos esto no era así. Por aquel tiempo el público era hostil a lo que hacíamos. Pasábamos un mal rato. Históricamente los músicos se han venido sintiendo realmente ofendidos cuando el público mostraba disgusto hacia su actuación. Así que pedían perdón y trataban de hacerse querer por el público. Nosotros no. Decíamos al auditorio que se jodiera.

Sin haber tenido una difusión importante por radio, habéis vendido un número sorprendente de discos.
No hay manera de saber cuántos discos hemos vendido. Las liquidaciones que recibimos de MGM son una mierda y no pueden creerse. Las ventas se calculan de 300.000 a 800.000. les hemos demandado y estamos investigando sus libros.

¿Quiere decir esto que ya no estáis con MGM?
Preferiría no volver a grabar antes que volver con MGM.

¿Qué historia hay detrás de Lumpy Gravy? Fue escrita y producida para Capitol, pero salió en MGM.
Fue un asunto un tanto raro. Cuando me pidieron que lo hiciera ni MGM ni nadie me había pedido ningún tipo de música seria; cualquier posible variación de la forma corriente del rock'n'roll. Capitol vino y me pidió que escribiera algo para orquesta. I contrato para la MGM era como productor, no como artista, así que no había problema. Pero entonces MGM amenazó con demandar a Capitol, y Capitol les amenazó a ellos. Luego fingieron necesitarse mutuamente. MGM hizo un trato discográfico con el club de discos de Capitol. Todo fue un típico negocio americano, se lo compraron a Capitol y lo sacaron en MGM: De todas formas por aquel entonces ya estaba harto de MGM.
Ejemplo. Me mandaron una prueba de "We're only in it for the money" de la que censuraron un montón. Este es uno de los versos que cortaron: " Y todavía recuerdo a mamá con su delantal y su apartamento dando de comer a todos los chicos en el café de Ed". Ahora bien, no solamente no tenía ningún sentido el que lo cortaran, sino que jodía todo el tema al quitar cuatro compases antes del estribillo. Y cambiaron la ecualización. Quitaron los agudos, y amplificaron el sonido del final y del medio para deformar las palabras. Así que me mandan esta cinta original y se supone que yo debo firmar un papel diciendo que pueden lanzarlo. Les llamé y les dije: "No podéis sacar este disco" y ya habían impreso 400.000. Luego 6 ó 7 semanas más tarde, me llamaron para hablarme de Lumpy Gravy. Acababan de prensar 12.000 ejemplares y ya habían sido enviados y ni siquiera me habían un permiso de lanzamiento para que lo firmase.

¿Cómo ves ahora los álbumes que habéis hecho?
Es todo un mismo álbum.
Todo el material de los álbumes está orgánicamente relacionado, y si tuviera todas las cintas matrices, podría coger una cuchilla de afeitar, cortarlas y unirlas de nuevo en un orden diferente y seguiría siendo una única pieza musical que se podría escuchar. Entonces podría coger la cuchilla otra vez, cortarlas y volverlas a unir de una manera diferente y todavía tendría sentido. Puedo hacerlo de 20 formas distintas. El material está definitivamente relacionado.

¿Hay algunas partes de este álbum tan extenso que te gusten más que las demás?
"Pigs and ponies" de Lumpy Gravy, "Idiot bastard son" en Money, "Brown shoes don't make it" en Absolutely free. "Brain police" y "It can't happen here" en Freak out.

¿Porqué esas canciones en particular?
"Pigs and ponies" dice realmente lo que quise que dijera y la interpretación es tan buena como esperaba. Es lo que pretendía hacer en un 100 por 100. Juzgo nuestras canciones sobre un porcentaje. "Idiot bastard son" me gusta por lo que dice. No es que me entusiasme mucho la interpretación, pero me gusta la estructura, especialmente la parte hablada en el medio y la manera en que se relaciona con los cambios de acordes. "Black shoes" es más o menos lo mismo: me gusta lo que dice, pero no estoy a gusto con la interpretación. "Brain police" es quizás la peor interpretada de la lista, pero es una de las canciones más importantes. "It can't happen here" tiene una calificación del 80 por 100 y a mi parecer posee una estructura única en el rock'n'roll.

Te has encargado de la comercialización de tus álbumes. ¿No es esto bastante singular?
Creo que es defensa propia y no algo singular. No hubiéramos vendido discos de haberlos dejado en manos de la compañía. Creían que éramos unos bichos raros. Una novedad de temporada a go-go. Pero no lo éramos. Tuvimos que enseñarles las formas de hacer dinero con el producto. Desde el principio fue difícil convencerles de lo que hablábamos. Tuvimos que hacerles comprender. Antes que nada, quise hacerme con la publicidad. Luego me pusieron a hacer casi todo.
Otra cosa... el interior del álbum Freak out me hizo vomitar. La presentación exterior la teníamos bastante controlada, Su lanzamiento al mercado estaba cuidadosamente planeado. Mientras se completaba la presentación de este disco yo estaba en Hawai. No se lo di a un experto. El resultado fue una composición gráfica bastante fea. Uno de los peores trabajos de reproducción que he visto. Alguna foto reproducida... ¿recuerdas la foto en el extremo inferior derecha? es una gran panorámica de toda esa gente. Pues la redujeron y la colocaron en el rincón. Grité hasta quedarme afónico.

Cuando te encargaste de la publicidad, ¿qué hiciste?
La MGM no tenía ni idea de cómo moverse en la prensa underground ni con ciertos periódicos de tendencias izquierdistas, hippies, o que no estuviesen integrados de alguna forma en los medios de comunicación convencionales del sistema.
Íbamos detrás de un público muy particular, suscitando el interés de la gente que tuviera algo de curiosidad por las cosas. Ayudó a llevar a cabo el trabajo y ayudó a llegar precisamente a aquellas personas de la comunidad que comprarían el producto, lo oirían y, quizás, lo comprendieran, más que si hubiera sido dirigido a un público que lo hubiera rechazado. Se vendió porque corrió la voz. No buscábamos un público de críos. Queríamos a aquellos que lo comprendieran y que hicieran a otros conectar con él.

¿Grabáis algo ahora?
Tenemos dos álbumes en preparación. Hemos estado trabajando en ello durante estos cinco últimos meses. Alquilamos un estudio en Nueva York, durante un largo periodo, con nuestros ahorrillos de juventud, convencidos en el fondo de que MGM mordería el polvo... ya que los buenos siempre ganan.
Dos álbumes. Uno es "Whatever happened to Ruben and the Jets", un proyecto secreto. El otro es "No commercial potential", un álbum de tres discos. Seis caras. Tiene trocitos de 8 minutos de duración de cuando la policía asaltó nuestra sesión de grabación. Polis de Nueva York. ¡En vivo! ¡En persona! No se pude bailar con eso. También tiene un trozo en el que Jimmy Carl Black, el indio del grupo, está quejándose porque no ganamos nada de dinero y la banda está tardando mucho en pegar. Hay dos canciones sobre El Monte Legión Stadium. Una canción sobre carnets de identidad falsos. Otra canción sobre pezones. Una canción surrealista de R&B llamada "The air escaping from your mouth". Otras dos cosas surrealistas: "Mr. Green genes" y "Elelectric aunt Jemina". Cantidad de instrumentales. En una canción utilizamos 40 pistas y el tema dura 90 segundos. Será lanzado en otoño seguramente.

He leído que eres un músico autodidacta, ¿cómo empezó todo?
Yo quería tocar la batería, así que cogí unos palos y empecé a aporrear sin piedad los muebles hasta que mis padres se rindieron y me compraron una batería. No había oído nada de R&B por aquel entonces y lo que me interesaba era la música orquestal. Entonces empecé a escuchar algunas guitarras. Yo quería que lo hicieran de tal forma y que lo tocaran así pero no lo hacían. Dejé de tocar la batería y me hice con una guitarra cuando tenía 18 años. Me costó 1,50 dólares en una subasta. Era una de esas, de caja abombada, con agujeros en forma de "f". La cuerdas eran tan altas que no podía tocar acordes, así que empecé a puntear directamente. No aprendí a tocar acordes hasta casi un año después. En cuatro semanas ya estaba tocando esos mierdosos solos juveniles. Cuando tenía 21 ó 22 años me compré una guitarra eléctrica, pero me di cuenta de que no podía tocarla y tuve que empezar de nuevo.

¿Cuándo formaste tu primera banda?
Cuando estaba en la escuela secundaria, antes de empezar con la guitarra. Era un grupo llamado los Blockout... en la High School de Antelope Valley. Era una ciudad pequeña y divertida Lancaster. Habían tenido una mala experiencia allá por el año 54, antes de que yo fuera a vivir al valle. Joe Houston y Marvin & Johnny, y algunos otros vinieron y montaron un espectáculo de R&B. Y naturalmente con los grupos llegaron los proveedores de drogas y la ciudad se quedó realmente asustada.
En aquellos días la policía temía a los jóvenes. El ambiente estaba cargado. Peleas entre bandas y todo eso. Entonces me vine a la ciudad. Había estado trabajando en un grupo de R&B en San Diego. Formé un grupo y nos quedamos juntos el tiempo suficiente para aprender 10 canciones. Había un barrio de negros fuera de la ciudad llamado Sun Village y eran ellos los que apoyaban al grupo. Celebrábamos esos increíbles bailes para negros y eso no le gustaba al agente de la ciudad. La policía me arresto por vagancia y la noche antes de una actuación me la pasé en la cárcel.
Mis padres pagaron la fianza. El grupo permaneció junto hasta que cada cual empezó a querer comerse los hígados de los demás. Después de aquello dejé el grupo, que se transformó en los Omens, algunos de cuyos miembros están ahora con los Mothers y otros con el Captain Beefheart. Don Vliet estaba en el grupo. Don y yo, solíamos reunirnos después de la escuela a escuchar discos durante tres o cuatro horas. Empezábamos en casa, luego comprábamos algo de comer y dábamos una vuelta en su viejo Oldsmobile buscando chicas dispuestas ¡en Lascaster!. Después nos íbamos a su casa y asaltábamos el camión del pan de su viejo y nos sentábamos y comíamos bollos de piña y escuchábamos aquellos discos hasta las cinco de la madrugada y a lo mejor no íbamos a la escuela al día siguiente. Era lo único que parecía valer la pena entonces. Escuchábamos aquellos discos durante tanto tiempo que podíamos cantar los solos de guitarra.. Nos hacíamos exámenes sobre cuantos discos había sacado este tipo, cual era su último disco, quien lo había compuesto y cual era el número del disco.

Se dice que tienes una de las mejores colecciones de R&B del mundo ¿es verdad?
Es considerable. Está toda allí en el armario. ¿Quieres verla? Algunas de las primeras cosas son de finales de los 40. Hay muchas colecciones más grandes. Mi colección se compone de todos los discos que me han gustado. Mi colección está compuesta por todas aquellas canciones que me hacen sentir nostalgia de la escuela secundaria.

Como tema, la escuela secundaria parece ser muy importante para ti...
Creo que hay mucha gente que no sabe lo que es la escuela secundaria -incluyendo a los que están en ella-. Mi material pretende darles alguna perspectiva. La gente es estúpida. Nunca se para a preguntarse nada de nada. Simplemente aceptan las cosas como vienen. ¿Te imaginas una nación que nunca se pregunta sobre la validez de las animadoras y los pom-pones? En Lancaster, las animadoras tenían tanta importancia que el boola-boola no era suficiente para ellas; encima dirigían el llamado gobierno estudiantil. Eran unas cerdas. Demasiado americano para mí.

¿En qué crees que se diferencia la gente joven de hoy, de la de hace, digamos, 10 años?
Ciertamente las cosas son más difíciles para ellos, ¿no es verdad? En aquellos días tenías que pelearte a puñetazos con tu padre para que te dejara el coche. Hoy se lo pides y él te dice, ¿cuál de ellos? En los viejos tiempos te peleabas con tu viejo y cada uno sacaba los trapos sucios del otro y él iba y te decía: tienes que estar en casa a las 12 -y tú estabas en casa a las 12-. Hoy, los padres no se atreven a qué hora tienes que estar. Temen que no vuelvas. Tomarás ácido, te unirás a un grupo de rock'n'roll. El marcharse de casa no es como antes. Hoy sabes que vas a estar con una serie de gente un poco mayor que tú, que te cuidará.
En aquellos tiempos era peligroso dejar tu casa. No había un ambiente underground. Sólo había un montón de tipos mayores, que quizás eran más desagradables que tu gente.

¿En qué momento se formaron los Mothers?
Jimmy Carl Black estaba empeñando unos cuantos platillos para poder comer y se topó con Roy (Estrada) en la misma tienda. Así que empezaron a hablar y formaron un grupo llamado los Soul Giants. Ray (Collins) se unió a ellos y actuaron en un club llamado el Broadside, en Pomona. Ray tuvo un contratiempo con el guitarrista del grupo y cuando al poco tiempo se encontraron sin guitarrista, me llamaron, me pidieron que le sustituyera. Yo pensé que era un grupillo cachondo y propuse un trato por el cual formaríamos un grupo y haríamos algo de dinero; quizás hasta un poco de música... pero en principio era un acuerdo financiero.
Cuando vas de bar en bar para sacar de 0 a 7 dólares por noche, por persona, piensas que el dinero es lo primero. Siempre queda la esperanza de que, si te mantienes unido el tiempo suficiente, podrás hacer dinero y conseguir un contrato para grabar un disco. Todo eso sonaba a ciencia-ficción entonces, porque se estaba cociendo durante la llamada invasión británica, y si no tocabas como los Beatles o los Stones, nadie te contrataba. Yo decía esperad, y nos íbamos a otro go-go bar -el Red Flame en Pomona, el Shack en Fontana, el Tom Cat en Torrence...-
Un poco antes de eso yo tenía un grupo llamado los Mothers, pero en esa época nos llamábamos Captain Glasspack and his Magic Mufflers. Fue una época rara. Nos echaban hasta de las jam sessions que se celebraban después de cerrar. Al cabo del tiempo, volvimos al Broadside de Pomona y nos llamamos los Mothers. Ocurrió que por puta casualidad era el Día de la Madre, aunque nosotros no lo sabíamos. Cuando estás a punto de morirte de hambre no llevas la cuenta de las fiestas.

¿Cuánto tiempo tocasteis en bares a go-go?
Demasiado. Estaba claro que no nos dirigíamos demasiado deprisa hacia la fama y la fortuna. Decidimos tener un manager y ¿qué haces cuando tomas esa decisión? Pues te vas a una persona que sea amiga y más mayor. Encontramos a Mark Cheka, que después de cierto tiempo descubrió que necesitaba ayuda y que tenía un amigo llamado Herb Cohen. Mark consiguió que tocáramos en una fiesta para el tipo que rodó "Mondo Hollywood" y Herb estaba allí. Herb no es que supiera lo que estábamos haciendo, pero pensó que teníamos... potencial comercial.
Herb nos consiguió una actuación de prueba en el Actino de Hollywood, del que nos habían echado hacía 6 ó 7 meses por no tener el pelo demasiado largo. Todavía no lo teníamos muy largo, así que entramos vestidos con camisas moradas y sombreros negros. Parecíamos empleados de una funeraria de la mafia. La dirección del establecimiento respondió a de forma visceral ante esta presentación y nos contrataron para una gira de cuatro semanas. Eso fue el comienzo de las vacas gordas. Más adelante fue el Whisky y después el Trip, que fue como el nirvana. Nos metieron en el Whisky después del Actino porque Johnny Rivers, que estaba siempre allí, se había ido de gira y necesitaban a alguien de relleno barato.
Nuestra situación era tan insegura que ni siquiera pusieron un cartel diciendo que estábamos actuando dentro, hasta los tres últimos días, e incluso tuvimos que pagar por el cartel.
Entonces fuimos al Trip donde no hacían más que pedir que tocáramos "Help, I'm a rock" y "Memories of El Monte". El problema era que nadie bailaba con estas canciones porque hay una parte hablada en la mitad y el público quería escuchar. Elmer (Valentine) quería que la gente bailara en su club porque si alguien miraba desde la puerta y veía la pista vacía no entraría. Por lo menos eso era lo que decía. Así que una noche tocamos esas dos canciones juntas durante una hora. Durante una hora completa nadie bailó. Momentos después estábamos vendiendo botellas de gaseosa para secar dinero para cigarrillos y mortadela.

¿Cuándo firmasteis para MGM?
Nos vieron en el Whisky y empezamos a grabar allá por los días de las gaseosas. El primer día de grabación no teníamos dinero ni para comer. Si Jesse Kay no nos hubiera dado 10 dólares, nos hubiéramos muerto. Pero como lo hizo, no nos morimos y grabamos seis cortes ese mismo día. Después de aquello todo fue una marcha directa y ascendente hacia el estrellato de los jovenzuelos.

¿Se planteó con cuidado el aspecto del grupo? ¿El aspecto freaky?
Hay una diferencia entre freaks y hippies. Los hippies no se preocupan de su aspecto mientras que los freaks se preocupan un montón.. Su aspecto y el montaje de su propia imagen es una parte importante de su forma de vida. Ahora bien, yo no les dije a los muchachos lo que debían llevar, simplemente les sugerí una forma de vestir de acuerdo con lo que hacíamos. Creía que no podíamos hacer el tipo de música que hacíamos, y parecernos a algunos de los tipos que hay -con rulos y permanentes-. Pasó casi todo un año antes de que los muchachos cambiaran. Tienes que comprender que algunos de ellos vivían en Orange County y temían volver a casa con pinta demasiado extraña. No les he hablado de esto en dos años.

¿Tiene la imagen que ver con la música?
Claro, y todavía tiene que ver. El aspecto de un grupo va unido a la música, igual que la portada de un disco va unida al disco. Da una idea de lo que va dentro. Y cuanto mejor sea la presentación, más se divertirá la persona que lo eligió.

Una vez dijiste a Davey Jones, de los Monkees, que te gustaba la música de los Monkees más que nada de lo que habías oído de San Francisco. ¿Era en serio?
Dije que la mayor parte de lo que grababan sonaba mejor. La gente cree que el rock de San Francisco es de un valor cósmico y todo eso, pero es música manufacturada, y la música manufacturada no vale nada. También la música de los Monkees es manufacturada, por supuesto, y me gustaría decir algo al llegar a este punto, tiene más o menos el mismo valor, sólo que los discos de los Monkees están mejor producidos. Con los grupos de San Francisco el problema es que yo esperaba maravillas y milagros, y lo que oí fue una serie de bandas de blues blanco, que no sonaban tan excitantes como mi pequeña banda de la escuela secundaria.

¿Existe en este negocio algún grupo que tú creas que tiene verdadero valor?
Sí. Me gustan los Chrysalis, Jimi Hendrix, The Cream, Captain Beefheart, Traffic... y no necesariamente en este orden.

¿Ningún solista?
¿Qué solistas hay donde poder elegir? Creo que la mayor parte del trabajo creativo ha sido realizado por grupos y no por solistas. Hay algunos solistas competentes por ahí, pero no se puede decir que estén echando atrás ninguna frontera.

¿Volviste a Los Angeles porque te encuentras mejor aquí?
Esa es una de las razones. Realmente me gusta Laurel Canyon. Es el primer sitio donde he vivido en que me siento como en casita.

¿Piensas quedarte en Nueva York tanto como antes, 18 meses?
No. La primera vez que fuimos allí era la semana del Día de Acción de Gracias y nos retuvieron hasta Año Nuevo. Finalmente nos fuimos a Montreal dos semanas, y luego de vuelta a Los Angeles, nos encontramos con el problema de que no había demasiado trabajo. La poli había cerrado todo. Algunos de los muchachos de la banda tienen cinco críos que mantener. Así que aceptamos un oferta para volver y tocar en este teatro (Garrick), durante la semana de Pascua. Tuvimos una serie de trabajos entre medias, pero solo para ir tirando. Entonces fue cuando escribí "Lumpy Gravy" en once días. De todas formas, Nueva York estaba bastante bien. En la semana de Pascua tuvimos tanto éxito que la dirección del teatro dio por hecho, equivocadamente, que nos quedaríamos durante el verano. La recaudación de taquilla fue de 103.000 dólares y eso parece extraordinario, pero los gastos eran muy altos. El alquiler del edificio era de 1.000 dólares al mes. La electricidad eran otros 500, así que cuando llegamos al recuento final tocábamos a dos billetes por semana y por barba.

¿Fue allí donde empezasteis con vuestras "atrocidades"?
Sí. Hicimos de todo. Celebramos dos bodas en el escenario. Sacábamos a gente de entre el público y la hacíamos pronunciar discursos. Una vez sacamos a 30 pesonas al escenario y algunas de ellas cogieron nuestros instrumentos mientras el resto cantaba el "Louie, Louie" cuando nos íbamos. Teníamos un sistema montado con un alambre desde la cabina de las luces, al final del teatro hasta el escenario, y el tipo de las luces nos mandaba chismes por el alambre. Primero, quizás una muñeca espatarrada... seguida por un salchichón, que se metía por el culo de la muñeca...
Todo estaba cuidadosamente planeado y tocábamos el tipo de música apropiado para estas cosas. Algunas veces el tipo de las luces nos sorprendía y mandaba huevos o algo realmente sucio por el alambre. En el escenario teníamos una enorme jirafa disecada, con una manguera que llegaba hasta un punto determinado en las patas traseras. Ray Collins iba hasta la jirafa, le daba un masaje con un muñeco en forma de rana de los que se usan en los títeres... y entonces la cola de la jirafa se ponía tiesa y las tres primeras filas del público se ponían perdidas de nata batida que salía disparada de la manguera. Todo ello con acompañamiento musical, por supuesto. Era la atracción más popular de nuestro espectáculo. La gente lo pedía constantemente. Teníamos a un vendedor ambulante en la puerta del teatro haciendo entrar a la gente a aquella habitación maloliente ofreciéndoles emociones, y les dábamos emociones.

¿Era esa la única razón por lo que lo hacíais, o estaba relacionada de alguna manera con la música?
La música es siempre un comentario sobre la sociedad y ciertamente las atrocidades en el escenario son bastante suaves comparadas con las realizadas en nuestra representación por nuestro gobierno. No se puede idear un acorde lo suficientemente feo como expresar lo que quieres decir algunas veces. Así que tienes que valerte de una jirafa rellena de nata. Además, tampoco sabían como escuchar. El interés va decayendo y necesitan algo que les ayude a conectar de nuevo.
En realidad, el cómo empezaron las atrocidades fue un accidente. Alguien había regalado a uno de los muchachos una gran muñeca, y una noche sacamos a unos Marines de entre el público. Sólo para romper la monotonía. Todavía no habíamos empezado con las atrocidades. Así que tuvimos la idea de que podíamos mostrar al público lo que los Marines eran realmente. Les tiré la muñeca a los Marines y les dije: " esto es una chinita... mostrarnos cómo tratamos a los amarillos en Vietnam". Y despedazaron la muñeca. Después de aquello incluimos numeritos en todos nuestros espectáculos. Yo les llamo "ayudas visuales".

¿Qué proporción de lo que hacéis en un espectáculo en vivo está planeado?
La única parte del espectáculo que está planeada es la estructura, ciertas cosas, los sonidos, las canciones, las señales para las canciones y los sonidos. Los elementos se unen de formas diferentes. La continuidad es la parte más importante del espectáculo y te explica cómo escuchar la música. Cuando doy un salto y toco el suelo, por ejemplo, las dos primeras notas que toco en la guitarra indican a los muchachos cuál es la próxima canción que vamos a interpretar. Algunas veces utilizo señales con las manos para indicar un sonido de vómito o de ronquido. Cosas de este tipo.

El personal del grupo ha cambiado con los años. ¿Quién está en el grupo ahora?
Ray Collins, el cantante solista. Le conozco desde hace unos diez años y ha estado cantando R&B durante 15 ó 16 años, así que ahora debe tener alrededor de los treinta. Tiene un sentido del humor muy particular, como se demuestra cuando tiene que interpretar algunos de sus trucos mágicos, que nunca salen bien. Antes de unirse a los Mothers era camarero en su tiempo libre y carpintero.
Roy Estrada toca el bajo, 26 años. Ha estado tocando R&B desde que tenía 16, ha vivido en Orange County durante toda su vida y conducía un camión de una serrería antes de unirse al grupo. Jimmy Carl Black es el batería, anda por los treinta, y hasta hace poco era un bebedor empedernido de cerveza -unos diez cuartos al día-. Tiene un 90 por 100 de sangre cherokee (su nombre indio es James Inkinish) y trabajaba en una gasolinera de Kansas.
Ian Underwood tiene 29 años, está graduado en música por Yale y Berkeley, y es un gran intérprete de instrumentos de viento de madera, y es además pianista de conciertos, estaba especializado en Mozart. Le conocí un día en el estudio y quería unirse al grupo. Le dije: "¿qué haces que sea extraordinario? Tocó el piano y el saxo alto y le contraté.
De Bunk Gardner no sé mucho. Es obvio que ha estudiado en un conservatorio, se cuida la barba, se peina y le gusta desnudarse cuando cuenta dinero.
Conozco a Euclid James "Motorhead" Sherwood desde hace 12 años, Estábamos juntos en la escuela secundaria de Lancaster. Solía tocar el saxo barítono con los Omens. Tiene la habilidad de ejecutar un baile llamado el "bug" que parece un ataque epiléptico. Es un de esos tipos de los que dices: "conozco a un tío realmente extraño y os lo quiero presentar". Fue el encargado de nuestro equipo durante un cierto tiempo y cuando empezamos las atrocidades, le dábamos nuestros instrumentos para ver que pasaba. Y tocaba con más imaginación que como lo haría un músico eficiente. Era él solo contra la máquina que tenía en la boca, un saxo. También sabe mucho de muñecas y de ayudas visuales.
Don Preston toca el piano eléctrico, el órgano eléctrico y también estaba a cargo de los efectos musicales electrónicos. Su notoriedad estriba en que suele perder dinero -cientos de dólares al mes-. Art Tripp estuvo dos años en la Sinfónica de Cincinnati como percusionista. Dio la vuelta al mundo por cuenta del Departamento del Estado. Ha tomado parte en conciertos con cosas de Stockhausen y John Cage. A pesar de todo eso, es tan repelente como el resto de la gente del grupo.. Y eso es todo, ¿ocho? Sí, ocho.

¿Quiénes han tenido el honor de influir en tu trabajo?
Sonaría como una lista estúpida. No significaría nada para la mayoría de la gente. En un año más, serán asequibles para esta gente. Ahora sería sólo una lista de nombres que no pueden pronunciar.

¿Hacia dónde crees que va la música?
La tendencia más fácil de predecir es la tendencia al eclecticismo.

¿No es eso lo que tenemos ahora?
Sí, pero las bandas están empezando con ello ahora. Hay dos direcciones, aparte del eclecticismo, que puede tomar la música. Una es la que podíamos llamar neoclásica. Los grupos que han intentado hacer algo, con la limitada experiencia que poseen, pueden haber encontrado todo lo que esperaban encontrar. Con el tiempo, algunos de ellos terminarán escuchando R&B, fijándose en la estructura... escucharán en lugar de intentar cantar como los negros. Pueden llegar a utilizar algunas de las técnicas básicas de los 50 para lograr nuevos sonidos. En otras palabras, las cosas pueden volverse más sencillas. La cosa puede suponer el renacimiento de las canciones sobre novios y novias "sinceros". También existe la posibilidad de que a la gente le dé por volver a bailar agarrada otra vez.
La otra tendencia es la idea de formar una asociación de grupos, la posibilidad de disponer músicos en cualquier momento. Cuando el mercado para grupos haya alcanzado la altura musical deseada y no esté demasiado preocupada por toda la mierda del negocio, el músico podrá abandonar el grupo y unirse a una de estas asociaciones, donde sus servicios quedarían disponibles para un sistema que pudiese aceptar contratos de un promotor. Todo lo que éste haría, sería decir cuántos números necesitaba para una determinada actuación, y cogería a estos intérpretes de la Asociación. Estos serían avisados con una semana de antelación y tendrían así una semana para preparar el material para una hora de actuación. Entonces montarían un espectáculo y nunca volverían a tocar así otra vez. De esta manera se conseguiría un espectáculo único cada vez. Se tendría la oportunidad de escuchar algo espontáneo, algo que sería bueno para todos. Sería un desafío para los músicos. No tendrían que tocar el mismo repertorio todo el tiempo. Sin embargo, creo que el neoclasicismo es más probable...

¿Hay algún tema que no hayamos tocado que te gustaría...?
Sí, creo que hay alguna ley que dice que si tienes que ir a juicio por algo, tienes que ser juzgado por un jurado formado por gente del círculo en el que te mueves, ¿no es eso? Bueno, creo que un requisito mínimo para este grupo es que deben pertenecer a tu círculo político-socio-económico, o al menos que tengan tu misma edad. En otras palabras: gente joven con el pelo largo no pueden ser juzgadas de una manera justa por viejos calvos. Eso no sería un juicio justo. Si tienes el pelo largo, el jurado debería tener el pelo largo. Si tomas drogas, el jurado debería haber tomado drogas. Si eres un bircher [perteneciente a la John Birch, una asociación facha de los EEUU], los jurados deben ser birchers...

Espera un momento, ¿hablas en serio? ¿Hasta dónde llegarías con ese criterio selector? ¿Los ojos azules?
Yo no digo que deban ser tu doble biológico. Pero debería haber una definición sociológica de este grupo que pudiera juzgarte. Deberías ser juzgado por gente que vea las cosas como tú. Hasta que esto no pase, me reiré cada vez que oiga la palabra "justicia"
Es sólo eso... bueno ¿sabes que hay una ley en esta ciudad acerca de perturbar la paz de un oficial de policía? ¡Pues la hay! Si un policía está sentado en su coche patrulla tomando café y tú vas y tocas la bocina a su lado, pueden arrestarte por alterar la paz del policía. Y si te vuelves hacia la persona que está sentada a tu lado para discutir si tocas o no la bocina, resulta que es una conspiración para alterar la paz del poli, lo que constituye un delito grave. El sistema podría meter a todos estos tipos raros y a los de los pelos largos en hornos crematorios, ya sabes, pero eso es algo complicado, así que te ponen las cosas difíciles. Dicen: "Tened a esos cabrones a raya". Hasta aquí es donde han llegado las cosas en este país.Menciono esto porque las putadas públicas y las quejas son como el Top 40. Hace algún tiempo era el napalm a go-go y la Dow Chemical Company. Ahora es otra cosa. Cuenta a la gente lo del grupo del jurado y la justicia. Diles que lo rumien una temporadita.

bien en su viendo 1

2008-09-01T08:19:00.000-10:00

Se viene la Ola Grande (1)
Por Raz Chicken Mike Cardozo ya tiene casi a punto La Formula Secreta, un nuevo trabajo con la participación especial del eximio requintista Juan Cancio Barreto, quién ya había participado como invitado en algunos shows de la banda a comienzos del año y que de esta forma le brinda su apoyo incondicional a un proyecto y a un grupo de artistas que sin lugar a dudas, apuestan a la renovación del folklore nacional. El material, que se compone mayormente de versiones y algunos temas inéditos de La Secreta, esta previsto que pueda ver la luz a comienzos del próximo año. He aquí en exclusiva para todos ustedes amables lectores de este infame blog, un adelanto del track list y que cuenta con joyitas por demás interesantes para nuestros oidos y neuronas: Redemption Song y Natural Mystic, del maestro Bob Marley, en español y en plan 6x8; de los Beatles, I'm only Sleeping, uno de los preferidos de los fanáticos del disco Revolver, ahora en una deliciosa versión reggae. Otras atracciones destacables son "El Ejecutivo", clásico tema de Maneco Galeano dedicado a Daniel Nasta (¿) y una imperdible versión del inovildable "Lithium" de Kurt Cobain. Estén atentos a la serie de entrevistas con Mike Cardozo que estaremos posteando y en donde nos enteráremos más detalles de esta nueva realización que promete consolidar y expandir aún más el alcance de este gran grupo paraguayo. Novedades en breve.

Le Chant des Sirènes. Do

2008-08-31T12:07:00.000-10:00

El Canto de las Sirenas. Filosofía y música
Eugenio Trías (corresponsal desde Bilbao)

Me encuentro siempre aquí, en casa, tanto en esta ciudad, esta bellísima ciudad, cada vez más hermosa; y en esta aula, en el Aula de Cultura, a la que ya visito creo que por tercera o cuarta vez, seguro tercera vez; es posible incluso más veces, pero siempre me he encontrado, repito, como en casa. Y deseo un poco transmitirles la impresión y la emoción que me produce estar aquí con ustedes. En este caso la cita es distinta que otras veces. Recuerdo haber hablado aquí, pues, en la época que ha evocado mi amigo, cuando escribí La edad del espíritu, que fue cuando nos conocimos, en que un poco el tema era Pensar la religión . El tema “pensar la religión”, pues en el fondo mi oficio es el de la filosofía y, por tanto, mi compromiso cívico y mi compromiso público consiste en pensar aquellos temas que en cierta manera me incitan y al mismo tiempo me inquietan, me incitan o me seducen.
Bien, un poco en esta misma orientación y línea y atendiendo a mi propia biografía, he de reconocer que desde que tenía probablemente diez años, la música, yo me atrevería a decir la mejor música, me ha ido acompañando. Inicialmente, pues, era de manera muy ingenua, a través del encuentro con la radio. Yo soy de esos españoles que se encontraron con el mundo exterior a través de la radio, sobre todo, cuando estaba enfermo o en circunstancias en que me era posible. Y fue a través de la radio donde precisamente trabé contacto con nombres, que inicialmente tomaba nota en un cuaderno, nombres casi todos extranjeros -Beethoven, Chopin, Schuman, Schubert, Wagner, Stravinski, etc.- y que, poco a poco, me fueron evocando la existencia, me sugirieron la existencia de un universo fascinante, de un universo enormemente seductor, pero al mismo tiempo conmovedor y que, en cierta manera, no era ajeno a mis necesidades y exigencias de tipo intelectual.
En este sentido, he tardado mucho, he tenido que consumar un proyecto filosófico, atravesar esa cifra clave que son los 60 años, para adentrarme en el mundo de la música y pensar la música. El proyecto que inicialmente tuve se inició de una manera directa y de una manera decidida y comprometida, hace unos 6 ó 7 años. La idea era escribir un libro que se llamara Pensar la música; al final, se ha titulado El canto de las sirenas y, entre paréntesis, Argumentos musicales . El canto de las sirenas, es un motivo, casi sirve como de metáfora de lo que la música es, con toda su ambigüedad. La música tiene una profunda ambivalencia. Es, al mismo tiempo, algo seductor que incita a nuestras experiencias, diríamos, más instintivas, incluso irracionales y, al mismo tiempo, es lo que puede en algún sentido elevarnos hasta las formas supraracionales; un poco a caballo entre lo irracional y lo supraracional. Bien, en cualquier caso, la idea inicial era escribir un libro que se llamase Pensar la música .
De todas maneras, he de reconocer que, desde un principio, mi contacto con la música fue un contacto muy concreto; un contacto muy referido a las composiciones musicales y, sobre todo, a las grandes aventuras de la creación música. Desde muy pequeño, desde mi adolescencia, estaba absolutamente fascinado por la labor de creación de estos que consideramos grandes músicos de la tradición occidental, pues, desde el barroco en adelante; también en pleno siglo XX. Y un poco en esta dirección es como ha ido cristalizando este libro El canto de las sirenas , que por algo se llama Argumentos musicales , en el que se recorren cuatro siglos, cuatro siglos de música occidental, desde 1607, que es cuando se estrena esa opera paradigmática, origen de la opera y, al mismo tiempo, mito y leyenda de la música que es El Orfeo de Monteverdi. Al fin y al cabo, mito y la leyenda de la música se condensa en este gran tema griego que es la historia de Orfeo, la leyenda de Orfeo. Y que incluye el libro desde 1607 hasta 2002, que es cuando muere uno de los grandes padres fundadores de la música de la segunda postguerra, que es esa gran música todavía para nosotros, a veces algo ignorada, injustamente ignorada. Una música que emprenden ciertos pioneros de muy distinta nacionalidad, John Cage en Norteámerica, Pierre Boulez en Francia, Karlheinz Stockhaussen en Alemania y Iannis Xenakis en Grecia. Es esta música la que culmina mi libro.

Le Chant des Sirènes. Re

2008-08-29T23:02:00.001-10:00

Mi libro tiene una estructura muy clara, porque en realidad, aunque no hay unas partes divisorias, se pueden especificar claramente 500 páginas dedicadas a la música tradicional, desde Monteverdi hasta Debussy, Mahler. Y una segunda parte, otras 500 páginas -el libro tiene 1.000-, dedicada al siglo XX, íntegramente al siglo XX, es decir, al siglo pasado, que fue un gran siglo de música y que todavía no está del todo integrada, incorporada en nuestros hábitos. La música, más incluso que las artes plásticas, que la arquitectura, genera muchas rutinas en la percepción sensorial, Y es por esta razón, quizás, de que músicos grandísimos como es el caso de Schönberg, o de Alban Berg, o de Anton Webern, o bien estos que he citado anteriormente -los músicos de la segunda postguerra, de John Cage en adelante-, pues quizá retrasan más de lo necesario su incorporación, su integración en nuestros ámbitos auditivos. El fondo es la audición, el sonido, el ámbito, la materia, la materialidad misma, por donde discurre la música.
Como he dicho al principio, mi intención inicial era escribir un libro que se llamase Pensar la música. Luego lo corregí e hice este recorrido porque se atenía mejor a mi forma de encontrarme con la música, que es, más bien, a partir de la personalidad de los músicos y del acto de libre creación que uno encuentra y que asocia pues a nombres como Josepf Hayden, Wolfgang Amadeus Mozart, Johannes Brahms, Anton Bruckner. A partir de esta tarea de indagación, casi detectivesca, por la cual me fui orientando y encauzando y, por tanto, el libro cristaliza o cuaja en una especie como de tapiz o de puzzle. Lo fui componiendo como se hacen los grandes puzzles, o sea, primero una parte, luego otra, luego otra, hasta que al final se dibujaba una imagen. Porque, en realidad, lo que yo pretendía era, con todos estos pequeños ensayos, cada uno de ellos unos 30, 40, algunos 50 páginas -el más largo de todos es el que consagro a John Cage-, lo que quería era dar como una especie de recorrido, trazar un recorrido posible, proponer al lector un recorrido posible a través de cuatro siglos de música occidental.
Fue para mí penoso tener que hacer este recorte, porque a mí, la música anterior a Monteverdi también me resulta enormemente fascinante. En realidad, posteriormente a este libro, estoy un poco fraguando la idea, el proyecto de ampliar un poco el ámbito temporal, y en lugar de ceñirme a cuatro siglos, abrirme a diez. O sea, desde el año 1000, que es cuando en realidad nace,. surge con la escritura, con la primera escritura musical, también en los conatos, de lo que al final termina cuajando en la polifonía contrapuntística.
Lo que específicamente podemos entender por música occidental, esa música que nace un poco, "con-nace" junto a los grandes movimientos artísticos, como es el románico, posteriormente el gótico, pero también, en cierta manera, espirituales, como es la reforma gregoriana etc, reforma cluniacense, que son, en cierta manera, los que van formando y dando sentido y dirección, destino, a la música de occidente. Hasta las aventuras con las que nos encontramos hoy, referidas un poco a la materialidad del sonido, a la sonoridad en su forma más estrictamente poética. O una cierta matemática del sonido, que también uno de los destinos de la música occidental, incluso griego.
Recuerden que la filosofía, en el fondo, nace o "con-nace" en el espíritu de la música, para decirlo en términos de Nietzche. La figura de Pitágoras está en los orígenes mismos de la filosofía. La filosofía nace en Grecia, en el mundo jónico y, discípulo pues de los primeros grandes filósofos Tales de Mileto, Anaxímenes, Anaximandro. Es el legendario Pitágoras, que es el primero que de alguna manera alumbra la intuición genial, extraordinaria de que el número es principio de todas las cosas. Pero, fíjense ustedes, Pitágoras descubre esta idea, esta extraordinaria idea y la experimenta, no en el ámbito al que luego lo aplica que es el campo de la aritmética, de la geometría o de la astronomía; no. Es en el campo musical, es en el ámbito de la música y, a través precisamente de un experimento, a partir de la diferencia de sonoridad que le provocan los golpes de un herrero en su taller. Por lo cual, él hace un, precisamente, digamos, experimento científico y, a partir del cual, empieza a introducir un enorme dentro de las proporciones armónica y entiende un poco los primeros, llamémosles armónicos naturales de la música, las consonancias de la octava, quinta, la cuarta etc, que es lo que un poco nutre sus grandes ideas, que luego extrapola al campo de las matemáticas, de la aritmética y de la geometría y, finalmente, de la astronomía.

destella poeta

2008-08-29T22:32:00.001-10:00

flash

Le Chant des Sirènes. Mi

2008-08-29T05:33:00.000-10:00

Precisamente, por esta razón, por este campo donde, digamos, la música se encuentra con los más genuino de la filosofía y de las formas del pensamiento, esta idea de que el principio es el número, pero el número sensible, el número que llega a la audición, no el número abstracto -eso será después, eso será una extrapolación-, es el número que sensibiliza en la audición, en la escucha, es el número aquel que, de alguna manera, nos surge ciertas proporciones que luego el propio Pitágoras sugiere y Platón desarrolla en algunos textos memorables, como es en el Timeo, como es en el Filebo, etc. que son los que tienen que ver con la estructura con la que está compuesta y construida nuestra propia alma.
Nuestra alma es musical, alma y música, como ya intuía esa gran filósofa que fue María Zambrano, alma y música tienen una especie de connivencia extraordinaria. La música es música del alma porque el alma está musicalmente construida. Y el alma no es sólo alma de nosotros mismos, de cada uno de nosotros, es el alma del mundo. El mundo mismo tiene una composición en lo que hay en el de orden, en el mundo hay orden. Mundo, por cierto, es una palabra que tiene resonancia, etimológicamente pitagórica, la palabra cosmos, invención pitagórica, como también es invención pitagórica la palabra filosofía. O sea, en cierta manera, la filosofía podríamos decir nace en el espíritu de a música y la música en cierta manera es reflexionada, es teorizada, esto en los orígenes mismos de la constitución de la filosofía.
El gran mérito de Platón, y esa es la razón por la cual mi ensayo, mi libro, un libro amplio de 1.000 páginas donde voy trazando un poco el perfil de 23 propuestas musicales, desde Monteverdi hasta Xenakis, desde Juan Sebastian Bach hasta Karlheinz Stockhausen, termina y concluye en una parte final, unas 150 páginas últimas, en donde desarrollo un amplio ensayo, consagrado a Platón. En cierta manera, Platón es el filósofo que mejor ha tomado la medida y el pulso de este sentido de la música, que tiene que ver con esta inteligencia, con las formas de pensamiento y también con nuestras exigencias de conocimiento. Conocimiento de nosotros mismos y conocimiento del mundo.
Aquí está un poco enunciada ya, de alguna manera, la tesis fundamental que recorre este texto mío, El canto de las sirenas , que la música es una forma de conocimiento. La música no es sólo placer, no es sólo suscitación de emociones, no tiene que ver únicamente con los afectos, por supuesto. Por supuesto que toda gran música, toda verdadera música -y aquí diría: también la que no es verdadera, la que menos auténtica, la que es monedero falso o la que es directamente- toda música pretende suscitar placer, provocar placer, remover nuestros afectos, promover una especie como de transformación en nuestras emociones y en nuestras pasiones.
La música tiene este poder. Precisamente, en el ensayo que consagro a Monteverdi muestro de distinto modo, y a través de una analítica referida a la opera de Monteverdi, cómo la música exhibe su poder precisamente en esta capacidad que tiene de conmover. De conmover, por ejemplo, en el tercer acto de la ópera, la fábula y música de Monteverdi, la capacidad que tiene de transformar un poco los sentimientos incluso un escenario hostil como es el escenario del hades, del infierno, donde precisamente es el origen, la raíz de la tragedia que delata la historia de Orfeo según la documenta Virgilio y Ovidio que son las principales fuentes clásicas de Orfeo. Prueba el poder de la música, el poder de la lira que de alguna manera suscita el cántico, precisamente al conmover a Proserpina, a Plutón, que son los representantes de las instancias infernales.

Radiohead en VIVO hoy!

2008-08-28T18:10:00.000-10:00

Colin Greenwood anuncio en la pagina de la banda (instrucciones y plug-ins incluidos) que hoy transmitirán en vivo su ultimo show del tour en USA desde Santa Bárbara, California, señalando además que este es uno de sus lugares preferidos para tocar por la intimidad que ofrece el lugar...

2930

2008-08-28T16:50:00.000-10:00

29
este viernes 29 de agosto en la viola (rca francesa y mcal. lópez) a las 21 hs. los chicos de garage 21 estarán repasando los temas de su disco debut “y ahora que vas a hacer?” (2007), aprovechando la oportunidad para lanzar un nuevo corte para todas las radios, titulado “antonia”.

las entradas costarán 10.000 gs

y también contarán con la presencia del grupo día d y siamoniente

garage 21

panchi galarce - bajo / voz

rodrigo arzamendia - guitarra/ voz

rafa battaglia - bateria

www.myspace.com/garage21music

www.fotolog.com/garage21

http://www.garageveintiuno.com/

dia d

ale frontanilla - voz/guitarras

fer canese - guitarras/ voz

guido carvallo - bajo/voz

anki floretin - bateria/loops

http://www.orkut.com/profile.aspx?uid=14519677522787793646
http://www.purevolume.com/grupodiad

siamoniente

oscar ayala - voz/guitarra

sebastián lisboa - guitarra/voz

ricky orrego - bateria/voz

germán gómez - bajo

http://www.orkut.com/Community.aspx?cmm=24891057

black manzana
http://www.orkut.com/community.aspx?cmm=61417945

Black Ice

2008-08-28T04:15:00.000-10:00

Luego de 8 años de ausencia, el primer single “Rock n’ Roll Train” del próximo material de AC/DC Black Ice se estrena hoy en todas las radios americanas, demostrando que el sonido característico de la banda sigue vigente luego de 35 años. La nueva entrega de los veteranos australianos que saldrá a la venta el 20 de octubre, fue grabada en tan solo 8 semanas en Vancouver, Canadá y producido por Brendan O’Brien.

Track list:
1. “Rock ‘N Roll Train”
2. Skies On Fire”
3. “Big Jack”4.”Anything Goes”5. “War Machine”6. “Smash ‘N Grab”7. “Spoilin’ For a Fight”
8. “Wheels”
9. “Decibel”
10. “Stormy May Day”
11. “She Likes Rock ‘N Roll”
12. “Money Made”
13. “Rock N Roll Dream”
14. “Rocking All the Way”
15. “Black Ice”

Le Chant des Sirènes. Fa

2008-08-28T03:18:00.000-10:00

La música tiene ese poder, ejerce ese poder en el cielo y en la tierra. En el cielo en tanto que remueve un poco las armonías, las armonías que están presentes en las esferas, según su construcción a partir de la teoría pitagórica, que Platón incorpora, y que tiene también sus raíces en la tradición órfica. Las primeras religiones, que en cierta manera tratan de hallar una especie de unión, de mediación entre el mundo divino y el mundo humano, entre los seres humanos, seres dobles, seres ambiguos, seres mortales e inmortales a la vez, y el mundo de lo divino en cierta manera que fue marcado en su enorme distancia y separación respecto a los seres mortales o a los humanos.
Bien, con esto, lo que estoy explicando es que inicialmente intenté escribir un libro que se llamara Pensar la música , pero a medida que fui recorriéndolo, a medida que fui acercándome a la música de una manera concreta -y eso respecto a mi propia manera de acercarme a la música significa como les he dicho aproximarme a los principales compositores occidentales-, me di cuenta de algo extraordinario, que me hizo modificar sustancialmente el proyecto y el programa que tenía previsto respecto a este libro. Y es que yo no tenía que pensar la música, yo tenía que escucharla, porque la música piensa. Por decirlo de alguna manera el pensamiento está en la propia música. Es la música la que en sus medios, con sus formas, con su personal metodología desarrolla formas de pensamiento. No son formas de pensamiento distintas que las que elaboramos nosotros a través del lenguaje. Precisamente una de las características de la música es que tiene una autonomía propia, específica respecto a las formas lingüísticas. Es verdad, que la música impregna también nuestras formas linguísticas, es verdad que en la conjunción de música y lenguaje se produce el cántico, se produce la canción, se produce también la dramatización de esa canción. Por ejemplo, esa gran invención occidental, que justamente ocurre y se operan en tiempos de Monteverdi, pues el propio Monteverdi es el que la desencadena desde la opera, esa conjunción llamémosle de dramatización de la voz, a través precisamente de esa intensificación que la música piensa.
Es la propia música la que, de alguna manera, desarrolla formas de pensamiento, pero, a través de ese cauce sonoro, esa materialidad sonora que nos es familiar, que nos acompaña en torno a nuestra existencia. Yo digo siempre que la música, lo mismo que otras cosas, que pueden ser extraordinarias y también terribles, como es la religión, acompaña a la aventura humana desde su origen. Uno no puede imaginar comunidad humana, comunidad lo más arcaica en donde el homus simbólico, el sapiens sapiens esté presente, que no tenga esta inscripción, esta forma, esa forma de cultura, esta primera forma de cultura que es la música.
La música acompaña al hombre desde su origen. Me atrevería a decir, incluso, que acompaña al hombre antes de que exista, antes de su origen. Todos los aquí presentes hemos vivido ya dos vidas. Está por ver si puede haber también o podemos extrapolar esta doble existencia a una tercera. Ahí encontramos un terreno de debate y discusión, por cierto, enormemente fecundo. Aquí es donde se aloja una de las raíces, a mi modo de ver importante, de lo que pudiéramos entender como exigencia, iluminación, gnosis de tipo religioso. Hemos vivido dos vidas. Una, la que reconocemos como tal, desde que hemos nacido, desde nuestra propia existencia, existencia, existir significa ser fuera de las causas, haber sido arrojado; existencia siempre tiene un cierto carácter de expulsión; hemos sido expulsados de un cierto edén matricial y que documenta sobre una vida anterior de la que guardamos poca memoria consciente, pero de la que, en cierta manera, nos nutrimos en toda nuestra carnalidad, incluso yo diría en la memoria inconsciente.
La música evoca esa segunda memoria, esa memoria inconsciente; y por esto no fue ajeno a ello que Platón, cuando habla de reminiscencia, cuando habla de remontar a una vida preexistente, se acordó siempre de la música. La filosofía tenía que estar acompaña con la música. Esa vida anterior a la vida en que reconocemos como aquella en la cual descubrimos el mundo en nuestra propia existencia, es la vida anterior que hemos vivido en la matriz, en el orden matricial, en ese mundo intrauterino que desde las investigaciones embriológicas más refinadas y más recientes se considera como un ámbito privilegiado para entender el origen enormemente arcaico y ancestral. Una especie de fenómeno originario del sentido en donde surge la música.

Dear Science,

2008-08-27T06:36:00.000-10:00

Luego de dos años del sorprendente Return to the Cookie Mountain (2006), los vanguardistas sónicos de Brooklyn, NY, TV on the Radio están de vuelta con nuevo álbum: Dear Sciencie, (coma incluida), a ser lanzada el 23 de setiembre en EEUU y un día antes en el resto del mundo. A finales de julio tuvimos la oportunidad de probar el primer sorbo funky del disco: Golden Age, el cual nos dejo satisfechos y expectantes. Hoy, los medios especializados están exponiendo al mundo el segundo adelanto de la placa: Dancing Choose. Parece ser que como nunca, la banda apadrinada por David Bowie, incorpora en esta nueva entrega arreglos majestuosos y orquestales.

Track list:
01 "Halfway Home"
02 "Crying"
03 “Dancing Choose”
04 "Stork & Owl"
05 “ Golden Age”
06 "Family Tree"
07 "Red Dress"
08 "Love Dog"
09 "Shout Me Out"
10 "DLZ"
11 "Lover's Day"

Le Chant des Sirènes. Sol

2008-08-27T03:06:00.000-10:00

La música es de todas las percepciones que tenemos, posiblemente una de las primarias. Se produce muy tempranamente en la constitución del embrión. Es algo muy primero y primigenio, muy anterior a la infusión de la luz, a la aparición, pues, del ámbito de lo imaginario. Por supuesto, años luz del surgimiento de la palabra. La música ya tiene un poco sus primeras raíces, ya diríamos sus raíces seminales, sus semillas primeras en esa vida intrauterina y en los primeros meses de gestación del embrión, que es donde en cierta manera se reconoce, se suele reconocer como el ámbito en el cual y por primera vez se produce una especie de discernimiento originario. Una especie como de discriminación primera perceptiva entre aquello que se retiene y aquello que se rechaza. Un poco, diríamos como la raíz originaria primera de la distinción entre el bien y el mal, que en música sería entre lo consonante y lo disonante o entre lo que de alguna suena en forma de armonía o produce un efecto de cacofonía entre lo eufónico y lo cacofónico.
Es muy temprano y de una manera muy temprana donde la embriología nos muestra o nos señala, o lo podríamos llamar una cierta ginecología filosóficamente iluminada, que es ahí donde descubrimos un primer discernimiento, una especie como de protojuicio, de primer distinción; discernimiento inicial originario entre lo que suena acorde con nuestras necesidades y goce y felicidad, y se rechaza como algo doloroso, como algo separado, -quizás decía Rilke que en uno de sus estupendos poemas Elegías Duino- que más misterioso todavía que el dolor es el origen del placer y el origen del gozo. Quizás teníamos que remontarnos a este escenario primigenio. Algunos analistas de este origen de la música hablan en términos poéticos pero que a mí me resultan enormemente estimulantes, de la mujer embarazada como una especie de instrumento musical; como si fuera un violoncello, como voz de soprano, normalmente con voz, digamos, tendencialmente soprano, que en cierta manera transmite a través de una forma anterior a la transmisión aérea, que es a través de la cual el sonido discurre para nosotros los existentes, los que de alguna manera hemos salido del útero, los que estamos en la vida y en la existencia o en este mundo. Entonces la transmisión no es vía aérea sino vía acuática. Es como si tuviéramos que retroceder en música también igual que en filosofía hacia un origen que no está tanto en el aire como diría Anaxímenes, sino en el agua como en Tales de Mileto. Es decir, es a través del líquido amniótico como esa transmisión se produce y como en cierta manera el organismo naciente, en su primera percepción, descubre o discrimina esos sonidos, podríamos decir esos compases del violoncello de la madre erguida, su propia columna vertebral, su propio cuerpo erguido, precisamente por el embarazo. Es lo que en cierta manera facilita que esa transmisión perceptible por el organismo en ciernes.
Repito que el mundo musical es muy misterioso y el canto de las sirenas tiene que ver posiblemente, el canto de las sirenas con ese origen tan misterioso. El canto de las sirenas es un gran tema mitológico. Lo he puesto como título de esta conferencia, lo he puesto también como título de mi libro -lo he puesto en cierta manera como título de la conferencia evocando el libro-, en parte porque ese libro, como todo libro, es casi como una especie de testamento, es la cristalización, testamento de siete años. He trabajado siete años en ese libro. Ahora estoy un poco pensando, más bien, en otras aventuras, aunque en la misma dirección y en la misma línea.
El canto de las sirenas es un tema muy interesante, que en cierta manera nos evoca y nos retrotrae estos escenarios ancestrales y arcaicos. La música, cuando es más extraordinaria, cuando tiene más fuerza persuasiva, cuando asume mayor compromiso con la modernidad, siempre ocurre, y esto a mí me pasa en otras artes, que retrocede a la ciudad a lo más arcaico. Casi el manifiesto mayor de música que encontramos al principio del siglo XX, que es La consagración de la primavera, de Stravinski -ese gran ballet que produjo un enorme consternación y escándalo en los escenarios parisinos-, en cierta manera es un retrotraerse, como el mismo subtítulo de la obra indica, a escenarios de la Rusia pagana, un escenario casi de Edad de Piedra, lo mismo que Bartók, que en una obra breve en piano magnífica. que se llama Allegro Bárbaro, su misma indicación nos señala que, en cierta manera, es retrocediendo a escenarios muy arcaicos cómo avanzamos a la modernidad.
Pues bien, también podemos decir hoy, en un horizonte más iluminado por las doctrinas de la ciencia que la ciencia tiene que ser siempre un aliado de la filosofía y no un elemento hostil y, por supuesto, no es de la música. La ciencia, sobre todo la ciencia que desarrolla este interés preferente por el ámbito embriológico, por el ámbito de la ginecología, nos descubre ese descubrimiento del cuerpo femenino, del cuerpo de la mujer embarazada; donde allí, quizás, encontramos el origen, la raíz del fundamento del discernimiento, del juicio musical, del juicio de gusto musical, la distinción entre lo eufórico y lo cacofónico.

My Apocalypsis

2008-08-26T15:25:00.000-10:00

Metallica revelo hoy en su web page nuevo track de futuro disco. Precisamente, el tema en cuestión, My Apocalypse, es el que contiene la frase que da nombre al album: Death Magnetic. El disco, producido por Rick Rubin, saldrá a la venta el 12 de Setiembre. La banda también adelanto que ira develando mas temas antes de la fecha de lanzamiento.

Track list:
"That Was Just Your Life"
"The End Of The Line"
"Broken, Beat & Scarred"
"The Day That Never Comes"
"All Nightmare Long"
"Cyanide"
"The Unforgiven III"
"The Judas Kiss"
"Suicide & Redemption"
"My Apocalypse"

El Futuro de la Música. Credo

2008-08-26T05:09:00.000-10:00

por John Cage (Corresponsal silencioso)

Este manifiesto fue presentado públicamente en la ciudad de Seattle por Cage a modo de lectura en 1937. En 1958 el texto fue revisado para su primera edición impresa.

Yo creo en el uso del ruido, donde quiera que estemos, lo que escuchamos es, en su mayor parte, ruido. Cuando lo ignoramos, nos perturba. Cuando lo escuchamos, lo encontramos fascinante. El sonido de un camión a 50 millas por hora. Estática entre las emisoras de radio. La lluvia. Queremos capturar y controlar esos sonidos, para usarlos no como efectos de sonidos, sino como instrumentos musicales. Todo estudio cinematográfico tiene una librería de efectos de sonido’ grabados en celuloide. Con un fonógrafo de celuloide ahora es posible controlar la amplitud y la frecuencia de cada uno de estos sonidos y de darles ritmos dentro o fuera del alcance de la imaginación. Provistos de cuatro fonógrafos de celuloide, podemos componer y ejecutar un cuarteto para motor a explosión, viento, latidos de corazón y avalanchas. Para hacer música Si esta palabra, música, es sacralizada y reservada para los instrumentos de los siglos XVII y XIX, podemos substituirla por un termino mas significativo: Organización de Sonido. Va a continuar e incrementarse hasta que lleguemos a una música producida a través de la ayuda de instrumentos eléctricos.
La mayoría de los inventores de instrumentos musicales eléctricos intentaron imitar a los instrumentos de los siglos XVIII y XIX, de la misma manera que los diseñadores de automóviles emularon los carruajes. El Novachord y el Solovox son ejemplos de este deseo de imitar el pasado en vez de construir el futuro. Cuando Theremin construyo un instrumento con nuevas posibilidades, los Thereministas se esforzaron por hacerlo sonar como un instrumento viejo, dándole un vibrato empalagosamente enfermizo y ejecutando, con dificultad, obras maestras del pasado. Aunque el instrumento es capaz de generar una amplia variedad de cualidades sonoras, obtenidas por el mero movimiento del dial, los Thereministas actúan como censores, dándole al público el sonido que ellos piensan que les va a gustar. Estamos resguardados de las nuevas experiencias sonoras posibles. La propiedad particular de los instrumentos eléctricos de permitir un control completo de la estructura de sobretonos y permitir producir estas estructuras en cualquier frecuencia, amplitud y duración. Que haría disponibles, para propósitos musicales, todos los sonidos que pueden ser escuchados. Los métodos fotoeléctricos, magnéticos y mecánicos para la producción sintética de música.
Ahora es posible que los compositores ejecuten su música directamente, sin la asistencia de intérpretes intermediarios. Cualquier diseño repetido en una frecuencia adecuada en una pista sonora es audible. 280 revoluciones por segundo en una pista sonora produciría un sonido, mientras que un momento de Beethoven repetido 50 veces por segundo produciría no solamente un tono diferente, sino otra cualidad sonora. Mientras que en el pasado el punto de desacuerdo fue entre disonancia y consonancia, será en el futuro inmediato, entre el ruido y los así llamados sonidos musicales. Los actuales métodos para escribir música, principalmente aquellos que emplean y se referencian a escalones particulares en el campo del sonido, serian inadecuados para el compositor que se enfrentaría la totalidad del campo sonoro. El compositor (Organizador de Sonido) no solo se enfrentaría la totalidad del campo sonoro sino a la totalidad del campo temporal. La fracción de segundo (frame), siguiendo técnicas cinematográficas establecidas, será probablemente la unidad básica en la medición del tiempo. Ningún ritmo estará mas allá del alcance del compositor. Nuevos métodos serán descubiertos, orientándose hacia una relación categórica con el sistema de dodecafónico de Schoenberg. El método de Schoenberg asigna a cada material, en un grupo de materiales equivalentes, su función con respecto al grupo.(La Armonía, asignaba a cada material, en un grupo de materiales no-equivalentes, su función con respecto al material fundamental o más importante del grupo). El método de Schoenberg es análogo a la sociedad moderna, donde el énfasis está puesto en el grupo y en la integración del individuo al grupo. Y los métodos actuales de escritura de música para percusión La música para percusión es una transición contemporánea desde la música influenciada por el teclado hacia la música de la totalidad sonora del futuro. Cualquier sonido es aceptable para el compositor de música para percusión; el explora el académicamente prohibido campo ‘no musical’ del sonido hasta dónde es manualmente posible. Los métodos de escritura de música para percusión tienen como meta la estructura rítmica de la composición. Tan pronto como estos métodos sean cristalizados en uno o varios métodos ampliamente utilizados, existirá la posibilidad de que existan improvisaciones grupales de música no escrita pero culturalmente significativa. Esto ya ha tenido lugar en las culturas orientales y en el hot-jazz. Y cualquier otro método que este libre del concepto de tono fundamental.
El principio de la forma será nuestra única conexión constante con el pasado. Aunque la gran forma del futuro no será como lo fue en el pasado, en un momento la fuga y en otro la sonata, estará relacionada a estas como estas lo están entre si. Antes de que esto pase, centros de música experimental deben ser establecidos. En estos centros, los nuevos materiales, osciladores, generadores, medios para amplificar pequeños sonidos y fonógrafos de celuloide estarán disponibles para el uso. Los compositores usarán medios del siglo XX para componer música. Y ejecutarán los resultados. La Organización de Sonido será empleada con fines musicales y extra-musicales (teatro, danza, cine). A través del principio de la organización, es decir, la habitual habilidad del ser humano para pensar.

Le Chant des Sirènes. La

2008-08-26T04:17:00.001-10:00

Lo que, de alguna manera, terminará cristalizando, precisamente, la tradición pitagórica, como después las ciencias de la armonía. Pues desde Rameau hasta Sember o desde el Gradus ad Paranassum de Muzio Clementi, hasta las últimas teorizaciones sobre los principios armónicos en el siglo XX, o el cuestionamiento de la armonía. También en el siglo XX nos encontramos que este ámbito musical está en cierta manera, ilustrado e iluminado por este primer discernimiento entre lo consonante y lo disonante, entre lo eufónico y lo cacofónico. Aun teniendo conciencia de que uno de los grandes méritos de la música del siglo XX ha sido romper el dique rígido, a veces extraordinariamente dogmático, entre lo que podemos llamar aceptable como sonido y rechazable como ruido, uno de los grandes méritos de ese enorme gran compositor y al mismo tiempo teórico de la música, una especie de Sócrates musical del siglo XX que es John Cage. El norteamericano John Cage, en su labor a través de la segunda postguerra, en los años 50 especialmente y 60, fue romper precisamente este dique. O sea, hay que aceptar y acoger los sonidos en su materialidad porque es esa materia la que, de alguna manera, nos puede dar lugar a una intervención poética, a una poética del sonido, que dimane precisamente de un acercamiento a él.
Bien, con todo esto, lo que les estoy sugiriendo y diciendo -y este es un tema sobre el cual y a partir del cual estoy hilvanando la conferencia- es que no se trate de acercarse a la música para pensarla desde fuera. Ese es el tipo de aproximación habitual que suele hacerse desde la filosofía a la música: es pensarla siempre como algo externo a la propia filosofía. Incluso un gran teórico de la música, músico él mismo, y que para mí es el único, una gran excepción, en un siglo muy sordo respecto a la música como es el siglo XX, en relación a la filosofía, que es el caso de Adorno. Sin embargo, su percepción en cierta manera también es externa. Es un poco la música considerada desde una teoría crítica iluminada e ilustrada por el marxismo, por un marxismo también repensado y reconducido por lo que llama él la dialéctica negativa. Pero un poco la música tenida como objeto. Por tanto, hay que pensarla, por qué la música no se piensa así misma.
Aquí me enfrento a los grandes filósofos de mi tradición. Kant pensaba que la música solamente da placer. También es verdad que Kant, cuando hacía una jerarquía de las artes, ponía a la música en el estadio más bajo. Hay quien maliciosamente dice que la razón era muy mayor. A Kant no le temblaba el pulso ni la mente, pero a veces tenía manías Y parece ser que tenía unos vecinos que tocaban un cuarteto y que en esa época no había, por así decirlo, paredes maestras que preservarán los sonidos. Y estaba extraordinariamente irritado con estos jóvenes músicos que no le dejaban pensar. El caso es que sitúa la música en el estadio más bajo de toda la jerarquía de las artes, junto a la jardinería, con todos mis respectos para ella, y junto a la ornamentación, concretamente al arabesco. Pone al mismo nivel música, arabesco y jardinería. Es una percepción y una mentalidad que, quizás, puede ser bastante común dentro del mundo de la Ilustración , al cual el propio Kant pertenece. Es verdad que en la propia estética de Kant hay muchos elementos que estarían como en contradicción de esta percepción tan negativa respecto a la música.
Llegamos al romanticismo que, por el contrario, exalta la música, pero por esa vía que para el romanticismo es fundamental: la música como expresión del sentimiento, como expresión de las emociones. El propio Hegel, en una aproximación muy interesante en sus Lecciones de estética sitúa la música en un rango muy elevado, incluso por encima de la pintura, por encima de la arquitectura, en general de las artes plásticas. Pero sólo en la medida, precisamente, en que la música remueve la subjetividad a través de afectos y sentimientos, como decía Schleiermacher. Es un poco la expresión misma del sentimiento, la expresión de una forma a través de las cuales el propio Nietzsche decía que la música era una especie de semiología sistema de signos, relacionado precisamente con los afectos, con los afectos y los sentimientos.

Cuarto

2008-08-25T13:48:00.000-10:00

Luego de Urban Hymns (1997), tuvimos q esperar 11 años a Richard Ashcroft y compañía, y finalmente, hoy en Inglaterra, sale a la venta el cuarto disco de la aclamada banda inglesa The Verve. El nombre del álbum que coloca a la banda de vuelta en la escena, es precisamente Forth, nombre que también podría hacer referencia a los ahora cuatro integrantes de la banda. El primer corte de difusión del disco es Love is Noise. Entra y desparrama tus oídos en este cuarto!

Track list de Forth:

"Sit and Wonder"
"Love Is Noise"
"Rather Be"
"Judas"
"Numbness"
"I See Houses"
"Noise Epic"
"Valium Skies"
"Columbo"
"Appalachian Springs"

Le Chant des Sirènes. Si

2008-08-25T04:31:00.000-10:00

Bien, yo creo que es una visión como muy estrecha de lo que la música es. Yo creo que, cuando los verdaderos analistas de la música se acercan a las grandes composiciones de los creadores musicales, de Beethoven, de Bach, o de Monteverdi, hablan siempre de ideas musicales, de pensamiento musical, ideas y formas. El tema de Shönberg es precisamente cómo se articula la idea musical con la forma que le corresponde y el estilo que de esta manera se genera. Yo creo que la música piensa; es ella la que piensa, porque no es sólo sentimiento y no sólo placer; hay allí también, precisamente, todo lo que desencadena mi proyecto, mi libro.
Este libro que acabo de publicar es precisamente poner a prueba, mostrar con 23 experimentos, tantos como compositores elegidos, cómo la música piensa de distinto modo. Este libro es una especie de historia de las ideas en clave musical, pero a partir de la música, no de una manera externa a ella. No se trata, por tanto, que también es interesante y en algún momento lo hago en mi libro, no se trata tanto sólo y únicamente de mostrar, pues, que hay conexión, por ejemplo, entre el pensamiento de Juan Sebastián Bach, la manera cómo construye sus fugas, su idea precisamente pues de lo que es una fuga y el desarrollo de una fuga, el gran pensamiento musical de Juan Sebastián Bach, con la teoría leibniziana de las mónadas, con la monadología de Leibniz. O encontrar nexos, conexiones, que evidentemente las hay, entre las formas de la filosofía de contradicción y del sistema de oposición y de contrarios de la filosofía hegeliana, de su Lógica , o antes de su Fenomenología del espíritu y la gran reforma de la forma sonata en manos de Beethoven.
Insistiendo y subrayando, sobre todo, que una composición musical, una forma sonata, sería una sonata de piano, o de violín y piano o una sonata como forma, pero que imprime el carácter a una sinfonía o a un cuarteto. Sin embargo, se desarrolla como tal, precisamente, a través de la contradicción, de la oposición temática de un tema, primero extraordinariamente impositivo, viril, normalmente en tono mayor y de un segundo en cambio lírico, en un tono posiblemente menor. O, en todo caso, a partir de una especie como de contrapunto del primero que da lugar precisamente a todo ese argumento, ese nudo, nudo propio de la forma sonata, que es el desarrollo, o sea, un poco el modo como precisamente se elabora, se trabaja este material inicial.
Mi intención es mostrar a través de 23 ejemplos cómo la música se piensa a sí misma. Es una pena que en música, a veces en el campo filosófico, uno descubre perlas maravillosas, pero son siempre pequeños aforismos, que luego no están desarrollos. Leibniz decía, para definir la música que, precisamente, la música es una mente inconsciente que calcula. En la música hay cálculo; lo sabemos desde la tradición pitagórica. Toda persona que se dedica a la música sabe hasta qué punto el elemento del cálculo es tan importante en música como puede serlo en el campo de la aritmética o en el campo de la geometría, en las matemáticas. El cálculo es necesario y, además, un cálculo material, un cálculo que tiene que ver con la utilización de los distintos parámetros musicales, para el adiestramiento en el campo de la maestría que se adquiere, en el manejo del instrumento. Sea este instrumento la propia voz, o sea un instrumento material construido como, digamos, en paralelo con esa voz.
Bien, "una mente inconsciente que calcula" me parece una definición extraordinaria. "Inconsciente", evidentemente, porque la música no tiene por qué tener una conciencia, no tiene que hacer una reflexión, desarrolla ideas musicales. Digo en mi libro que Wagner, por ejemplo, piensa a través de su composición no sólo: él era también autor de los libretos. Pero eso es un poco lo que nos da la medida de su propio pensamiento musical y no en cambio sus teorías -algunas interesantes, otras anecdóticas, otras pintorescas-, como encontramos en sus múltiples escritos teóricos. No es eso lo más interesante. Eso es lo que podemos decir, pues, de casi todos los compositores. Hay muchos de ellos -pues el caso de Beethoven, el caso de Mozart, el caso de Haydn- donde el elemento reflexivo es escaso: una nota aquí, otra por allá, una referencia a Kant en caso de Beethoven. Pero eso no es lo importante.

Le Chant des Sirènes. Do

2008-08-24T05:42:00.000-10:00

Lo importante es la propia música: sobre todo, saberla oír y saberla escuchar impregnándonos del placer que nos transmite, de la afectividad que nos remueve y de las ideas que nos suscite, que nos sugiere las ideas no son sólo ideas de la razón, en sentido estrictamente filosófico. La filosofía, evidentemente, tiene por función elaborar esas ideas, construirlas, darles un cauce a través del lenguaje, a través de la expresión, a través de la escritura. La música lo puede hacer con un medio, que a todos los que de alguna manera nos dedicamos al uso de la palabra -como es mi caso, evidentemente-, pues nos produce una enorme fascinación. Nos produce una enorme fascinación precisamente por ese carácter, como si dijéramos, de discurrir de la idea y de la inteligencia que provoca conocimiento. Conocimiento de nosotros mismos, conocimiento del mundo y, sin necesidad precisamente del concurso de la palabra. Esto, en cierta manera, podríamos decir que es una deficiencia; en cierta manera también es una enorme ventaja. Hay un pleito que se arrastra desde muy antiguo, ¿"prima la música, poi la parole", o "prima la parole, poi la musica"? Es un tema de una de debate.
Un gran tema recogido por ese gran músico testamentario del siglo XX -yo le destaco mucho, le valoro muchísimo- que es Richard Strauss. Me refiero, sobre todo, a su gran opera última Capriccio, en donde el gran tema es escenificar qué es primero, si la palabra o la música, el tono musical, o sea, la palabra y la música determinada, la música ya especificada por la armonía, o la palabra poética, poesía o música. Música o poesía: qué es lo primero. Lo escenifica de una manera estupenda Richard Strauss en una comedia deliciosa. Pero, en realidad, es un ensayo musical, es un ensayo. Él mismo lo quería llamar así, al principio, en forma de una ilustración musical. pero está tan bien trabada la unión de texto y música que, al final, lo que genera es una estupenda comedia. Es la pretensión de un poeta y de un músico en relación a una bella duquesa, viuda, condesa, ahora no me acuerdo..., Madeleine se llama, que en cierta manera está totalmente indecisa en cuanto a decantarse hacia el poeta o hacia el músico.
¿Qué es mejor, la palabra o la música? ¿Qué es mejor, la poesía o la música? El experimento se realiza mediante un poema, un bello poema que compone el poeta, en realidad, es un poema, hermosísimo soneto, que, recitado, realmente tiene toda su maestría y su arte. Es una pieza completa en la recitación, pero el compositor también descubre que si se le pone música, surge otra cosa, se transforma, es como cuando escuchamos una canción, cuando escuchamos recitada un estupendo poema de Goethe y luego escuchamos al mismo poeta Goethe, pero, digamos, con la forma musical que le puede dar Schubert, o alguno de los grandes compositores que se han ocupado de las piezas de Goethe. La mujer Madeleine se encuentra completamente dividida en su corazón entre estos dos amores. En realidad, ama a los dos. No desearía prescindir de ninguno, porque si prescinde de uno de ellos, pues, realmente se encuentra en la misma tesitura de frustración y renuncia que si prescinde del otro. Y, al final de la obra, que en realidad es una especie de gran ensayo respecto a esa decisión, se posterga esta gran decisión para el día siguiente. La opera termina con Madeleine yéndose sola a cenar y postergando o dejando para el día siguiente a las once de la mañana en donde decidirá si decanta su corazón hacia el poeta o hacia el músico. Ella misma, en el curso de la opera, no da ninguna indicación de qué es lo que prefiere.
Yo diría que algo parecido se me ocurre decir, que algo parecido diría en la relación entre música y filosofía: ¿"prima la música, por la filosofía" o "prima la filosofía, por la música"? Yo creo que es una relación, que ha sido a veces una relación de desencuentro que ha dado lugar a muchos olvidos. Yo destaco y señalo con gran escándalo y consternación cómo el siglo XX ha sido poco perceptivo con la música, salvo el caso extraordinario de Adorno y algunos pocos más. En España, por ejemplo, pues, es penoso el descuido que este tema de la relación filosofía y música ha tenido. Se ha producido muy poca filosofía de la música. Un estudio concretamente, pues, de García Bacca de filosofía de la música. Yo reconozco que no lo entiendo mucho y que, por tanto, es por esta razón por la cual tampoco me refiero a el, pero ni Ortega y Gasset ni Zubiri -un poquito más María Zambrano-, no han tenido una atención preferente, temática sobre la música. Lo mismo podíamos decir de Heidegger, que es el filósofo de la voz, el filósofo del silencio, el filósofo que constantemente está refiriéndose a la escucha, la música no le dice nada. Eternidad que tiene bueno, es un libro originario la voz y el fenómeno que habla continuamente, constantemente pues del fonocentrismo, de la fonología como elemento en el cual se constituye el sentido y, en cambio la música no aparece en su teoría.
Bien, yo es un poco en esta intención, con la que yo también en ese libro que acabo de publicar y a los próximos que intento, espero y deseo seguir realizando, los próximos proyectos. Se encomienda una especie como de corrección a este sentido. Corrección un poco a esta dirección, de manera que el encuentro de filosofía y música sea mucho más armónico, o tenga mucho más que ver con los orígenes mismos de la filosofía en la época de la tradición pitagórica o de Platón, donde música y filosofía formaban un extraordinario consorcio.

Sex is Violent!!!

2008-08-23T16:16:00.000-10:00

La revolución sonora noventosa se originaría, entre tantos puntos, desde las trincheras de una banda de Los Ángeles que abriría nuevas fronteras musicales con su primer disco de estudio. El titulo proviene de una frase de una de las canciones encontradas en la placa - Ted Just Admit It. Listada por la Rolling Stones entre los 500 mejores discos de todos los tiempos, Nothing’s Shocking, lanzado precisamente un 23 de agosto, hace exactamente 20 años, cambiaria el curso de la música para siempre. La tapa, también votada entre las mejores de la historia, irónicamente se convierte en un monumental atrapa ojo (dos mellizas siameses, adultas y desnudas, conectadas por sus caderas y brazos, con sus cabezas en llamas en una especie de “rocking chair” lateral) estableciendo así, una singular estética en correspondencia auditiva con la música interna.

"Up The Beach" (Farrell) - 3:00
"Ocean Size" (Avery/Farrell/Navarro/Perkins) - 4:20
"Had A Dad" (Farrell) - 3:44
"Ted, Just Admit It..." (Farrell/Navarro/Perkins) - 7:23
"Standing In The Shower...Thinking" (Farrell) - 3:03
"Summertime Rolls" (Avery/Farrell/Navarro/Perkins) - 6:18
"Mountain Song" (Farrell) - 4:03
"Idiots Rule" (Farrell) - 3:00
"Jane Says" (Farrell) - 4:52
"Thank You Boys" (Farrell) - 1:01
"Pig's In Zen" (Farrell) - 4:30

desde Kito, aporto pa' utes, bajatel diskito!

CINE, CHAMANISMO Y ALQUIMIA

2008-08-23T12:27:00.000-10:00

(a F.V. en su cumple)

Por Jim Morrison (Corresponsal gráfico)

...Los films son una colección de imágenes muertas a la que se insemina artificialmente.
Los espectadores cinematográficos son vampiros tranquilos.
El cine es la más totalitaria de las artes. Toda energía y sensación es absorbida por la erección cerebral, la calavera abarrotada de sangre. Calígula deseaba que todos sus súbditos tuvieran un único cuello, para poder descabezar al reino con un sólo golpe. El cine es ese agente transformador. El cuerpo existe sólo para beneficio de los ojos; se convierte en un sostén seco, para sostener a esas dos suaves, insaciables joyas.
El cine confiere una suerte de espuria eternidad.
Cada film depende de todos los demás y te conduce a otros. El cine era una novedad, un juguete científico, hasta que se amasó un cuerpo suficiente de trabajos, suficiente para crear un mundo alterno e intermitente, una poderosa, infinita mitología en la que uno puede sumergirse a voluntad.
La atracción del cine reside en el miedo a la muerte.
El mayor cuerpo de films ha sido creado por el Oriente moderno. El cine es la nueva forma de tradición antigua -las sombras chinescas. Aun su teatro es una imitación de esa tradición. Nacido en la India o en China, el juego de las sombras estaba vinculado al rito religioso, a las celebraciones que se centraban sobre la cremación de los muertos.
Es incorrecto pensar, como algunos lo han hecho, que el cine pertenece a las mujeres. El cine fue creado por hombres para la consolación de los hombres.
Las sombras chinescas estaban reservadas, originalmente, para un público masculino. Los hombres podían observar el juego onírico de cualquier lado de lo pantalla. Cuando se admitió a las mujeres más tarde, se les permitió sólo observar a las sombras.
Fantasmagoría, linternas mágicas, espectáculos sin sustancia. Lograban completas experiencias sensoriales a través del ruido, el incienso, la luz, el agua. Llegará un tiempo en el que asistiremos a Teatros de Clima para recordar la sensación que derivaba de la lluvia.
El cine se ha desarrollado por dos vías.
Una es el espectáculo. Como la fantasmagoría, su objetivo es crear un mundo sensorial que pueda sustituir al mundo real.
El otro es el peep-show, que reclama para sí lo erótico y la observación despojada de la vida real, e imita al agujero de la cerradura o la ventana del voyeur sin necesitar de color, ruido, espectacularidad.
El cine tiene sus más profundas afinidades no con la pintura, la literatura o el teatro, sino con los pasa-tiempos populares -la historieta, el ajedrez, los mazos de cartas francesas o de Tarot, las revistas y los tatuajes.
El espectador es un animal moribundo.
...Ya no hay ¨bailarines¨ poseídos. La separación del hombre entre actor y espectador es el hecho central de nuestro tiempo. Estamos obsesionados con héroes que viven por nosotros, y a los que castigamos. Si todas las radios y televisiones fueran privados de sus fuentes de poder, todos los libros y pinturas quemados mañana, todos los shows y cines cerrados, todas las artes de la existencia delegadas en otros...
Nos conformamos con lo ¨dado¨ en la búsqueda de la sensación. Hemos sido transformados, de un cuerpo loco bailando en las colinas a un par de ojos que contempla en la oscuridad.
...A través de la ventriloquia, los gestos, el juego con objetos y todas las variaciones del cuerpo en el espacio, el shamán describía su ¨viaje¨ a una audiencia que, desde este modo, no compartía con él.
Durante el concilio tribal, el shamán era el líder. Un pánico sensual, deliberadamente provocado a través de drogas, cánticos, danza, llevaba al shamán hasta el estado de trance. Una voz distinta, movimiento convulsivo. Actúa como un loco. Estos histéricos profesionales, escogidos precisamente por su inclinación hacia la psicosis, fueron estimados en alguna época. Mediaban entre los hombres y el mundo de los espíritus. Sus viajes mentales constituían el eje de la vida religiosa de la tribu.
Es incorrecto asumir que el arte necesita del espectador para ser. El film sigue su camino sin que haya ojos. El espectador no puede existir sin él. Asegura su existencia.
Los multimedia son comedias tristes, invariablemente. Operan como una suerte de colorida terapia grupal, un encuentro doloroso entre actores y espectadores, una semimasturbacíón recíproca.
Los primeros cineastas, quienes -como los alquimistas- se deleitaban en el deliberado ocultamiento de su arte, lo hacían para que sus habilidades no fueran percibidas por testigos profanos.
Separar, purificar, reunir. La fórmula del Ars Magna y su heredero, el cine.
La cámara es una máquina andrógina, una suerte de hermafrodita mecánico.
Pocos defenderían una mirada hacia la Alquimia como la “Madre de la Química”, y confundirían su verdadero objetivo con aquellas artes referidas a los metales externos. La Alquimia es una ciencia erótica, involucrada con aspectos enterrados de la realidad, dispuesta a purificar y transformar todo ser, toda materia. No sugerir que las operaciones sobre la materia han sido abandonadas alguna vez. El adepto se aferra tanto al mundo místico como al físico.
Los alquimistas detectan en la actividad sexual del hombre una correspondencia con la creación del mundo, con el crecimiento de los plantas y con las formaciones minerales. Cuando ven la unión de lluvia y tierra, la ven en un sentido erótico, como copulación. Y esto se extiende a todos los reinos naturales de la materia. Porque ellas pueden representar romances entre los elementos químicos y las estrellas, romances entre las piedras, o la fertilidad del fuego.
Extrañas, fértiles son las correspondencias que los alquimistas sintieron en los más extraños órdenes de la existencia. Entre hombres y planetas, plantas y gestos, palabras y clima. Estas conexiones perturbadoras: el llanto de un niño y un cordón de seda; la espiral de una oreja y una aparición de perros en el patio; la cabeza de una mujer vencida por el sueño y la danza matinal de los caníbales; éstas son conjunciones que trascienden la estéril señal de cualquier montaje “voluntario”. Estas yuxtaposiciones de objetos, sonidos, acciones, colores, armas, heridas y olores brillan en una forma impensada, imposible.
El film, entonces, no es sino una iluminación de esta cadena del ser que hace que una aguja suspendida sobre la carne nos haga imaginar explosiones en una capital del extranjero.
El cine, heredero de la alquimia, la última de las ciencias eróticas. (*)

(*) Fuente: Jim Morisson, The doors, Una alegoría americana, de Marcelo Frigueras, Buenos Aires, Editora AC., desde Estocolmo

De Suecia con amor ....

2008-08-22T10:30:00.000-10:00

Cuando uno comienza a meterse en los zapatos de Sherlock (musicalmente hablando) grandes cosas salen al descubierto, uniendo puntos y cazando notas, encontramos cosas en común en artistas disonantes.

Sin saber casi nada de Suecia, cuya escena musical vino volando por debajo del radar desde hace un tiempo, encontramos peculiaridades que explican este fenómeno de tanta música expuesta mundialmente concentrada en un país tan chico, y por así decir, sin mística musical previa. La guillotina de la industria musical, el internet, es posiblemente la pieza más importante de este equipo, siendo Suecia el segundo país con mayor cantidad de usuarios en el mundo (después de EE.UU.). El acceso fácil a software de grabación casero y formas de promoción gratuitas, subiendo sus canciones a la red, aliviano las cosas para artistas como The Knife y Peter, Bjorn and John.

Mattias Lövkvist, director de la empresa Hybris Records, de Estocolmo, que es la tierra de artistas como Sibiria y Hell on Wheels, dice que la explosión de música sueca fue provocada por el hecho de que Internet, alrededor del año 2000, se convirtió en el medio más difundido para encontrar música nueva. “Siempre ha habido buenas bandas en Suecia, pero ahora tienen el recurso para llegar hasta otros países –agrega Lövkvist–. La escena indie es muy local, y a las bandas indie les resulta muy difícil llegar al extranjero. Pero Internet ha hecho que el indie de Suecia se difunda enormemente.”

El idioma es otro punto a favor, en un país donde ninguna de las series de televisión o películas son dobladas al idioma nativo (a diferencia de España, Italia, etc.), encontramos una población mucho más expuesta al Ingles, idioma mundial por excelencia en estos días que corren. El dato más “interesante” en este tema podría ser que los autores de "Baby one more time" cantada por Britney Spears, “Play" por Jennifer Lopez, "Bye bye bye" por N'Sync, "Come on over baby" por Christina Aguilera, son todos suecos, aparte de los directores Jonas Åkerlund y Johan Renck, que han hecho vídeos para Madonna, Metallica, Prodigy, U2, Christina Aguilera, Suede, Kylie Minogue, etc., facilitando un poco así el apoyo masivo que da el gobierno a los artistas nacionales, con dinero para cuerdas de guitarra o un “studiocirkel” – un grupo de individuos que solicitan al gobierno capital para salas de ensayo.

Con una actitud punk, totalmente “do it yourself” pero con un espectro musical enorme, encontramos a The Knife con su disco “Silent Shout” (disco del año según Pitchfork Media, una de las publicaciones más exigentes online), obscuro y escuchable todavía 2 años después de su lanzamiento, contrastando con el pegadizo y suelto pop de Robyn un poco más actual, y bien podríamos agregar a esta lista para crear nuestro triangulo azul y oro a los “prehistóricos” Hellacopters, con fuerza cavernícola sustentando su rock & roll.

Con la lupa ya puesta en otro punto del mapa, esperamos que la musica de sus audifonos no tape el grito de los pueblos, la descentralizacion esta en camino.

por Afro Loco

2223

2008-08-22T07:49:00.000-10:00

morgana 595 + dunamis

en concierto.

hoy

viernes!!!

22 de agosto

será el concierto de morgana 595 en la viola

(rca. francesa c/ mcal lópez)...

tipo a las 22 o 23 hs aproximadamente.

el costo de la puerta será

de tan solo

2223 gs.

en tus espejismos,

pero en la entrada

abrirás

10 mil clavado

esperamos la presencia de los magnos e infaltables amigos de ambas bandas

y de toda la comunidad olímpica que hoy quiera disfrutar de una noche auditivamente contemplativa que se vera colmada cuando dunamis largue como banda invitada encargada de partir tímpanos en 22 o 23 partes.

estás invitado/a amigo/a al sobre

concierto metal a realizarse mañana,

sabbath 23 de agosto

ahí,

donde y cuando

linaje presente:

"el regreso del elegido"

bandas:
linaje
en las rockas (berton & lasser ex-barrabas)
220 v
koga

puerta: 10.000
inicio: 22:30 puntual!

les esperamos a todos!

(h)abrá muchas sorpresas!

sonido metal y luminosidad heavy!

*************************************************

http://www.orkut.com/community.aspx?cmm=44870697

http://www.myspace.com/la_viola

http://www.lareviola.blogspot.com/

Silencio

2008-08-22T06:31:00.000-10:00

Por Octavio Paz

Así como del fondo de la música
brota una nota
que mientras vibra crece y se adelgaza
hasta que en otra música enmudece,
brota del fondo del silencio
otro silencio, aguda torre, espada,
y sube y crece y nos suspende
y mientras sube caen
recuerdos, esperanzas,
las pequeñas mentiras y las grandes,
y queremos gritar y en la garganta
se desvanece el grito:
desembocamos al silencio
en donde los silencios enmudecen.

Del sublime (des) concierto para niños

2008-08-21T07:53:00.000-10:00

Camba’i + Dokma = inolvidable.

Ante la ausencia a un determinado concierto, los perros suelen decirle al “colgado” de turno, “no sabes lo que te perdiste”. Otros, menos sorprendidos, lanzan el famoso “estuvo bueno” y algunos se limitan al “pegó un flá”. Creo que nunca antes, por lo menos en mucho tiempo dentro de la escena local, la primera frase es la que corresponde para los que no estuvieron la noche en que la psicodelia de Dokma se unió a los hechizos del gran maestro Efrén “Camba’i” Echeverría. Fue emocionante. No encuentro otro adjetivo. Lo que se vivió el sábado 16 de agosto en el Auditorio Manuel de Falla del Juan de Salazar quedará grabado por siempre. Así es viejo, si no fuiste te perdiste de algo realmente grosso. Los que llegamos un rato antes de las 20, hora puntual del inicio del concierto, nos ubicamos bien cómodos para disfrutar de la magia. Como prologo de lujo y con la idea de mostrar el lado más experimental de Dokma, Felipón Muñoz (batería) El Coelho (guitarra eléctrica y chirimbolos copados) Cala Del Puerto (bajo y coros) Steven Wu (violín eléctrico) y Jurú Pampliega (teclados, guitarra acústica y voces) interpretaron “Ke hacen por Dios !?!” y “Rey Crema”, dos de los temas que formarán parte de Eurofeo, tercer disco de la banda. Tras la contundencia expuesta, se vinieron “El Mañanero”, “Salsa Esteban” y “Reflexiones”, le siguió “Andáte a la polka” y el momento más esperado llego. El ambiente era el ideal. Camba’i subió al escenario en su silla de ruedas y con una sonrisa de oreja a oreja, la sala, que esa altura estaba repleta, exploto en aplausos.

El maestro se merece esto y mucho más. En 1941, a los nueve años, Eusebio Cantero, vecino suyo en su natal Lima, departamento de San Pedro, le permitió probar la interpretación de una guitarra. Enseguida la obsesión por las seis cuerdas pasó a ser un anhelo vehemente de su niñez, en los lejanos pagos norteños. Al mismo tiempo que pasaba las necesidades más extremas, fue desarrollando un estilo único, rasgueo y punteo a la vez, para tu manejo.

Saludó a los presentes en un tímido castellano, ante el vitoreo que no cesaba en el Juan de Salazar. “La murga del chivo ausente” en versión polka arranco. El silencio atento, sorprendente y atónito se hizo insoportable, pero nadie podía hablar, eran dos escuelas tan distantes y hermanas a la vez que fundidas ahí arriba daban la sensación de que estabas en un lugar mágico. Vi mucha gente emocionarse hasta las lágrimas, me incluyo.

Seguidamente tocaron juntos “La Guarania” con un trío de guitarras acústicas genial. Luego Camba’i quedo solo e hizo gala de su afamada técnica y afinación ejecutando “Yagua’i care”. Cada break se llenada de estruendosa buena onda e intercambio de chistes con el público. Mientras tanto, los músicos de Dokma, como niños (era luego el día del niño), brincaban al lado del “tatá” llenándolo de demostraciones de cariño.

La noche de ensueño iba llegando a su término. “Ryguazu Cocoré” fue otro latigazo de puenteadas, bajos y rasgueadas simultaneas. “Tenemos que hallarnos todos”, expreso don Efrén para luego despedirse con “Paraguaýpe”, clásico de José Asunción Flores.

Poco antes de comenzar el toque, Jurú había dicho que si lograban trasmitir por lo menos un cuarto de lo que habían vivido durante los ensayos con el maestro, sería fantástico. Te equivocaste loco, fue una hora eterna y emocionante. Dokma y Camba’i juntos, que pedazo de experiencia.

texto x Lésico/ fotos: 12 Santos/videos: Chapter 2467.

La creación del universo a partir de la música...

2008-08-20T18:37:00.000-10:00

"Ainulindale: La música de los Ainur" - fragmento

por JRR Tolkien (corresponsal desde la tierra media)

En el principio estaba Eru, el Único, que en Arda es llamado Ilúvatar; y primero hizo a los Ainur, los Sagrados, que eran vástagos de su pensamiento, y estuvieron con él antes que se hiciera alguna otra cosa. Y les habló y les propuso temas de música; y cantaron ante él y él se sintió complacido. Pero por mucho tiempo cada uno de ellos cantó solo, o junto con unos pocos, mientras el resto escuchaba; porque cada uno sólo entendía aquella parte de la mente de Ilúvatar de la que provenía él mismo, y eran muy lentos en comprender el canto de sus hermanos. Pero cada vez que escuchaban, alcanzaban una comprensión más profunda, y crecían en unisonancia y armonía.

Y sucedió que Ilúvatar convocó a todos los Ainur, y les comunicó un tema poderoso, descubriendo para ellos cosas todavía más grandes y más maravillosas que las reveladas hasta entonces; y la gloria del principio y el esplendor del final asombraron a los Ainur, de modo que se inclinaron ante Ilúvatar y guardaron silencio.

Entonces les dijo Ilúvatar:
—Del tema que os he comunicado, quiero ahora que hagáis, juntos y en armonía, una Gran Música. Y como os he inflamado con la Llama Imperecedera, mostraréis vuestros poderes en el adorno de este tema mismo, cada cual con sus propios pensamientos y recursos, si así le place. Pero yo me sentaré y escucharé, y será de mi agradó que por medio de vosotros una gran belleza despierte en canción.

Entonces las voces de los Ainur, como de arpas y laúdes, pífanos y trompetas, violas y órganos, y como de coros incontables que cantan con palabras, empezaron a convertir el tema de Ilúvatar en una gran música; y un sonido se elevó de innumerables melodías alternadas, entretejidas en una armonía que iba más allá del oído hasta las profundidades y las alturas, rebosando los espacios de la morada de Ilúvatar; y al fin la música y el eco de la música desbordaron volcándose en el Vacío, y ya no hubo vacío. Nunca desde entonces hicieron los Ainur una música como ésta aunque se ha dicho que los coros de los Ainur y los Hijos de Ilúvatar harán ante él una música todavía más grande, después del fin de los días. Entonces los temas de Ilúvatar se tocarán correctamente y tendrán ser en el momento en que aparezcan, pues todos entenderán entonces plenamente la intención del Único para cada una de las partes, y conocerán la comprensión de los demás, e Ilúvatar pondrá en los pensamientos de ellos el fuego secreto.

Pero ahora Ilúvatar escuchaba sentado, y durante un largo rato le pareció bien, pues no había fallas en la música. Pero a medida que el tema prosperaba, nació un deseo en el corazón de Melkor: entretejer asuntos de su propia imaginación que no se acordaban con el tema de Ilúvatar, porque intentaba así acrecentar el poder y la gloria de la parte que le había sido asignada. A Melkor, entre los Ainur, le habían sido dados los más grandes dones de poder y conocimiento, y tenía parte en todos los dones de sus hermanos. Con frecuencia había ido solo a los sitios vacíos en busca de la Llama Imperecedera; porque grande era el deseo que ardía en él de dar ser a cosas propias, y le parecía que Ilúvatar no se ocupaba del Vacío, cuya desnudez le impacientaba. No obstante, no encontró el Fuego, porque el Fuego está con Ilúvatar. Pero hallándose solo, había empezado a tener pensamientos propios, distintos de los de sus hermanos.

Melkor entretejió algunos de estos pensamientos en la música, e inmediatamente una discordancia se alzó en torno, y muchos de los que estaban cerca se desalentaron, se les confundió el pensamiento, y la música vaciló; pero algunos empezaron a concertar su música con la de Melkor más que con el pensamiento que habían tenido en un principio. Entonces la discordancia de Melkor se extendió todavía más, y las melodías escuchadas antes naufragaron en un mar de sonido turbulento. Pero Ilúvatar continuaba sentado y escuchaba, hasta que pareció que alrededor del trono había estallado una furiosa tormenta, como de aguas oscuras que batallaran entre sí con una cólera infinita que nunca sería apaciguada.

Entonces Ilúvatar se puso de pie y los Ainur vieron que sonreía; y levantó la mano izquierda y un nuevo tema nació en medio de la tormenta, parecido y sin embargo distinto al anterior, y que cobró fuerzas y tenía una nueva belleza. Pero la discordancia de Melkor se elevó rugiendo y luchó con él, y una vez más hubo una guerra de sonidos más violenta que antes, hasta que muchos de los Ainur se desanimaron y no cantaron más, y Melkor predominó. Otra vez se incorporó entonces Ilúvatar, y los Ainur vieron que estaba serio; e Ilúvatar levantó la mano derecha, y he aquí que un tercer tema brotó de la confusión, y era distinto de los otros. Porque pareció al principio dulce y suave, un mero murmullo de sonidos leves en delicadas melodías; pero no pudo ser apagado y adquirió poder y profundidad. Y pareció por último que dos músicas se desenvolvían a un tiempo ante el asiento de Ilúvatar, por completo discordantes. La una era profunda, vasta y hermosa, pero lenta y mezclada con un dolor sin medida que era la fuente principal de su belleza. La música de Melkor había alcanzado ahora una unidad propia; pero era estridente, vana e infinitamente repetida, y poco armónica, pues sonaba como un clamor de múltiples trompetas que bramaran unas pocas notas, todas al unísono. E intentó ahogar a la otra música con una voz violenta, pero pareció que la música de Ilúvatar se apoderaba de algún modo de las notas más triunfantes y las entretejía en su propia solemne estructura.

En medio de esta batalla que sacudía las estancias de Ilúvatar y estremecía unos silencios hasta entonces inmutables, Ilúvatar se puso de pie por tercera vez, y era terrible mirarlo a la cara. Levantó entonces ambas manos y en un acorde más profundo que el Abismo, más alto que el Firmamento, penetrante como la luz de los ojos de Ilúvatar, la Música cesó.

Entonces Ilúvatar habló, y dijo:
—Poderosos son los Ainur, y entre ellos el más poderoso es Melkor; pero sepan él y todos los Ainur que yo soy Ilúvatar; os mostraré las cosas que habéis cantado y así veréis qué habéis hecho. Y tú, Melkor, verás que ningún tema puede tocarse que no tenga en mi su fuente más profunda, y que nadie puede alterar la música a mi pesar. Porque aquel que lo intente probará que es sólo mi instrumento para la creación de cosas más maravillosas todavía, que él no ha imaginado.

Entonces los Ainur tuvieron miedo aunque aún no habían comprendido qué les decía Ilúvatar; y llenóse Melkor de vergüenza, de la que nació un rencor secreto. Pero Ilúvatar se irguió resplandeciente, y se alejó de las hermosas regiones que había hecho para los Ainur; y los Ainur lo siguieron.

Pero cuando llegaron al Vacío, Ilúvatar les dijo:
—¡Contemplad vuestra música!—. y les mostró una escena, dándoles vista donde antes había habido sólo oído; y los Ainur vieron un nuevo Mundo hecho visible para ellos, y era un globo en el Vacío, y en él se sostenía, aunque no pertenecía al Vacío. Y mientras lo miraban y se admiraban, este mundo empezó a desplegar su historia y les pareció que vivía y crecía. Y cuando los Ainur hubieron mirado un rato en silencio, volvió a hablar Ilúvatar:
—¡Contemplad vuestra música! Este es vuestro canto y cada uno de vosotros encontrará en él, entre lo que os he propuesto, todas las cosas que en apariencia habéis inventado o añadido. Y tú, Melkor, descubrirás los pensamientos secretos de tu propia mente y entenderás que son sólo una parte del todo y tributarios de su gloria.

Y muchas otras cosas dijo Ilúvatar a los Ainur en aquella ocasión, y por causa del recuerdo de sus palabras y por el conocimiento que cada uno tenía de la música que él mismo había compuesto, los Ainur saben mucho de lo que era, lo que es y lo que será, y pocas cosas no ven. Sin embargo, algunas cosas hay que no pueden ver, ni a solas ni aun consultándose entre ellos; porque a nadie más que a sí mismo ha revelado Ilúvatar todo lo que tiene él en reserva y en cada edad aparecen cosas nuevas e imprevistas, pues no proceden del pasado. Y así fue que mientras esta visión del Mundo se desplegaba ante ellos, los Ainur vieron que contenía cosas que no habían pensado antes. Y vieron con asombro la llegada de los Hijos de Ilúvatar y las estancias preparadas para ellos, y advirtieron que ellos mismos durante la labor de la música habían estado ocupados en la preparación de esta morada, pero ignorando que tuviese algún otro propósito que su propia belleza. Porque sólo él había concebido a los Hijos de Ilúvatar; que llegaron con el tercer tema, y no estaban en aquel que Ilúvatar había propuesto en un principio, y ninguno de los Ainur había intervenido en esta creación. Por tanto, mientras más los contemplaban, más los amaban, pues eran criaturas distintas de ellos mismos, extrañas y libres, en las que veían reflejada de nuevo la mente de Ilúvatar; y conocieron aun entonces algo más de la sabiduría de Ilúvatar, que de otro modo habría permanecido oculta aun para los Ainur.

Ahora bien, los Hijos de Ilúvatar son Elfos y Hombres, los Primeros Nacidos y los Seguidores. Y entre todos los esplendores del Mundo, las vastas salas y los espacios, y los carros de fuego, Ilúvatar escogió como morada un sitio en los Abismos del Tiempo y en medio de las estrellas innumerables. Y puede que esta morada parezca algo pequeña a aquellos que sólo consideran la majestad de los Ainur y no su terrible sutileza; como quien tomara toda la anchura de Arda para levantar allí una columna y la elevara hasta que el cono de la cima fuera mas punzante que una aguja; o quien considerara sólo la vastedad inconmensurable del Mundo, que los Ainur aún están modelando, y no la minuciosa precisión con que dan forma a todas las cosas que en él se encuentran. Pero cuando los Ainur hubieron contemplado esa morada en una visión y luego de ver a los Hijos de Ilúvatar que allí aparecían, muchos de los más poderosos de entre ellos se volcaron en pensamiento y deseo sobre ese sitio. Y de éstos Melkor era el principal, como también había sido al comienzo el más grande de los Ainur que participaran en la Música. Y fingió, aun ante sí mismo al comienzo, dominando los torbellinos de calor y de frío que lo habían invadido, que deseaba ir allí y ordenarlo todo para beneficio de los Hijos de Ilúvatar. Pero lo que en verdad deseaba era someter tanto a Elfos como a Hombres, pues envidiaba los dones que Ilúvatar les había prometido; y él mismo deseaba tener súbditos y sirvientes, y ser llamado Señor, y gobernar otras voluntades.

Pero los otros Ainur contemplaron esa habitación puesta en los vastos espacios del Mundo; que los Elfos llaman Arda, la Tierra, y los corazones de todos se regocijaron en la luz, y los ojos se les alegraron en la contemplación de tantos colores, aunque el ruido del mar los inquietó sobremanera. Y observaron los vientos y el aire y las materias de que estaba hecha Arda, el hierro y la piedra, la plata y el oro, y muchas otras sustancias, pero de todas ellas el agua fue la que más alabaron. Y dicen los Eldar que el eco de la Música de los Ainur vive aún en el agua, más que en ninguna otra sustancia de la Tierra; y muchos de los Hijos de Ilúvatar escuchan aún insaciables las voces del Mar, aunque todavía no saben lo que oyen.

En El Silmarillion, recopilado y publicado por Christopher Tolkien, en 1977.

Instrucciones para cantar

2008-08-19T11:22:00.001-10:00

por Julio Cortazar (corresponsal exclusivo)

Empiece por romper los espejos de su casa, deje caer los brazos, mire vagamente la pared, olvidese. Cante una sola nota, escuche por dentro. Si oye (pero esto ocurrirá mucho después) algo como un paisaje sumido en el miedo, con hogueras entre las piedras, con siluetas semidesnudas en cuclillas, creo que estará bien encaminado, y lo mismo si oye un río por donde bajan barcas pintadas de amarillo y negro, si oye un sabor pan, un tacto de dedos, una sombra de caballo. Después compre solfeos y un frac, y por favor no cante por la nariz y deje en paz a Schumann.

Viva (light)

2008-08-18T14:10:00.000-10:00

Coldplay
3 de Agosto
Verizon Center – Washington DC

*****

Mejor que irse a misa un domingo, el gran espíritu pagano decide conducirnos esta vez a Chinatown, en pleno downtown, donde las transmutaciones también ocurren. Si bien no llegamos “a hora”, la efervescencia de un pueblo de hormigas poliglotas colmando las entradas del coliseo elimina toda necesidad de puntualidad. En los pasillos, en las escaleras mecánicas, en las gradas, la ocupación y la densidad es absoluta. Invadimos literalmente cada uno de los rincones del mayor estadio cubierto de la capital imperial. El primer acto lo habíamos perdido; un numero local cuyo nombre se desvanece en nuestra indiferencia... hasta que llegamos finalmente a nuestros asientos, donde nos percatamos de la presencia escénica de quien quizás sea la artista “revelación” de este año: Santogold. Música agradable y fresca, coreográfica como la noche que nos contempla pero que sin embargo no consigue alterar los deseos lúdicos del hormiguero presente. Muchos afirman que la propuesta es muy similar a la de M.I.A.; otros en cambio, la alaban, de todos modos, olemos que Santogold no tiene absolutamente nada que ver (musicalmente) con el plato de fondo...

Interrogantes y bifurcaciones aparte, estábamos todos ahí, esperando finalmente que se estremezca la Vida. Debemos admitir que antes del show, todos pensábamos en singular, pero la efervescencia noctámbula vivida aquella vez nos iluminaría la colectividad de los hechos. Se cantaron, se vibraron, se emocionaron todos, por eso, se dispararon muchísimas fotos, se filmaron todos, y si alguna vez se callaron todos, no fue por desconocimiento o desconexión, al contrario, sino por la múltiple novedad del intenso espectáculo presenciado. Podríamos traer a colación los espectáculos montados por U2 o Pink Floyd como mega eventos musicalmente mediáticos y únicos, ya que ambos apuntan, además de la conquista musical sobre el individuo, a una despersonalización en masa provocada mediante un “espectáculo” sensorialmente complejo de flujos e intensidades. Pero las comparaciones siempre son odiosas, así que no nos queda otra que tratar de enumerar las particularidades de este show:

1. En primer lugar, y para empezar por el territorio musical, un nuevo disco y como si fuera poco, con nuevo “sonido” (destilación a cargo del guru “Brain” Eno). Podríamos profundizar en este punto, pero preferimos no hacerlo pues se pueden encontrar innumerables artículos en la red (y afuera) al respecto, así que pasamos a...
2. Un escenario colosal de mas de 120 metros perimetrales, con forma de "herradura", del cual Chris Martín se encargo de recorrerlos íntegramente. En realidad, en el transcurso del show los escenarios se multiplicarían: uno en la punta izquierda de la “herradura“ (sector AAA), donde, emergería del suelo un “mini escenario lumínico o side stage” en la que la banda tocaría dos temas y otro mini escenario, inclusive mas chico que el anterior, montado casi en la parte mas alejada del escenario principal, hacia el fondo del recinto (sector 119), donde la banda tocaría (acústicamente) sus últimos dos temas (del set normal). Luego entrarían de vuelta para el “bis”, esta vez ya en el escenario principal, para cerrar con cuatro y definitivas canciones,

3. Una pantalla gigante del mismo largor que el escenario sobre la que pasaban imágenes y ediciones en vivo además de otras ya preeditadas,
4. Una versión extra large (también del mismo largor del escenario) del cuadro “ La Libertad guiando al pueblo” de Eugene Delacroix (1830), pintura que hace de tapa del ultimo disco.
5. Antes del show parecía una mega bola de adivinación, un hiper foco o una súper piñata colgada en el centro de la “arena”. Resulto ser un O.V.N.I., una pantalla esférica ultra-high-tech (nunca habíamos visto algo parecido) y que pasaba imágenes y ediciones en vivo, además de otras ya previamente editadas, sobre los 360 grados tridimensionales de su superficie, y que a veces, servia simplemente como un farol king size de tonos monocromáticos,
6. Un techo de luces, bien a lo alto, que cubría todo el escenario mas su “herradura” y que dejaría al mismísimo Coco Oren en el kindergarten del "techoluminismo", y de donde, a lo largo del show, descenderían otras 6 esferas mas, pero siendo éstas, de un diámetro un poco menor a la central.

7. Un caleidoscópico y bélico show láser que llenaba con espasmódica luminosidad el enorme espacio que nos albergaba,
8. Y para cerrar la lista y el show: papel picado (viva la cursilería por tener forma de mariposa) technicolor aleteando su caída libre desde el techo de luces hacia el publico.

En condiciones como esta, el show (ver compilado) definitivamente deja de ser un mero recital y pasa a ser un “espectáculo” colosal con derecho propio, diseñado para cautivar y convertir exclusivamente a grandes masas y/o estadios. Muchos ya afirman que el de Coldplay es el mejor show del verano (incluso el de sus vidas). Nosotros en cambio, tenemos ese sitial para otra banda inglesa, también de tour por estas tierras, de la que comentaremos oportunamente en este blog. De todos modos de algo estamos seguro: Coldplay, la banda que quizás sea, entre todas las de la escena actual, la mas “políticamente correcta”, y utilizando el que quizás sea el peor vestuario militar de la historia del showbiz, de$troza este país a su paso...

Viva (heavy)

2008-08-17T06:52:00.000-10:00

3
El espectáculo se muestra a la vez como la sociedad misma, como una parte de la sociedad y como instrumento de unificación. En tanto que parte de la sociedad, es expresamente el sector que concentra todas las miradas y toda la conciencia. Precisamente porque este sector está separado es el lugar de la mirada engañada y de la falsa conciencia; y la unificación que lleva a cabo no es sino un lenguaje oficial de la separación generalizada.
La sociedad del espectáculo, Guy Debord (1967)

Si estas “tekore’i” (estar al dope en guaraní) o si sos un/a verdadero/a fanatico/a de Coldplay te invitamos, gracias a todos los corresponsales enviados a cubrir el show, a presenciar [casi íntegramente] los cerca de 90 minutos que duro "el espectáculo" para que quites tus propias conclusiones. (Aconsejamos además tener abiertas dos ventanas como minimo para darle continuidad al show.)

Setlist:

Life In Technicolor/Violet Hill

Clocks

In My Place
Viva La Vida
Yes

Fix You
Strawberry Swing
Chinese Sleep Chant (side stage)
God Put A Smile Upon Your Face (side stage/techno version)
Square One
The Hardest Part (partial)
Yellow (Johny Carson –Barry Gibb)
Lost!
The Scientist (Side Stage - Acoustic)

Death Will Never Conquer (Side Stage - Acoustic - Will)

Bas, Bes, Bis, Bos, Bus:

Politik
Lovers In Japan
Death And All His Friends/The Escapist

entuvozbientocamina

2008-08-16T10:01:00.000-10:00

Ganadora en el 2007 del premio nacional a la excelencia arquitectónica del RIBA (Royal Institute of British Architects), el Singing Ringing Tree, (£60,000), es una interesante escultura musical de tres metros de altura con forma de árbol, enclavada en un sitio que permite una interesante vista panorámica del hasta ahora casi desconocido pueblo de Burnley, en Lancashire, Inglaterra. La obra fue creada por los arquitectos Mike Tonkin y Anna Liu (de la firma londinense Tonkin Liu) a partir de una serie de tubos de acero galvanizados que giran sobre si mismos emitiendo un sonido misteriosamente discordante y de características corales cuyas tonalidades varían de acuerdo a la interacción del viento con la pieza. Algunos tubos son estructurales y otros son meramente estéticos, aunque el mayor desafío radico en conseguir su "sonoridad". Luego de una serie de experimentos con diferentes materiales y grosores de tubo, las cualidades armónicas de este gran y elegante yuyo metálico fueron conseguidas y afinadas a partir del largor de cada tubo y colocando agujeros en la parte inferior de estos. Para leer el interesante proceso de conceptualización y formalización (lastimosamente en ingles) apretar este link y este otro.

bendit@ seas entre todas LAS RESIDENTAS

2008-08-15T11:48:00.000-10:00

Las Residentas del Rock

Sábado 09 de agosto – 23:45 hs. (aprox.)

La Viola Pub

****

Las Residentas del Rock es un grupo que atrae espectros. Los encarna. Y los revitaliza con magia angelical y crudeza auditiva.

En las cuerdas vocales de Mónica Guppy o “Demoniacal” (que fue lo que creí escuchar cuando la interpelé) anidan diversos espíritus a quienes evoca desinhibida y hasta a veces histéricamente, sobresaliendo con soltura en la compleja tarea. Detrás, una banda la soporta con determinada coordinación y entregan sus joyas más valiosas, incrustándose desde otros ángulos en melodías preestablecidas y creando en cada track, una experiencia antes no descubierta.

Así, el girl power de Las Residentas se abre de sus propias etiquetas y libremente expande el eco de monstruos que vuelven desde el inframundo, irradiando los vestigios de antiguos latidos musicales, mientras que las reversiones de los que aún habitan el mundo de los vivos, elevan el pedestal de sus leyendas.

En casi una hora de remakes, tal vez un poco más o un poco menos, el tiempo se altera con los artificios de Natalia Benítez desde el bajo, sumada a las guitarras de Dahia Valenzuela y Sissi Pistilli, que junto a ¿su hermana? Sindy Pistilli en las batas, vuelan de una década a otra, zigzagueando entre estilos, ritmos y ondas, a espaldas de Guppy, que despliega sobriedad, batallando con el excentricismo de Robert Smith, la eternidad de Madonna, la acidez de AC/DC y hasta con la cabeza rapada de Britney Spears.

Sin dudas, las chicas son una banda con cráneo. Su set, seduce por la consistencia de su contenido, la riqueza de su forma y por la manera en la que se atreve a desafiar tu memoria, rindiendo un verdaderamente divertido homenaje de la mujer paraguaya al árbol genealógico, de las más grandes influencias de ayer y hoy*.

Set List.

“Just like heaven” – The Cure
“Hit the road” – Ray Charles
“Vogue” – Madonna
“Oh darling!” – The Beatles
“Over protected” – Britney Spears
“What´s up” – 4 Non Blondes
“Stop” –
“Born to be wild” – Steppenwolf
“Highway to hell” – AC/DC
“Piece of my heart" – Janis Joplin**.

* ¿Para cuando “No woman no cry” señoritas?.

** ¿Para cuando temas propios?.

"La respuesta verdadera está en la música..."

2008-08-14T17:49:00.000-10:00

IDEAS SOBRE LA IMPROVISACIÓN LIBRE
Por Keith Jarrett (Extracto de Tocando el horizonte. La música de ECM. )

Hace más de tres décadas, a mediados y a finales de los años sesenta, Miles Davis solía aparecer por los clubes en los que actuaba con mi trío, ya fuera en París o en Nueva York. Parecía sentir curiosidad por algo. En cierta ocasión, fue con su quinteto a un minúsculo club de la orilla izquierda de París llamado Le Camilion, con capacidad para unos diez espectadores, para ver a mi trío, formado por aquel entonces por Aldo Romano a la batería y J. F. Jenny-Clark al contrabajo. El club estaba en el sótano de un pequeño bar que, sin embargo, era mayor que la estancia donde actuábamos. El local tenía un piano de pared espantoso, y a menudo nos dedicábamos a experimentar con la “improvisación libre”(a veces, el pésimo estado del piano era de gran ayuda para tocar esa música). Mi trío estadounidense, formado por Charlie Haden y Paul Motian, trabajaba constantemente en el terreno de la “improvisación libre”, aunque esta faceta no haya quedado adecuadamente recogida en las grabaciones que hicimos. Miles también vio actuar varias veces a esta formación en diferentes clubes. Los años sesenta fueron una época importante para el free. Ornette Coleman y Don Cherry habían despuntado a finales de los años cincuenta junto con Paul Bley, Jimmy Giuffre y, más tarde, toda la corriente “vanguardista”. Algunos de esos músicos ni siquiera sabían tocar, pero aquello no tenía demasiada importancia, y de ellos aprendí unas cuantas cosas en términos de tiempo y espacio. Ornette había partido de la complejidad cada vez mayor característica del período posterior al bebop para abrir nuevos caminos, y los músicos jóvenes se atrevían con todo. Fueron años de una gran vitalidad. Después de un pase especialmente free en Le Camilion, Miles me hizo un gesto para que me acercara a su mesa (creo recordar que nadie bebía nada) y me preguntó: “¿Cómo lo haces?”. “¿El qué?”, respondí. “Tocar a partir de la nada”, comentó. “No lo sé —le dije—. Lo hago. Ya está”. Miles estaba anonadado ante aquella presunta facilidad mía para crear en tiempo real, sin un material previo. Sin embargo, y a pesar de que había escuchado mucha improvisación libre en el pasado, creo que advertía en mi manera de tocar una mezcla única de improvisación libre y de composición espontánea, una combinación que acabaría copando mi vertiente profesional, sobre todo en los conciertos en solitario.
A decir verdad, todo se reduce a si el músico concibe esa “nada” como la falta de “algo” o como la presencia de un “todo”, y también al significado que el intérprete da a ese “todo”: si lo limita o le asusta, su capacidad para improvisar también se verá limitada. Hay en todos nosotros una determinada estructura. A mi entender, el único límite está en aquello que el cuerpo no puede hacer. Tal vez fuera eso, entre otras cosas, lo que Miles escuchó. Parecía querer formar parte de ello. En varias ocasiones me pidió que me uniera a su grupo, y finalmente accedí aunque sólo aguanté unos pocos meses. En esa banda, a menudo me dejaba aventurarme, en compañía de Jack DeJohnette y de Dave Holland o de Michael Henderson, en largas excursiones por los terrenos de la improvisación libre. Nunca me “interrumpía”, ni intentaba unírsenos durante aquellos pasajes. A Miles posiblemente le gustara más escuchar que tocar. Por supuesto, tocábamos toda aquella música con los molestos instrumentos electrónicos tan de moda en aquella época, y no tardé en dejar todo aquello después de que Jack abandonara el barco.
Cuando era un adolescente, recuerdo haber escuchado a mi hermano Chris (que no sabía nada de pianos) tocar algunas cosas que me marcaron profundamente. Aquellas piezas tenían una poderosa carga significativa, fruto, según me dijo, de la crisis en la que estaba sumido a la sazón. Se abalanzaba sobre el teclado sin tener la menor idea de cuál iba a ser el resultado (o, mejor dicho, con una cierta idea, aunque solamente en el sentido emocional). Sin embargo, de aquel acto salía algo. Aquellos momentos musicales, aunque “insólitos” en cierto sentido, calaron hondo en mí, y habrían de pasar muchos años antes de que yo pudiera habitar, deliberadamente, el espacio musical que Chris había visitado accidentalmente. Así fue como aprendí que, a veces, debemos provocar los “accidentes”.
Lo primero que debo decir acerca de la improvisación libre es que no es apta para aquellas personas obsesionadas con mantener el control. Tan necesario como agudizar el oído y, en la medida de lo posible, contar con una amplia experiencia musical es dejarse ir deliberadamente en algún momento. Cuando en 1983 formé el trío con Jack DeJohnette y Gary Peacock, los tres habíamos vivido en primera persona los años sesenta y la improvisación libre. En nuestra primera sesión de grabación, de la que salió el disco Changes, rendimos homenaje al universo libre. Ahora, en pleno siglo XXI, después de editar en 2001 Inside Out, hemos sacado al mercado una grabación en directo realizada en Japón en 2002, titulada Always Let Me Go. Antes de grabar Inside Out en Londres, dije a Gary y a Jack que debíamos intentar no seguirnos los unos a los otros. Es decir, que si uno de nosotros le apetecía tocar algo que se le hubiera ocurrido, el resto seguiría adelante, ajenos en cierto sentido a lo que hiciera cada uno y, por lo tanto, a cualquier referencia que pudiera interrumpir el flujo. Es sumamente difícil describir el proceso (la respuesta que di a Miles era mucho más acertada). Sin embargo, antes incluso de que el trío hubiera grabado, yo llevaba años actuando en solitario y había aprendido que la “música libre” no nacía únicamente de un estado de ánimo determinado. En un concierto en solitario (improvisado siempre desde la primera nota) participan, como mínimo, tres personas: el improvisador, el compositor espontáneo y el tipo que escuchaba sentado al piano. La figura del improvisador es la más sencilla de explicar, aunque nadie en su sano juicio intentaría hacerlo. Se sienta frente al instrumento y confía en que su talento le permita encontrar un camino musical para ir de A a B (toda vez que desconoce totalmente qué es B). La figura del compositor espontáneo es algo más compleja, y se sitúa ligeramente por encima de la del improvisador. Sin pensarlo, cada vez que el improvisador se lo reclama, le “envía” al instante el material (¡lo siento, no se me ocurre otra manera de explicarlo!), lo que puede obligarle a tener que crear B de la nada. Su tarea es más ardua pues, si el improvisador se bloquea, se pierde o simplemente se aleja de la “zona”, ha de crear una cantidad importante de “contenidos” sobre la marcha. El compositor azuza al improvisador (y viceversa) al tiempo que el tipo sentado al piano —que controla los procesos y trata de no juzgar demasiado apresuradamente o de intervenir, aunque esté en desacuerdo con lo que sucede— presta atención al conjunto mientras comprueba (todas estas acciones son simultáneas) las funciones vitales para advertir cualquier anomalía, asegurarse de que no sufre rampas en los dedos o en otras partes del cuerpo, que respira regularmente…
Por supuesto, en un grupo, hay poco espacio para la improvisación pero, en líneas generales, el proceso es idéntico. En tanto que responsable del repertorio de los pases en los conciertos de estándares e improvisador en solitario a lo largo de todos estos años, he llegado al extremo de “programar” incluso materiales inexistentes (por ejemplo, la música de la grabación realizada en Japón). Sí, la participación de Gary y Jack es siempre extraordinaria, pero yo soy quien tiene en sus manos el instrumento armónico, una gran experiencia acumulada en el terreno de la composición espontánea y, además —como dice un amigo—, “alguien tiene que ponerse al volante”. Sin embargo, dejando de lado estos aspectos, los tres tenemos total libertad para hacer a nuestro antojo. Ninguno de nosotros está obligado a comportarse musicalmente de un modo concreto. La música que hacemos es fruto de la necesidad del momento. Aun así, lo más sorprendente del proceso es que, sin siquiera proponérnoslo, las formas aparecen. Tal vez en Inside Out sean más tradicionales, pero ni siquiera ahí esas formas existían antes de que empezaran a cobrar vida ante nosotros. No quiero negar, sin embargo, la dificultad de la empresa: no es ni mucho menos tan sencillo como parece estar preparado para la irrupción de estas formas. (Debemos estar sumamente familiarizados con todas las posibles.) Dejar que la música fluya a pesar de uno mismo es posiblemente lo más duro de todo lo que se necesita para ser músico. No hay que perder de vista en ningún momento al yo que está al mando, y hay que permitirle expresarse en cada nanosegundo. Cada nanosegundo ha de ser una reafirmación de los principios y, si es necesario, una reformulación de las prioridades.
En los CD japoneses, en ningún momento sabemos (¡en ninguno!) qué va a suceder a continuación. Todo puede cambiar en función de quién golpee tal o cual plato o toque tal o cual nota. En ocasiones, mientras tocamos, (me) asalta la sensación de que nos movemos en el infinito, pero esa percepción se desvanece un segundo más tarde. Si sumamos estos segundos, obtendremos un número determinado de minutos musicales. Imaginen que no tienen la menor idea de lo que les va a suceder dentro de un segundo. A continuación, decidan que quieren que eso sea así deliberadamente. Posiblemente les sea necesario confiar en algo más importante que en las propias ideas. Habrá que someterse a “algo” que, probablemente, no sabrían cómo llamarlo o cómo describirlo. Necesariamente, sería un “algo” misterioso. Sin embargo, tras pasar por ello, si sobreviven, sabrán algo más acerca de las posibilidades que les ofrece la vida. Todo esto es aplicable al terreno de la música. Cuando se produce un momento decisivo (y abundan en Always Let Me Go), los tres sabemos al instante que ese pasaje merece el precio que ha costado la entrada al concierto. La música nos “lleva” a un lugar desconocido hasta entonces. Hemos logrado crear un accidente. Da igual que la música funcione o no en cualquier otro sentido, que sea o no una “Obra de Arte duradera”; todo eso pasa a un segundo lugar ante la situación en la que nos hallamos inmersos. Vivimos rodeados por “Obras de Arte” duraderas y, sin embargo, ¿cuántas veces descubrimos algo nuevo? Yo siempre he tocado para mí, para ese oyente que se sienta en la banqueta frente al piano. Esa persona ha escuchado todos mis conciertos, y siempre ha soñado con volar. No tengo la menor idea de cómo genera el material el “compositor espontáneo”, o de cómo conserva su libertad el “improvisador libre”, pero sí sé, sin embargo, que no me interesa demasiado descubrirlo. Por todo ello, la respuesta a la pregunta de Miles, “¿cómo lo haces?”, ha de ser hoy necesariamente la misma. No lo sé. Lo hago. Y cuando las cosas funcionan, es imposible explicar el motivo.
La verdad es que, cuando tocamos música improvisada, vivimos en una de las dos caras de la moneda, en una que, además, cambia de aspecto a cada momento. Para describirlo, debería viajar al otro lado (al aspecto analítico), pero, una vez ahí, entenderíamos que no tenemos acceso a la respuesta verdadera. La respuesta verdadera está en la música; en su fin y en su energía. La respuesta verdadera sobre el proceso en el que estamos inmersos también se halla en cada uno de ustedes. Cuando escuchen esta música, sabrán exactamente tanto como nosotros sobre ese próximo momento. Y cuando lo escucharon, compartieron con nosotros el suspense que nosotros experimentábamos mientras creábamos esa música. La única diferencia entre ustedes —el oyente— y el trío es que nosotros tuvimos que dar físicamente ese salto hacia lo desconocido, que yo tuve que reunir al improvisador y al compositor y pedirles que colaboraran. Ninguno de nosotros puede aferrarse a los mejores momentos de su pasado, y eso es precisamente lo que los hace tan preciosos. Y ninguno de nosotros, ni siquiera los músicos, podemos hacer que la música viaje a un punto y permanezca ahí indefinidamente. Always Let Me Go es un buen título, pero es aún más acertado si lo vemos como la descripción del proceso de la improvisación libre. Sólo si dejamos escapar cada uno de esos segundos imperceptibles, fugaces (y lo hacemos con el mismo empeño que pondríamos en aferrarnos a ellos), podremos habitar el siguiente instante infinito, que durará, simplemente, un segundo. Esta es la mejor definición que se me ocurre de la improvisación libre. Y por eso Always Let Me Go es el mejor título posible para dicho proceso.
Algo más a propósito del título: estaba cenando con Manfred Eicher entre bastidores, antes de un concierto en París, cuando nos planteamos cómo titular las cintas japonesas. Yo había pensado Time in Space, pero Manfred, haciendo un mueca traviesa, me propuso Always Let Me Go. Ninguno de los dos pudo evitar una carcajada. (A ambos nos fascinaban las dos versiones que yo había grabado de una balada titulada “Never Let Me Go”. Una está en el disco Standards,Vol. 2; la otra, en Tokyo ’96.) No es habitual carcajearse así ante una descripción perfecta de un proceso delicado, misterioso y complejo. Me pregunto si ya se le había ocurrido anteriormente o si fue fruto del momento, de su improvisación libre. Yo llevaba semanas intentado dar con un título idóneo (por lo general, no me cuesta) pero las palabras acudieron a su boca automáticamente, precisamente porque él había entendido el proceso inherente a aquella música. Porque es de ahí donde ha de nacer el saber: del interior. Y del interior, ha de proyectarse hacia fuera. Si dibujo un mapa, tomarán ese mapa como si dijera la verdad. Si no lo dibujo, tal vez buscarán esa verdad por ustedes mismos (o en su interior). En ese momento, se estarán acercando a la música, porque se habrán olvidado de la imagen ideal que alguien ha dibujado para ustedes, una imagen que ni Jack, ni Gary, ni yo tenemos presente cuando tocamos. Descarté todas las posibilidades que había escrito porque había olvidado las limitaciones del lenguaje. Lo más importante es qué conjuran las palabras, porque la página impresa está ahí, en sus manos, como si contuviera una verdad permanente y eterna. Pero le falta algo: Always Let Me Go.

El que no improvisa es un gallina !

2008-08-14T07:20:00.000-10:00

Red Bull - Batalla de los Gallos
El evento más esperado por la escena de Hip-Hop local.

La Batalla de los Gallos es una competencia donde los MCs demuestran sus habilidades de improvisación. El arte de la rima improvisada es mejor conocido como Freestyle en la escena Internacional. Los MCs se enfrentan uno vs. el otro hasta determinar el ganador local paraguayo que va competir en representación de nuestro país en la gran final en México DF.

Esta competencia es internacional y participan todos los países de habla hispana incluyendo España y MCs hispanos de Estados Unidos.

Para este evento tendremos presente como jurado MCs reconocidos en la escena internacional – Mustafa Yoda (Ar) – Sandoval (Ar) – Yamil Rios ( X- ile; Py)

Para la gente que no conoce el Hip-Hop verdadero fuera de la corriente principal de la cultura popular se llevara una gran sorpresa al conocer lo grande que es la escena local, que nos trae siempre nuevos y sorprendentes talentos en este estilo único del Hip-Hop de la mano de Reb Bull.

Los MCs interesados en participar en la batalla están cordialmente invitados a inscribirse al teléfono 621143 y el e-mail logomotora@gmail.com – los cupos de inscripción son limitados! También pueden visitar la página oficial de la Batalla de los Gallos de Red Bull www.batalladelosgallos.com .

Condición para poder asistir y participar de este evento es ser mayor de edad y tener C.I. vigente.

Están todos bienvenidos al evento mas esperado por nuestra tribu urbana del Hip-Hop!

Todo lo que pasa pasará hoy

2008-08-13T03:53:00.000-10:00

Para construir altar, comprar velas y agradecer a tu santo:

Brian Eno y David Byrne han anunciado lanzamiento de un nuevo disco!
Si bien ya es posible descargar, como adelanto, un tema gratis "Strange Overtones" (dejando tus datos) en un portal creado para el efecto, el nuevo disco, titulado Everything that Happens Will Happen Today, estará disponible en el mismo portal desde el 18 de agosto de este año, tanto para escucharlo gratis (streaming) o para comprarlo, tanto como descarga digital o en formato matérico.
Si bien han anunciado una nueva gira por los Estados Unidos, no lo hicieron mediante los procedimientos "comunes" de la industria musical, pues han decido salir de los esquemas habituales de marketing y difusión (dar entrevistas, colocar anuncios en revistas musicales, posters, etc.) pues simplemente esperan que el publico se entere únicamente a través de una boca en boca virtual.
Gracias a la computadora de su hogar en Midtown, Manhattan, NY conectada de alguna manera a la tuya, un emocionado Byrne resume las responsabilidades que le cupo a cada uno:
Eno: encargado musical/ él: tonadas y letras (y por supuesto, vibrarlas con las cuerdas vocales).
Este será el primer lanzamiento de Eno y Byrne desde aquella celebrada y majestuosa colaboración lanzada en febrero de 1981 titulada My Life in the Bush of Ghosts. Si hoy día, aquel disco constituye un clásico indispensable en cualquier colección privada, precisamente por poseer un sonido impresionantemente contemporáneo, no podemos mas que avizorar un futuro similar a esta nueva creación de este hiper dúo dinámico de la experimentación sónica.

Murder on The Dance Floor

2008-08-12T11:59:00.000-10:00

La Viola – Viernes 08-08-08

Con poca coherencia y cero relatos lineales es la mejor forma de comenzar el relato de la noche del beat eterno. “Si la música tuviera un génesis, sería el ritmo” dice mi viejo, y tendríamos que hacerle caso, al final, mientras más relación logremos con la música (la identificación de la letra, lo heartbreaking de la melodía o el baile) mejor.

Desde el momento que llegamos al lugar, con todo lo que el ritual conlleva, nos vamos desprendiendo de las inhibiciones. El beat, el Groove, el bajo, lo nuestro, golpeando los vidrios se siente desde el otro lado de la vereda, y de este lado se queda toda la razón, bastante rezagada a nuestros pasos. El house “is in da house!!!” desde que entramos, el DJ Happy Murder con mascara mas distorsionada que su música, asesina preconceptos y maneja las tablas como
carpintero, con la cantidad casi igual de ambos sexos equilibrando todo esta noche. El espectro de sonidos, de gente y de sensaciones, nos deja a todos un buen sabor, directamente desde la coalición más under del país, con los brazos arriba y la mirada clavada en otro.

Nuestros merecidos momentos de descanso entre tema y tema, nos preparan para la próxima y última explosión de frecuencias bajas, que en este momento ya nos tienen en el baile frenético contagiante, con muchas esperanzas de tener un final más feliz de lo acostumbrado, entendemos lo primitivo del colectivo humano, y con muy poco la desnudez mas verdadera nos llega.

El "Soul", si bien es negro, está de luto

2008-08-11T10:03:00.000-10:00

La muerte de Isaac Hayes, a los 65 años y por causa natural, deja a la música negra estadounidense sin uno de sus más activos e innovadores representantes. Compositor, arreglista, productor, pianista y vocalista, Hayes fue parte esencial del irrepetible soul de Stax Records, la legendaria compañía con residencia en Memphis. A él se le debe buena parte del avance de los sonidos negros hacia el funk, con arreglos menos viscerales y más bailables y atmosféricos.Isaac Hayes ha sido encontrado muerto en su domicilio de Memphis, en Tennessee. El cantante de soul y funk tenía 65 años y fue encontrado inconsciente junto a una cinta andador aún en marcha. Su reconocimiento le llevó a poner la banda sonora a la película Shaft, protagonizada por Samuel L. Jackson.
Nacido en 1942 en un pueblo del Estado de Tennessee, la historia de Hayes tiene atributos casi épicos. Se quedó huérfano al poco de nacer después de que su padre abandonó a su madre y ésta murió a los 18 meses de dar a luz. Fue educado en la pobreza por sus abuelos, mientras una radio le mantenía en contacto con el mundo y, especialmente, con la música de aquellos años. Solía soñar con tener una cama caliente, un buen almuerzo y ropas decentes que ponerme, confesó en una entrevista años después. Ciertamente, en los comienzos de su vida, nunca tuvo un lugar adonde ir. Cuando sus abuelos se trasladaron a Memphis, amparados por tíos lejanos, Hayes estuvo viviendo en todo tipo de lugares y trabajando de cualquier cosa para sacar dinero. Llegó a dejar el colegio por la vergüenza que le daba asistir con zapatos llenos de agujeros, aunque luego regresó y ganó un concurso de talentos al cantar un tema de Nat King Cole. La música sería su refugio, y la compañía Stax Records, en pleno guetto negro de Memphis, su hogar. En la que fue la casa de los sonidos más excitantes que ha dado la música negra, Hayes se convirtió a principios de los setenta en uno de los músicos más solicitados. Tras tocar con varias bandas por garitos de la ciudad, empezó a colaborar en grabaciones del sello. Al poco tiempo pasó a ser uno de los más activos pianistas de sesión de la casa, sin olvidar en ningún momento su faceta como letrista, lo que le llevó a formar parte de más de 200 colaboraciones. Recibió su primer sueldo de Stax tocando el piano para Otis Redding, con el que grabaría el magnífico Otis Blue. Por aquel entonces, cuando Estados Unidos era invadido por el pop de los grupos británicos desde los Beatles hasta los Rolling Stones, Hayes era un músico contratado por Stax Records, cuyo nombre había que buscar en la letra pequeña de los créditos de algunas de esas canciones negras que no llegaban a las listas blancas pero que la historia ha situado como auténticas joyas desfogadas del rythym & blues. En su haber se encuentra, entre otras, Soul Man, de Sam & Dave, B-A-B-Y, de Carla Thomas, o I Had a Dream, de John Taylor. Pero su imaginación y peculiar sentido del ritmo le llevaron a desarrollar un sonido más personal, alejado de la fuerza vocal de otros compañeros.

Tenía olfato para los arreglos diferentes y se ganó una reputación dentro de la compañía, por lo que pudo impulsar su técnica en solitario y publicó con inesperado éxito Hot Buttered Soul, donde sus limitaciones como vocalista son hábilmente dosificadas por atmósferas orquestales de larga duración. En un período en el que sólo se conocían singles, este disco contaba con tan sólo cuatro cortes superando los 40 minutos. La instrumentación ganaba mucho protagonismo y se salpicaba con notas vocales de sensualidad. Eran los cimientos para el edificio del funky instrumental y romántico que luego habitaron artistas como Marvin Gaye y Barry White. Otros nombres como George Clinton, Temptations o Sly & The Family Stone partirían de esa sonoridad para adentrarse en otros experimentos igual de interesantes. El reconocimiento del gran público llegaría en 1971 al obtener el Oscar y dos Grammy por su canción Shaft para la película del mismo título. Luego, grabaría bandas sonoras, empezaría una carrera de actor para cine y televisión y se involucraría en varios proyectos humanitarios. El nombre de Isaac Hayes era entonces sinónimo de éxito e independencia artística, e incluso tuvo connotaciones religiosas. En 1972 ganaría otro Grammy por su álbum Black Moses, en cuya portada aparecía como el mesías negro. No lo era, pero hoy son muchos los raperos estadounidenses que reconocen su legado. Al fin y al cabo, fuera de cualquier liturgia, su música tuvo algo de anunciación y consagración para el soul, el funk y lo que llegara después.

delaputaMOTHER

2008-08-09T12:21:00.000-10:00

Lado B:

"Si cerrás los ojos, son negros jazzeros de minimo 60 años de música"

delaputaMOTHER

2008-08-08T09:54:00.000-10:00

(Lado A)

Motherfunk

Sábado 02 de agosto – 23:45 hs. Creo.

La Viola Pub

*****

Justo a tiempo para las Olimpiadas a las que no clasificamos, el rock paraguayo descubrió a la perfecta Selección Sub-23, que a base de feeling, electricidad y virtuosismo, nos hubiera coronado en lo más alto del podio, mientras miramos con irreverencia a los dioses.

Aunque esta realidad sea pura ficción, convengamos que los Motherfunk son unos absolutos estrategas y saben como cautivar a sus vástagos, que a medida se desarrollan nuevas presentaciones, siguen creciendo en tamaño, volumen y cantidad. Así, este grupo de mita´is (entre todos promedian 21 años) peló mambo el pasado sábado en el estar de música viva y nos refregó en la cara 100 años de música, con un show de aproximadamente hora y media.

Principalmente, el sexteto deslumbra por su calidad compositiva y por las enérgicas vibras que contagia cada tema de su repertorio, cuyo esqueleto descansa sobre la batería de Marcelito Soler y los imparables clímax que desde el piano, aporta Rodrigo Quintás.

De esta manera, sobre una sólida estructura de fondo, las alucinaciones sónicas de la pachamama del funk, pasan de la defensa al ataque, a sólo dos toques y certeros pelotazos al área. Adelante, Gabriel Orué y Marcelo Ortigoza, saxos tenor y alto, respectivamente, definen las jugadas con la avasallante acción de sus vientos. Mientras David Muller en guitarra y el bajo de Gabriel Fretes, impulsan el ida y vuelta con una maestría insospechada, volándote el cráneo hacia el espacio interior.

Obviamente, no me pidan que no sea un inconsciente, ni que detalle los tracks del set, porque el único pedido de tema específico que irrumpió en el trance de parte de uno del centenar de asistentes, fue el de “Pasaje”, mp3 que tampoco puede bajarse de su myspace.com/karashafunk, pero que a falta de discos oficiales con los nombrecitos de los temas, puede servir de un feliz aperitivo, para disfrutar de antemano uno de los futuros ascensos a primera más vertiginosos, que criará la música de estos lares.

(Hoy)

2008-08-07T15:47:00.000-10:00

Mundo llora.

Minúsculo Homenaje al Indio Astronómico

Un gentil-hombre se sueña secuestrado por un canal de la televisión oriental en Alemania ejecutando a un misionero clamando limosna.

88 + 98 = 08

2008-08-06T20:40:00.000-10:00

fiesta del 888

electrónica en la viola! - times becomes a loop
jungle lion + simple y completo + happy murder

time and place
start time: friday, august 8, 2008 at 11:00pm
end time: saturday, august 9, 2008 at 10:00am
location: la viola
street: rca. francesa casi maricas lopez
city/town: zion para agua

www.myspace.com/simpleycompleto
http://www.myspace.com/happymurdermusic

del 988
dunamis + residentas del rock

dunamis se presentará este sábado 9 de agosto en la viola (rca. francesa c/ eligio ayala a la una cuadra de mcal. lópez) en el marco de su mini gira capitalina de presentación de los nuevos cortes promocionales “nunca mas” “te buscare”.
la banda, que promete ofrecer un show de funk rock progresivo con influencias de bandas de los 70's, 80's y 90's (y la del santísimo misterio) se caracterizara por la energía y la potencia en vivo que se tocara además de otras sorpresas!
además como banda invitada, las residentas del rock, presentaran un set de rock remake de todas las épocas del universo. este evento contara con luces y sonidos repuros – entrada diez.

dunamis es:

nicole arzberger (voz y guitarra)

ricardo lugo (batería, percusiones y coros)

cesar peralta (guitarras)

didier parra (bajo y coros)

www.purevolume.com/dunamispr
www.myspace.com/dunamispwr
http://www.orkut.com/community.aspx?cmm=33793081

las residentas del rock son:
sindy pistilli -batería

sissi pistilli -2da guitarra

dahia valenzuela -1era guitarra

natalia benitez - bajo

monica guppy -voz

http://www.residentas.multiply.com/

http://www.orkut.com/community.aspx?cmm=50771765

"y les alzaste un templo en el oído"

2008-08-06T16:04:00.000-10:00

PARA ESCUCHAR CON AUDIFONOS

Por Julio Cortázar

Me fascina que la mujer que está a mi lado escuche discos con audífonos, que su rostro refleje sin que ella lo sepa todo lo que está sucediendo en esa pequeña noche interior, en esa intimidad total de la música y sus oídos. Si también yo estoy escuchando, las reacciones que veo en su boca o sus ojos son explicables, cuando sólo ella lo hace hay algo de fascinante en esos pasajes, esas transformaciones instantáneas de la expresión, esos leves gestos de las manos que convierten ritmos y sonidos en movimientos gestuales, música en teatro, melodía en escultura animada. Por momentos me olvido de la realidad, y los audífonos en su cabeza me parecen los electrodos de un nuevo Frankenstein llevando la chispa vital a una imagen de cera, animándola poco a poco, haciéndola salir de la inmovilidad con que creemos escuchar la música y que no es tal para un observador exterior. Ese rostro de mujer se vuelve una luna reflejando la luz ajena, luz cambiante que hace pasar por sus valles y sus colinas un incesante juego de matices, de velos, de ligeras sonrisas o de breves lluvias de tristeza. Luna de la música, última consecuencia erótica de un remoto, complejo proceso casi inconcebible.

Casi inconcebible? Escucho desde los audífonos la grabación de un cuarteto de Bartok, y siento desde lo más hondo un puro contacto con esa música que se cumple en su tiempo propio y simultáneamente en el mío. Pero después, pensando en el disco que duerme ya en su estante junto con tantos otros, empiezo a imaginar decursos, puentes, etapas, y es el vértigo frente a ese proceso cuyo término he sido una vez más hace unos minutos. Imposible describirlo- o meramente seguirlo- en todos sus pasos, pero acaso se pueden ver las eminencias, los picos del complejísimo gráfico. Principia por un músico húngaro que inventa, transmuta y comunica una estructura sonora bajo la forma de un cuarteto de cuerdas. A través de mecanismos sensoriales y estéticos, y de la técnica de su trascripción inteligible, esa estructura se cifra en el papel pentagramado que un día será leído y escogido por cuatro instrumentistas; operando a la inversa el proceso de creación, estos músicos transmutarán los signos de la partitura en materia sonora. A partir de ese retorno a la fuente original, el camino se proyectará hacia adelante; múltiples fenómenos físicos nacidos de violines y violoncellos convertirán los signos musicales en elementos acústicos que serán captados por un micrófono y transformados en impulsos eléctricos; estos serán a su vez convertidos en vibraciones mecánicas que impresionarán una placa fonográfica de la que saldrá el disco que ahora duerme en su estante. Por su parte el disco ha sido objeto de una lectura mecánica, provocando las vibraciones de un diamante en el surco (ese momento es el más prodigioso en el plano material, el más inconcebible en términos no científicos), y entra ahora en juego un sistema electrónico de traducción de los impulsos a señales acústicas, su devolución al campo del sonido a través de altavoces o de audífonos más allá de los cuales los oídos están esperando en su condición de micrófonos para a su vez comunicar los signos sonoros a un laboratorio central del que en el fondo no tenemos la menor idea útil, pero que hace media hora me ha dado el cuarteto de Bela Bartok en el otro vertiginoso extremo de ese recorrido que a pocos se les ocurre imaginar mientras escuchan discos como si fuera la cosa más sencilla de este mundo.

Cuando entro en mi audífono,
cuando las manos lo calzan en la cabeza con cuidado
porque tengo una cabeza delicada
y además y sobre todo los audífonos son delicados,
es curioso que la impresión sea la contraria,
soy yo el que entra en mi audífono, el que asoma la
cabeza a una noche diferente, a una oscuridad otra.
Afuera nada parece haber cambiado, el salón con sus lámparas,
Carol que lee un libro dc Virginia Woolf en el sillón de enfrente,
los cigarrillos, Flanelle que juega con una pelota de papel,
lo mismo, lo de ahí, lo nuestro, una noche más.
y ya nada es lo mismo porque el silencio del afuera amortiguado
por los aros de caucho que las manos ajustan
cede a un silencio diferente,
un silencio interior, el planetario flotante de la sangre,
la caverna del cráneo, los oídos abriéndose a otra escucha,
y apenas puesto el disco ese silencio como de viva espera,
un terciopelo de silencio, un tacto de silencio, algo que tiene
de flotación intergaláxica, de música de esferas, un silencio
que es un jadeo silencio, un silencioso frote de grillos estelares,
una concentración de espera (apenas dos, cuatro segundos), ya la aguja
corre por el silencio previo y lo concentra
en una felpa negra (a veces roja o verde), un silencio fosfeno
hasta que estalla la primera nota o un acorde
también adentro, de mi lado, la música en el centro del
cráneo de cristal
que vi en el British Museum, que contenía el cosmos
centelleante
en lo más hondo de la transparencia, así
la música no viene del audífono, es como si surgiera de mí mismo,
soy mi oyente,
espacio puro en el que late el ritmo
y urde la melodía su progresiva telaraña en pleno
centro de la gruta negra.

Cómo no pensar, después, que de alguna manera la poesía es una palabra que se escucha con audífonos invisibles apenas el poema comienza a ejercer su encantamiento. Podernos abstraernos con un cuento o una novela, vivirlos en un plano que es más suyo que nuestro en el tiempo de lectura, pero el sistema de comunicación se mantiene ligado al de la vida circundante, la información sigue siendo información por más estética, elíptica, simbólica que se vuelva. En cambio el poema comunica el poema, y no quiere ni puede comunicar otra cosa. Su razón de nacer y de ser lo vuelve interiorización de una interioridad, exactamente como los audífonos que eliminan el puente de fuera hacia adentro y viceversa para crear un estado exclusivamente interno, presencia y vivencia de la música que parece venir desde lo hondo de la caverna negra.
Nadie lo vio mejor que Rainer María Rilke en el primero de los sonetos a Orfeo:

O Orpheus singt! o Hoher Baum im Ohr!
Orfeo canta. ¡Oh, alto árbol en el oído!

Árbol interior: la primera maraña instantánea de un cuarteto de Brahms o de Lutoslavski, dándose en todo su follaje. Y Rilke cerrará su soneto con una imagen que acendra esa certidumbre de creación interior, cuando intuye por qué las fieras acuden al canto del dios, y dice a Orfeo:

da shufst da ihnen Tempel ím Gehür
y les alzaste un templo en el oído.

Orfeo es la música, no el poema, pero los audífonos catalizan esas “similitudes amigas” de que hablaba Valéry. Si audífonos materiales hacen llegar la música desde adentro, el poema es en sí mismo un audífono del verbo; sus impulsos pasan de la palabra impresa a los ojos y desde ahí alzan el altísimo árbol en el oído interior.

Fragmento de "P.E.C.A" del libro Salvo el crepúsculo.

DOKMA + KAMBA´I

2008-08-05T10:31:00.000-10:00

EL CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA “JUAN DE SALAZAR”
presenta y patrocina el ciclo de conciertos
“La canción es siempre la misma”

Dokma compartirá el escenario con Kamba’i

SÁBADO 16/08/08 – 20:00 HS – AUDITORIO “MANUEL DE FALLA” – ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

El tercer concierto del ciclo “La canción es siempre la misma” tendrá como protagonista al grupo de rock experimental paraguayo DOKMA y a un invitado de lujo, el “hechicero” de la guitarra popular maestro EFRÉN “CAMBA’I” ECHEVERRÍA, en la noche del sábado 16 de agosto próximo, a las 20 horas, en el auditorio “Manuel De Falla” del Centro Cultural de España “Juan de Salazar” (Herrera 834), que presenta y patrocina esta novedosa serie. La entrada será libre y gratuita, como en todas las actividades que alberga este espacio de cultura.
La ocasión será propicia para disfrutar de un show verdaderamente original, en el cual Rodrigo "Jurú" Pampliega en voz, teclados y guitarra acústica; "Felipón" Muñoz en batería; Jorge Amado "Coelho" en guitarra eléctrica; Javier "Cala" Del Puerto en bajo y Steven Wu en violín eléctrico ofrecerán una mirada a su repertorio más conocido, registrado en los discos “Afroloco I” (1999) y “Amerikachorros” (2002), presentarán composiciones más recientes, que estarán en su próximo trabajo -que ya tiene título: “Eurofeo”- y vivirán momentos de gran emoción con la presencia de una verdadera leyenda viviente de la música paraguaya, reconocido justamente como patrimonio cultural viviente por la UNESCO.
Camba’i (1932, Lima, San Pedro) es músico autodidacta, compositor y recopilador, y como tal desarrolló una técnica muy peculiar de hacer cantar el instrumento: ejecuta la guitarra rasgueando y punteando a la vez, sirviéndose de una afinación muy personal también. Admirado hoy por francamente todas las generaciones de guitarristas, don Efrén conoció una vida llena de sacrificios (fue obrajero, vivió en un camión, fue portero de un ministerio y guardia nocturno de un canal de televisión…), pero nunca nada le hizo perder la festiva alegría de tocar su instrumento.
Dokma es una de las bandas emblemáticas de la movida de mediados de los años 90, cuando la escena vivió una suerte de explosión de grupos ansiosos de explorar una música despojada de las etiquetas estilísticas tradicionales. El llamado “rock alternativo” tuvo su apogeo en esos años y Dokma es un digno referente de su tiempo, aunque creativa y musicalmente tuvo un crecimiento tal que lo hace dueño de una propuesta muy característica y original.
El concierto inaugural de “La canción es siempre la misma” estuvo en manos de Fauna Urbana, que compartió escenario con Vocal 2; y el segundo espectáculo marcó el debut como solista del vocalista de Deliverans, Neine Heisecke, ambos con gran repercusión de público.

¡GRACIAS POR LA DIFUSIÓN!

Qué es el POGO ?

2008-08-05T10:13:00.000-10:00

Pogo

El pogo es un baile que consiste en saltar y chocarse unos contra otros al ritmo de la música en un concierto.
Parece tener sus inicios en la música punk, y su invención se atribuye a Sid Vicious, bajista de Sex Pistols, durante un concierto de la banda, antes de formar parte de la misma. Al parecer en dicho concierto no había escenario, la banda tocaba al mismo nivel que el público, y como no podía ver nada empezó a saltar y a empujar.
Así la version arcaica de este baile perdura hasta nuestros dias en el punk sin demasiadas modificaciones. Se baila con géneros de música fuertes como el punk, el hardcore, thrash metal, Heavy Metal, Hard rock, crust, etc. Además de los empujones, se incluyen todo tipo de expresiones y movimientos para expresar la potencia o tensión de la música y expresar las emociones de quien baila a través del ritmo. Sirve para liberar, a menudo de una forma controlada, emociones sobrecargadas, frustraciones, estrés, o tensiones violentas.
Otras versiones aseguran que Sid Vicious utilizaba un pogo stick palo para saltar y de ahi su nombre. En algunos casos se llama al Pogo Slam, aunque generalmente se llama así al salto desde el escenario.

Cómo se baila:

La forma más común de pogo consiste en moverse frenéticamente siguiendo las sensaciones de la música, haciendo gestos con el cuerpo o dando patadas al aire, o empujando a los que se tienen cerca.

1)Normalmente estos empujones tienen un carácter instigador más que de agresión, y buscan integrar de una forma enérgica pero amistosa, a los demás en el baile. Cuando los demás responden, entonces se forma un ambiente en que se empujan y apelotonan unos contra otros, transmitiéndose la adrenalina que les inspira la música, y liberando tensión emocional.
2)Cuando el pogo es consciente, se evita la violencia innecesaria en los movimientos, especialmente al llevar los codos hacia uno y otro lado.
3)Suele bailarse justo delante del escenario, procurando no molestar a quienes no quieren bailar, que se quedan un poco más lejos, o a un lado.
4)La costumbre es limitar la violencia en el caso de algún caído y siempre ayudar a levantarse si uno cae.
5)En ocasiones, debido a la pasión del público o la fuerza de la música, se supera ese nivel de expresión y puede acabar siendo un ambiente asfixiante del que facilmente se podria salir magullado, pisoteado o lesionado.

A pesar de su aspecto violento, este baile sirve a veces como gesto colectivo de camaradería, baño de masas, y confianza mutua. Sirve como ritual o terapia en el que compartir una limpieza de tensiones emocionales a través del movimiento.
Es un baile que requiere mucha resistencia respiratoria y cardíaca, y frecuentemente muscular, sobre todo si el apelotonamiento es intenso.

Variaciones:

Otra variante consiste en subirse al escenario y desde allí saltar hacia la gente (Stage diving) o (Mosh).(En algunos lugares se llama Mosh también al pogo, y al salto sobre el público Slam). En algunos conciertos se da al público la confianza de entrar en el escenario a su libre albderío, a condición de no molestar a los músicos, romper algo ni alborotar, o que suba demasiada gente al mismo tiempo. En otros se colocan vallas de contención que mantengan una distancia de alrededor de un metro entre el público y el escenario, para evitar esta práctica

1)Cuando se salta, el público recoge al saltador/a, y usualmente se le transporta o pasa entre varios por encima de la gente, como en un acto de celebración de la energía entregada por el saltador a la música.
2)Si es llevado de forma fluida por muchos brazos, puede hacer gestos, posturas, saludar o representar algún tipo de mensaje con sus movimientos.
3)El saltador debe tener cuidado de lanzarse cuando la gente está atenta a sus movimientos, o cuando la masa de gente es lo suficiente compacta para sostenerle. En ése y los demás casos, debe tener cuidado de caer de forma no violenta, coordinando la fuerza de su caída con la del público que le recibe. No se debe saltar cuando el movimiento de la gente puede dejar huecos por los que se pueda caer al suelo (Ha habido muertes por este accidente).
4)El público generalmente debe estar atento para sujetarle si es necesario, que lo es en la mayoría de los casos, y para socorrerle si el salto no tiene un buen final o se cae. También debe haber cortesía para ayudar a los que deseen subir al escenario, o ser aupados para saltar sobre la gente desde otro sitio, como los hombros de los compañeros, u otros lugares elevados del lugar del concierto.

También hay movimientos como:

•Correr en círculos.
•Death wall: Dividir el público en dos grupos que se miran de frente antes de la canción, y cuando empieza el ritmo corren un grupo contra otro, pudiendo mezclarse, o bien chocar y levantarse unos sobre otros.
•Saltos con las rodillas hacia el pecho
•"El círculo de la muerte" variante de pogo en donde el público forma una ronda lo más grande posible esperando el punto álgido de la canción para chocar y entremezclarse al compás de la música.
•En algunos ambientes, con estilos de música especialmente enérgicos, han surgido formas de baile más violento, incluyendo gestos desafiantes, patadas, pisotones, brazos volteadores (como un boxeador que prepara un golpe). Aunque generalmente se permite hacer, no es aceptado por la mayoría, porque suelen recibirse golpes muy fuertes, y en algunos de los movimientos se considera una expresión muy agresiva.
•En el caso del new metal es totalmente distinto no hay choques ni hay giros solo saltos estáticos al ritmo.
•En el Punk-ska se baila una forma más suelta que incorpora aspectos de la tradición reggae, fusionando ambos bailes para lograr un movimiento más fijo en con abuntantes giros y saltos, Menos empujones y choques.
•En el Oi! exige más violencia y resistencia, utilizando continuamente puñetazos y patadas.

Otros términos:

En algunos lugares se lo conoce como Mosh o Slam. En países de latinoamerica, como Panamá, o México se le denomina Slam, incorporando una variante de ronda perifericarica en el ultimo caso. En diversas zonas de España (especialmente en Cataluña) y en Venezuela lo llaman "hacer ollas" o simplemente ¨La olla¨. En Chile se conoce también como Rueda, y en Uruguay como "Agite", o "agitar". Mucha gente se dobla el pie en ruedas, y al otro dia anda con los pies todos molidos.